Por que o fotorrealismo era tão popular?

O fotorrealismo surgiu como um estilo de pintura popular na década de 1960 em Nova York e Califórnia. Os artistas imitaram a precisão técnica da fotografia e a atenção microscópica aos detalhes, criando imagens que pareciam inteiramente maquina feita . Suas ideias se espalharam rapidamente por grande parte dos Estados Unidos e da Europa e, embora tenha evoluído ao longo dos anos, ainda é um estilo de pintura predominante hoje. Mas o que havia nesse estilo de pintura que conquistou o mundo da arte? Foi simplesmente sobre meticulosamente copiando fotografias na pintura, ou havia mais do que isso? Examinamos algumas das razões mais importantes pelas quais o fotorrealismo se estabeleceu e as maneiras pelas quais ele abriu novas e empolgantes maneiras de pensar e fazer arte.

1. O fotorrealismo era sobre precisão técnica

Audrey Flack, Rainha, 1975-76, via Galeria Louis K Meisel

Um dos conceitos-chave em torno do fotorrealismo foi sua ênfase na precisão técnica . Embora este fosse predominantemente um estilo de pintura, os artistas pretendiam remover completamente qualquer vestígio de sua mão, então o resultado final parecia totalmente mecânico. Para tornar a vida ainda mais difícil, os artistas que pintavam nesse estilo muitas vezes buscavam desafios técnicos específicos, como a superfície brilhante do vidro, os reflexos nos espelhos ou a invocação da luz fotográfica. Em seus estudos de naturezas mortas “Vanitas”, a artista americana Audrey Flack pintou todos os tipos de superfícies brilhantes, de espelhos e tampos de mesa de vidro a frutas frescas e joias.

2. O fotorrealismo transcendeu as limitações da fotografia

Gerhard Richter, Brigid Polk, (305), 1971, via Tate

Alguns artistas fotorrealistas exploraram o uso de múltiplas fontes fotográficas dentro de uma pintura, e isso lhes permitiu transcender a perspectiva de um único ponto encontrada em uma fotografia individual. Outros se concentraram em uma atenção incrível, como poros da pele ou folículos capilares que seriam difíceis de capturar em uma única imagem fotográfica. Um dos exemplos mais famosos é o do pintor americano Chuck Close Auto-retrato, uma vasta e imponente representação do rosto do artista pintada em foco nítido. Para se desafiar ainda mais, Close também pintou o brilho de seus óculos e um cigarro meio aceso pendurado em seus lábios. artista alemão Gerhard Richter brincou ainda mais com as fronteiras entre pintura e fotografia, pintura imagens fotográficas borradas para dar-lhes uma sensação pictórica.

3. Celebrava a Cultura Popular

John Salt, Automóvel Vermelho/Verde, 1980, via Christie´s

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Muitos artistas fotorrealistas estavam intimamente alinhados com Arte pop, apropriando-se de imagens da cultura popular e da vida normal, como anúncios em revistas, cartões postais, fachadas de lojas e cenas de rua. Assim como a Pop Art, o Fotorrealismo tomou um pós-moderno abordagem. Rejeitou os ideais elitistas e utópicos de alta modernismo e abstração , conectando a arte de volta ao mundo real e às experiências de pessoas normais. O artista britânico Malcolm Morley fez pinturas baseadas em antigos cartões postais de transatlânticos, enquanto o artista americano Richard Estes pintou o verniz brilhante de fachadas de lojas e carros passando na rua. Um estilo inexpressivo emergiu dessa escola de pensamento, com uma ênfase deliberada em assuntos aparentemente banais e mundanos, que foram pintados de maneira plana e desapegada, mas com incrível habilidade. As pinturas de lojas de ferragens e carros velhos do artista britânico John Salt demonstram essa vertente do fotorrealismo.

4. Eles exploraram novas técnicas

Chuck Close, Autorretrato, 1997, via Galeria de Arte Walker

Para criar uma precisão tão perfeita, os fotorrealistas adotaram uma variedade de técnicas. Muitos processos usados ​​normalmente reservados para pintores comerciais, como projetores de luz para upscaling de fotografias em tela e aerógrafos, que permitiam aos artistas criar imagens perfeitas, efeitos mecanizados que escondia completamente quaisquer vestígios da mão que o fez. Outros trabalhavam com grades, traçando um padrão quadriculado sobre uma pequena fotografia e copiando fielmente cada pequeno quadrado da grade, peça por peça. Feche as grades usadas ao longo de sua carreira e ele comparou esse processo metódico ao tricô, construindo um desenho maior linha por linha. Em sua arte posterior, Close tornou esse processo mais explícito, ampliando cada célula quadriculada e adicionando oblongos e círculos abstratos.