Como a fotografia foi pioneira em uma nova compreensão da arte

O primeiro processo fotográfico amplamente disponível foi tornado público em 1839 por Louis Daguerre, criador do Daguerreótipo. A popularização da fotografia causou grande agitação no mundo da arte e levou a mudanças significativas na forma como a arte era percebida. Como a fotografia podia retratar o mundo com mais precisão do que a pintura, esta teve que se reinventar. Por esta razão, o foco dos pintores mudou de representar a realidade para retratar emoções e impressões. A fotografia pode, por isso, ser vista como um grande impulso para a reinvenção da pintura ocorrida no final do século XIX e ao longo do século XX.

Quando e como surgiu a fotografia?

Duas crianças olhando para a imagem produzida dentro de uma câmera escura, retirado da Filosofia Natural de E. Atkinson , via Science & Society Picture Library Prints

O primeiro processo fotográfico bem sucedido, o Daguerreótipo , foi criado em 1837 por Louis Jacques Mandé Daguerre. Daguerre já havia trabalhado como pintor de cena profissional em um teatro. Por isso, já conhecia o sala escura , uma pequena sala escura com um pequeno orifício ou lente que permitia uma imagem de fora. Daguerre se inspirou nesse processo para criar a primeira câmera fotográfica do mundo.

o sala escura já era usado há séculos e permitia a reflexão de imagens do mundo exterior em uma superfície plana. Até Daguerre, a principal dificuldade era gravar a imagem produzida sem ter que desenhar sobre ela em um pedaço de papel. Mesmo depois que outros inventores no século 19 conseguiram transferir a imagem para um pedaço de cobre, a imagem desapareceu rapidamente quando exposta à luz. Antes de Daguerre, era impossível uma fotografia sair da câmara escura em que foi produzida.

No entanto, Daguerre não gravou as imagens em papel, mas sim em placas de cobre revestidas de prata. Esta invenção foi anunciada ao público por um amigo, Dominique François Jean Arago, em 1839. A partir daí, esse novo processo se espalhou pelo mundo. No final de 1839, daguerreótipos começaram a ser produzidos em várias nações industrializadas. Devido à rapidez com que se espalhou, esta nova invenção foi rapidamente aperfeiçoada por vários fabricantes.

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Foi no Reino Unido, no início da década de 1840, que os primeiros estúdios de fotografia europeus apareceu. Os tempos de revelação diminuíram significativamente, dos trinta minutos de Daguerre para apenas vinte segundos na maioria dos estúdios. No final da década de 1880, George Eastman criou os primeiros rolos de filme. A partir daí, os fotógrafos não precisavam carregar placas de cobre revestidas de prata, e a fotografia tornou-se mais barata e acessível.

Recepção da Fotografia: A Democratização da Arte

Still Life, a primeira fotografia já tirada com um Daguerreótipo confiável , 1837, via My Modern Met

A fotografia teve um impacto significativo na sociedade do século XIX e sua recepção nos meios artísticos variou . Enquanto alguns acolhiam a fotografia e a usavam como auxílio para sua produção artística, outros criticavam essa invenção e se recusavam a considerá-la útil para os artistas, como fez Gustave Courbet .

Independentemente das diferentes recepções da fotografia, esta invenção revolucionou as sociedades europeias do século XIX. Pela primeira vez, a arte tornou-se acessível não apenas para as classes mais altas, mas também para as mais baixas. Famílias de classe média e baixa podiam ter seus retratos feitos quase instantaneamente em um estúdio de fotografia por preços relativamente acessíveis.

Pode-se dizer que houve, pela primeira vez, uma democratização da arte e da imagem. Enquanto alguns reagiram positivamente a isso e à acessibilidade da arte em toda a sociedade, outros viram isso como uma banalização da criação artística. Muitos criticavam a fotografia e a viam apenas como uma imitação industrial da arte para fins comerciais.

Arte antes do advento da fotografia

Retrato em um estúdio de fotografia , Século XIX, via ENGIM

Apesar de suas variações, os movimentos artísticos na Europa antes do século XIX sempre tiveram realismo como foco . Sua mudança e variação manifestaram-se principalmente na mudança temática (o que foi pintado) ou técnica, mas a representação realista sempre foi valorizada em todos eles.

Na época da invenção e difusão da fotografia, os principais movimentos artísticos na Europa eram Romantismo e Neoclassicismo . A primeira já havia introduzido uma mudança no mundo artístico ao enfatizar a expressão do artista.

Diana e Cupido por Pompeo Stone , 1761 (Pintura Neoclássica), via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

Na pintura romântica, havia muitos elementos que não pertenciam à realidade (elementos sobrenaturais, por exemplo), mas que, no entanto, eram representados de forma realista.

Na pintura neoclássica, houve um renascimento da representação de figuras e cenas mitológicas. Da forma mais bela e harmoniosa possível, estes sempre foram representados com grande detalhe e precisão. Mesmo que alguns artistas não se enquadrassem nesses movimentos artísticos, eles ainda pintavam de forma realista. Quer fossem temas humanos, natureza ou figuras mitológicas, o que as pinturas europeias da época tinham em comum era o objetivo de representar imagens com a maior precisão e detalhes possíveis.

Impressionismo: um movimento artístico moldado pela fotografia

O Boulevard Montmartre em uma manhã de inverno por Camille Pissaro , 1897, via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

Os pintores que testemunharam o advento da fotografia desenvolveram uma percepção da realidade e das imagens diferente de seus predecessores. Esses artistas entendiam que a realidade era transitória e que cada momento era fugaz e limitado. A natureza da realidade, esses pintores perceberam, deveria estar em constante movimento.

Por isso, o movimento artístico deImpressionismofoi o primeiro a desviar-se da norma realista na arte europeia. Os artistas do Impressionismo aceitavam que a fotografia era a melhor para capturar imagens fixas e que não podiam superá-la. Por isso, os impressionistas exploraram outras dimensões da pintura, como cor, luz e movimento. Esse estilo deixou claro que a pintura não era para competir com a fotografia, mas sim para complementá-la, para representar o que a fotografia não podia.

impressão, nascer do sol por Claude Monet , 1872, via Arte em Contexto

Os pintores impressionistas, em vez de representar com precisão a realidade em detalhes, concentram-se na impressão da realidade e tentam transmitir movimento em suas pinturas . As pinturas impressionistas representam a realidade percebida pelo olho humano: fugaz e transitória, às vezes obscura ou borrada. A princípio, essas representações um tanto borradas da realidade foram criticadas como pinturas de baixa qualidade ou inacabadas, mas com o tempo passaram a ser apreciadas.

A partir desse momento, tornou-se amplamente aceito que a pintura não poderia competir com a fotografia na representação precisa da realidade. Essa percepção, de certa forma, liberou a pintura dos grilhões do realismo e abriu as portas para uma mudança nos círculos artísticos. Em vez de valorizar o realismo, os artistas passaram a se concentrar em expressar emoções, impressões e tudo o que faz parte da experiência humana. De muitas maneiras, o Impressionismo criou uma ponte entre a arte tradicional, que tinha o realismo em sua essência, e a arte modernista, que se distanciava de uma representação precisa da realidade.

O movimento de arte modernista: uma nova concepção de arte

mulher com chapéu por Henri Matisse , 1905, via Museu de Arte Moderna de São Francisco

Até o início de o século 20 , ficou claro que a fotografia veio para ficar. Não apenas isso, mas havia outro meio totalmente novo para representar a realidade: o filme. Após a projeção de um filme em 1895 em Paris pelos irmãos Lumière, este novo meio foi rapidamente aprimorado e ganhou popularidade significativa. Representar a realidade com precisão não era mais uma tarefa necessária para os pintores. Por esta razão, o impressionismo foi apenas o primeiro de uma série de movimentos artísticos que se afastaram do realismo.

Durante a primeira metade do século 20, houve vários movimentos dentro do Modernismo que transformou o mundo da arte. O primeiro foi Fauvismo , que representava cenas e assuntos reais usando cores brilhantes que geralmente não correspondiam à realidade. Os fauvistas usavam pinceladas grossas, inspirando-se em pintores pós-impressionistas como Vincent van Gogh. O principal nome do fauvismo foi Henri Matisse. Quando perguntado qual a cor do vestido da senhora em sua famosa pintura mulher com chapéu foi, ele teria respondido: Preto, obviamente .

Um dos primeiros movimentos da corrente modernista foi expressionismo , que teve suas origens em Van Gogh e Edvard Munch, mas foi desenvolvido significativamente algumas décadas depois através do grupo alemão A Ponte ( A Ponte ). No expressionismo, o foco não é representar a realidade externa com precisão, mas a realidade interna, sentimentos e emoções. Artistas expressionistas usavam cores vibrantes e pinceladas extraordinariamente grossas, e as pinturas resultantes eram extremamente densas e intensas, transmitindo emoções e ambientes claros.

Paisagem apocalíptica por Ludwig Meiner , 1912, pela Sotheby's

Particularmente durante os anos que se seguiram à Primeira Guerra Mundial , As pinturas expressionistas tornam-se particularmente grotescas e sombrias. Ao focar nas emoções na representação da realidade, os expressionistas poderiam pintar uma imagem mais precisa e crítica da sociedade. De muitas maneiras, essas pinturas podiam mostrar o que a fotografia não podia, ou seja, os sentimentos dos artistas em torno da realidade representada.

Provavelmente um dos movimentos mais famosos dentro do Modernismo éCubismo. Esse movimento revolucionou o conceito de perspectiva e rejeitou a representação de objetos tridimensionais. Em vez de usar técnicas típicas de modelagem e perspectiva, os cubistas, como Picasso ou Braque, representavam os objetos como bidimensionais, muitas vezes tentando incluir diferentes perspectivas de um único objeto de cada vez. Ao explorar a perspectiva dessa maneira, o cubismo, como outros movimentos artísticos modernistas, vai além do que a fotografia pode fazer. Às vezes, os objetos representados se afastam tanto da realidade que é extremamente difícil entender o que são. Mais tarde, o cubismo evoluiu para se tornar mais acessível e fácil de entender, como visto nas pinturas mais famosas de Picasso, como Guernica .

Natureza morta: violino e castiçal por George Braque, 1910, via Museu de Arte Moderna de São Francisco

Por volta de 1920 começou um dos movimentos mais importantes dentro do Modernismo: Surrealismo . Os surrealistas continuam de onde os dadaístas pararam. Embora frutífero em seus primeiros anos, o movimento dadaísta rapidamente se perdeu em seu próprio absurdo e foi abandonado por muitos artistas. O surrealismo, apesar de enigmático e absurdo à sua maneira, não é desprovido de sentido. Muito pelo contrário, tenta demonstrar a sobreposição de processos psicológicos na mente humana que causam sonhos e imaginação.

O Momento Sublime por Salvador Dalí , 1938, via Fundação Gala

Na pintura surrealista, não é a realidade física que é representada, mas o sonho e a realidade inconsciente. Como em outros movimentos artísticos modernistas, o surrealismo é complementar à fotografia porque representa algo muito além de seu alcance: a mente humana e o mundo dos sonhos. Ao se libertar dos grilhões da realidade, os pintores surrealistas retratam nossas mentes e sonhos de maneira revolucionária.

Como a pintura modernista influenciou a fotografia

Corte com a faca de cozinha Dada através da última época cultural Weimar Beer-Belly na Alemanha por Hannah Hoch , 1919, via Museus Estatais em Berlim

Apesar de não ter sido criada com propósitos artísticos, a fotografia foi rapidamente explorada pelos artistas. Primeiro, a fotografia foi usada como auxílio para pintura ou outras formas de arte tradicionais. Mais tarde, alguns artistas começaram a explorar a combinação de fotografia, pintura e outros meios, criando assim novas formas de arte, como a fotomontagem. Um dos principais artistas deste novo meio artístico foi Hannah Höch , um artista da República de Weimar, que criou exemplos famosos de fotomontagem.

Levou algum tempo e controvérsia para a fotografia ser considerada uma forma de arte. Muitos críticos, até o século 20, ainda se recusavam a aceitar a fotografia como algo mais do que um mecanismo industrial que imitava a realidade, mas tinha pouco valor artístico por conta própria. No entanto, ao longo do século 20, a fotografia começou a ser reconhecida como uma forma de arte, e os fotógrafos criaram formas inovadoras de se expressar através dela.

Equivalente por Alfred Stieglitz , 1927 (fotografia abstrata), via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

O modernismo também influenciou significativamente a fotografia e suas representações alternativas da realidade e da emoção humana. Durante o século 20, os fotógrafos também exploraram experiências e fotografia abstrata . Apesar de ainda representar a realidade, esses tipos de fotografia exploram formas, cores e perspectivas sem se esforçar para representar com precisão uma determinada cena ou objeto.

Como a fotografia mudou nossa percepção da arte: uma visão geral

Ilhas Amarelas por Jackson Pollock, 1952, via Tate Museum, Londres

A invenção do Daguerreótipo em 1837 impactou a sociedade e o mundo artístico que Daguerre não poderia ter previsto. Ao superar a pintura em sua capacidade de representar a realidade, a fotografia, de certa forma, liberou a pintura da necessidade de ser realista. A fotografia também permitiu um acesso mais amplo à arte e retratos, que estavam em alta demanda na sociedade do século XIX.

O impressionismo foi o primeiro movimento a ser moldado pela fotografia e se afastar do realismo que era a norma na arte européia. Esse movimento atuou como uma ponte entre os movimentos anteriores e o Modernismo. Nos vários movimentos artísticos do Modernismo, muitos artistas exploraram inúmeras novas formas de se expressar. Os artistas começaram a focar na experiência humana e nas diferentes formas de perceber a realidade e criaram obras revolucionárias. A fotografia seguiu a tendência à subjetividade e à abstração, o que contribuiu para o seu reconhecimento como uma forma de arte própria.

Atualmente, a arte é entendida não apenas como uma representação fiel da realidade, mas como algo que provoca o pensamento e a emoção. Muitos espectadores estão interessados ​​nos significados e sentimentos que uma obra de arte transmite ou representa ou na crítica social que ela contém. O realismo, embora ainda valorizado por alguns, perdeu seu lugar de prioridade nos meios artísticos e pelos próprios artistas. Isso fica especialmente claro quando pensamos em movimentos artísticos que se distanciaram da realidade, como Expressionismo abstrato .