5 pinturas que inspiraram cineastas famosos

Antes do cinema, havia apenas imagens. Depois vieram os irmãos Lumière, que mostraram ao mundo como uma intrincada montagem de fotografias poderia convergir entre si para criar uma forma de arte diferente de qualquer outra. À medida que sua invenção revolucionária continua avançando, muitos cineastas continuam buscando inspiração em artistas de diferentes épocas. Aqui estão cinco exemplos de como a história da arte influenciou o cinema.

1. A influência de Caravaggio no grande cineasta Martin Scorsese

Indiscutivelmente o maior cineasta de todos os tempos, o conhecimento enciclopédico de Martin Scorsese sobre o mundo da arte é verdadeiramente incomparável. Embora normalmente esteja associado à sua experiência em cinema e música, sua proficiência em arte clássica também é bastante evidente em seu trabalho. Às vezes é flagrante como em 1993 Era da Inocência onde ele recria meticulosamente a arte, a paisagem, a arquitetura, o design de interiores e o guarda-roupa da Nova York da década de 1870. Embora na maioria das vezes ele implemente essas influências de forma mais sutil, como é o caso de seu primeiro filme substancial Ruas principais .

Situado na Nova York dos anos 1970, o filme é sobre a animosidade entre jovens ítalo-americanos enquanto eles caminham na linha entre a cidadania íntegra e a lealdade à Máfia. A maior parte das cenas acontecem em bares onde os personagens, nomeadamente Robert De Niro no seu papel de estrela como Johnny Boy, procuram ter as suas dívidas pagas e os empréstimos aumentados. Essas cenas são projetadas de forma semelhante às de Caravaggio A conversão de São Paulo, Judite decapitando Holofernes em termos de como as fotos são enquadradas e iluminadas. Apesar da sua quietude, a pintura do controverso O artista ilustra claramente a história que ocorreu antes, durante e depois da imagem. O mesmo pode ser dito sobre Ruas principais na medida em que o visual das sequências de barras revela as relações entre os personagens antes mesmo de o diálogo começar.

O próprio Scorsese admite aquele Caravaggio meio que permeou todas as sequências do compasso… Ele estava lá do jeito que eu queria, o movimento da câmera, a escolha de como encenar uma cena . Esta abordagem também se aplica à forma como ambos os artistas usam a violência nas suas respetivas obras, uma vez que nunca é gratuita ou de mau gosto. Eles enfatizam a autenticidade do momento, mostrando uma rápido vislumbre do choque em vez de insistir nisso. As impressões digitais de Caravaggio podem ser encontradas em toda a filmografia de Scorsese.

2. Adaptação de Michael Mann de Pacífico por Andrew Colville

Em contraste com a seleção anterior, este é um exemplo de como uma imagem pintada pode ser recriada na tela prateada devido ao poder de sua estética. Poucos pensam em Michael Mann quando se trata dos maiores cineastas de todos os tempos, mas entre o filme de 1981 Ladrão , 1985 Caçador , 1991 Último dos Moicanos , e 2004 Garantia , sua filmografia pode ser tão eclética quanto qualquer outra. No entanto, seu filme mais conhecido é o épico policial de 1995. Aquecer e sua moldura mais icônica foi extraída diretamente da pintura de Andrew Colville intitulada Pacífico .

A qualidade mais envolvente do trabalho de Colville é a sua ambiguidade intelectual, pois faz com que os espectadores coloquem uma série de questões enquanto observam a imagem. Quem é esse homem? Ele é um criminoso? Esta é a casa dele? Ele acabou de usar aquela arma? Embora Mann nunca tenha discutido publicamente Pacífico influência sobre Aquecer , é evidente que ele é um admirador da misteriosa obra de arte.

Em Aquecer , estrelado por Robert De Niro como o habilidoso ladrão de bancos Neil McCaughley, Mann pega o que seria uma história comum de policiais e ladrões e a amplifica com personagens detalhados que navegam em seus comportamentos humanos. Isso é mostrado logo no início, quando um inquieto McCaughley retorna para sua casa de praia depois que um novo parceiro se torna imprudente e abandona a tripulação; um erro incomum para um homem de sua natureza. Ele coloca a arma e as chaves sobre uma mesa e caminha até uma janela com vista para o Oceano Pacífico. É com este momento congelado no tempo que, tal como Colville, Mann desafia o espectador a questionar-se da mesma forma que McCaughley e a fazer um julgamento honesto sobre o seu complicado antagonista.

3. A influência de Hippolyte Flandrin nos filmes de Paul Thomas Anderson

Da mesma forma que Scorsese, a mente de Paul Thomas Anderson (conhecido como PTA na comunidade cinematográfica) é rica em referências à literatura, música e arte. Ele tem a tendência de basear sua cinematografia em peças de arte icônicas, sendo a mais famosa facilmente uma de seu filme. Vício inerente que recria habilmente a obra de Leonardo da Vinci A última Ceia por nenhuma outra razão além de diversão. No entanto, é em sua obra-prima de 2007 Haverá sangue que sua afinidade por pinturas se mistura graciosamente com seu amor pelo cinema.

Estudo (jovem nu masculino sentado à beira do mar) por Hippolyte Flandrin, cujo trabalho foi realizado durante o Segundo Império Francês , é similar a Pacífico na medida em que retrata uma figura cuja história é vaga. Quer o jovem tenha naufragado nesta praia ou seja apenas o lobo solitário da sua matilha, a sua angústia é palpável. A maneira como Paul Thomas Anderson adapta esta imagem em Haverá sangue é fascinante porque permite que o protagonista Daniel Plainview, interpretado pelo marcante Daniel Day-Lewis, reaja ao visual de uma forma que também informa a reação do público. A figura trágica na pitoresca praia já é um visual poderoso por si só, mas o momento em que surge na história (um foco principal na peça de Flandrin) apenas aumenta a sua força.

Paul Thomas Anderson é um daqueles cineastas que não fala muito com a imprensa sobre seus filmes no lançamento, uma decisão admirável de sua parte, pois cabe ao espectador julgar seu trabalho sem quaisquer explicações. Afinal, artistas como Flandrin não precisavam dar entrevistas sobre seu trabalho depois de concluído, então por que Paul Thomas Anderson deveria?

4. O uso do realismo de Andrew Wyeth por Terrence Malick

Se houvesse um cineasta notável que pudesse facilmente ter sido um pintor impressionista em outra vida, provavelmente seria Terrence Malick. Conhecido por seu árduo processo de filmagem, desde a escrita do roteiro até a edição da versão final, dizer que ele é um perfeccionista seria um grande eufemismo. Mas pelo quão preciso ele é como visualista, sua abordagem com os personagens é mais orgânica, pois muitas vezes ele permite que seus atores improvisem a maneira como se movem em uma cena.

O mesmo sentimento deriva Andrew Wyeth bela pintura O mundo de Cristina que retrata uma jovem deitada em um campo gramado. É mais um caso em que o espectador deve se perguntar como e por que Cristina chegou a este local. Essencialmente, todos os personagens de todos os filmes de Malick têm exatamente a mesma qualidade – a sensação de que estão sempre, figurativamente e às vezes literalmente, conectados à Terra.

Embora os temas de Christina’s World se apliquem a todo o trabalho de Malick, sua influência é mais óbvia no drama romântico de 1978. Dias do Céu . O filme é sobre viajantes do meio-oeste americano no início do século 20, onde todos buscam algum tipo de fortuna. Há uma história envolvente no centro, mas, em última análise, as cenas mais impactantes são os momentos da vida em que os personagens simplesmente caminham pelas paisagens expansivas além deles e se conectam com toda a vida que os rodeia.

5. O uso da arte de Dante Gabriel Rossetti pelo cineasta Stanley Kubrick

Aparentemente um sábio artístico desde o dia em que nasceu, Stanley Kubrick começou a fazer longas-metragens aos 23 anos e explorou uma variedade de gêneros diferentes ao longo de sua carreira. Da comédia absurda de Doutor Estranho , a fantasia épica de 2001: Uma Odisseia no Espaço, ao horror visceral O brilho, não havia nenhum tipo de filme que Kubrick não pudesse fazer.

Dada a diversidade de materiais com os quais Kubrick se interessou, ele foi forçado a confiar fortemente em sua experiência em arte tradicional para influenciar seu trabalho. O exemplo mais óbvio disso é o drama de época de 1975 Barry Lyndon que literalmente parece uma série de pinturas do século XVIII ganhando vida, mas o mais intrigante em termos de sua relação com a arte tradicional é seu enigmático filme final Olhos bem Fechados que foi concluído poucos dias antes de sua morte prematura. Sendo um de seus filmes mais difíceis de decifrar, cabe aos espectadores examinar cuidadosamente cada quadro e descobrir seus mistérios artísticos.

Olhos bem Fechados é sobre um casal interpretado por Tom Cruise e Nicole Kidman que enfrenta os perigos de escapar de suas zonas de conforto, com o conflito de Cruise envolvendo um culto sexual assustador. Durante uma cena em que ele encontra uma revelação em um café, há pinturas espalhadas pelas paredes sendo uma das mais proeminentes Astarte Siríaco por Dante Gabriel Rossetti . Não é apenas um retrato que lembra vagamente a aparência do personagem de Kidman, mas seus temas de exotismo e sensualidade permeiam todo o filme. Embora possa parecer uma mera decoração do cenário, é melhor presumir que a seleção de Kubrick foi enfática, pois não há um único detalhe em seus filmes que não tenha recebido intensa reflexão e cuidado.