Dadaísmo: 10 obras de arte icônicas do movimento de arte Dada

Confusão vertical típica como representação do Dada Baargeld por Johannes Theodor Baargeld, 1920, MoMA ( discussão de áudio )

dadaísmo foi um movimento artístico e cultural de vanguarda motivado pelo clima social europeu após a Primeira Guerra Mundial. Foi uma rejeição do capitalismo moderno, da cultura burguesa e da política de guerra que se alinhou com outros grupos radicais de extrema esquerda. Isso foi expresso através do uso de materiais de arte não tradicionais, sátira e conteúdo sem sentido. Até o nome do movimento, 'dada', era para ser uma palavra sem significado. Abaixo estão 10 obras de arte icônicas que caracterizam esse movimento artístico do pós-guerra.

Marcel Duchamp, Fonte (1917)

Fonte por Marcel Duchamp , 1917, Tate

Marcel Duchamp foi um dos artistas mais prolíficos do dadaísmo, produzindo inúmeras pinturas, colagens e esculturas infames. Ele também está associado a Cubismo , Futurismo e arte conceitual inicial. Ele teve uma influência monumental na arte modernista do século XX e especificamente na escultura. Seu trabalho atingiu a maturidade após a Primeira Guerra Mundial, quando ele começou a usar a arte como ferramenta de protesto cultural.

Fonte é uma das peças de arte mais emblemáticas do século 20, representando uma grande mudança na função da arte na sociedade. Embora a peça original de 1917 não sobreviva hoje, a Tate criou uma réplica feita de barro em 1964. É um dos primeiros exemplos de 'lowbrow' ou 'pronto' esculturas, que são feitas de objetos encontrados. Duchamp submeteu a escultura ao Salão de Paris, mas foi rejeitada porque não era considerada arte.

Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919)

L.H.O.O.Q. por Marcel Duchamp , 1919, Museu do Estado de Schwerin

L.H.O.O.Q. é outro exemplo famoso de uma escultura “readymade” de Marcel Duchamp. Foi criado a partir de um cartão postal barato de de Leonardo da Vinci Monalisa (1503-06) no qual Duchamp então desenhou um bigode e cavanhaque encerados. A peça apresenta elementos de sátira, rejeitando a estética da ‘alta arte’. O título da peça também é satírico, pois L.H.O.O.Q. quando dito em francês soa como ' Ela é gostosa na bunda, traduzindo para 'ela é gostosa na bunda' e conotando uma sexualidade subjacente à peça.

Você está gostando deste artigo?

Inscreva-se em nossa Newsletter Semanal GratuitaJuntar!Carregando...Juntar!Carregando...

Por favor, verifique sua caixa de entrada para ativar sua assinatura

Obrigada!

Kurt Schwitters, Construção Para Damas Nobres (1919)

Construção para Nobres Damas por Kurt Schwitters , 1919, LACMA

Kurt Schwitters foi um artista alemão que experimentou vários meios diferentes, incluindo pintura, escultura, design gráfico, arte de instalação e poesia. Seu trabalho foi associado a Surrealismo , Cubismo e Construtivismo assim como o dadaísmo. Ele também era conhecido por aplicar o termo Merz ao seu trabalho, termo que inventou e que era sinônimo de dadaísta como forma de protesto cultural.

Construção para Nobres Damas é um exemplo do uso de abstração de Schwitters em colagem e escultura. Esta peça de montagem também exemplifica o estilo de escultura “objeto encontrado”, pois é construída com uma variedade de materiais quebrados e desconexos: um funil, um trem de brinquedo de metal, rodas quebradas e outros objetos de sucata. Inclui também um retrato horizontal de uma nobre dama, do qual a peça recebe o seu título. A montagem da obra é tosca, e a pintura tem um acabamento robusto, contribuindo ainda mais para o desvio das expectativas artísticas anteriores. No entanto, toda a peça tem uma assimetria elegante, mostrando que mesmo objetos de sucata podem criar uma obra-prima.

Raul Hausmann, O crítico de arte (1919-20)

O crítico de arte por Raoul Hausmann , 1919-20, Tate

Raoul Hausmann foi um proeminente artista austríaco e líder do movimento Dada em Berlim. Hausmann também foi um expressionista artista. Depois de se familiarizar com o movimento dadaísmo, ele conheceu outros artistas, incluindo John Heartfield e George Grosz. Durante este tempo, concentrou-se principalmente na poesia e na colagem fotográfica, o que teria um efeito profundo na vanguarda europeia do pós-guerra. Sua poesia era conhecida por ser especialmente provocativa e sua arte muito satírica. Ele também era um amante da colega dadaísta Hannah Höch.

O crítico de arte é a crítica ardente de Hausmann à superficialidade do mundo da arte. A peça é uma colagem de fotos composta por uma série de fotografias de revistas e jornais e inclui alguns elementos desenhados. A obra é considerada 'lowbrow', pois utiliza materiais e iconografia vistos na cultura popular. Conota que, assim como a construção de uma colagem, os críticos de arte possuem um conhecimento remendado de fatos vazios e não entendem verdadeiramente o significado da arte.

Hannah Hoch, Corte com a faca de cozinha Dada através da última época cultural Weimar Beer-belly da Alemanha (1919-20)

Corte com a faca de cozinha Dada através da última época cultural Weimar Beer-belly da Alemanha por Hannah Hoch , 1919-20, Galeria Nacional, Museus Estatais de Berlim

Hannah Höch foi uma artista alemã e membro do movimento dadaísmo. Ela foi pioneira na técnica de Montagem de fotos ou colagem de fotos usando imagens da mídia popular. Ela estava interessada em feminismo, gênero e androginia na arte, e especialmente na dissolução da dicotomia ‘Nova Mulher’. Ela também explorou o clima político durante a República de Weimar em seu trabalho.

Corte com a faca de cozinha representa a justaposição entre o dadaísmo e a cultura dominante durante o tempo. Agrupados em uma parte da colagem de fotos estão membros de grupos políticos dominantes, como o governo de Weimar e o exército. Em forte contraste, o outro lado da peça apresenta comunistas, artistas e outros radicais. Höch também incluiu um pequeno mapa que mostra os países da Europa que permitiram que as mulheres votassem. A peça demonstra a rebelião dos dadaístas e outros grupos radicais durante um período de estrita conformidade política e cultural.

Raul Hausmann, A cabeça mecânica (1920)

A Cabeça Mecânica (O Espírito do Nosso Tempo) por Raoul Hausmann , 1920, Centro Georges Pompidou

A cabeça mecânica é a obra mais famosa de Raoul Hausmann. Foi confeccionada a partir de um manequim de peruca de cabeleireiro, uma régua, um relógio de bolso, uma carteira, pedaços de uma câmera e outros itens encontrados. A peça é pensada para ser um comentário sobre como a humanidade interage com os objetos e o mundo ao seu redor. O rosto é completamente desprovido de expressão, ao contrário dos rostos expressivos das obras-primas culturais europeias. Em vez disso, seu caráter é explicado pelos objetos externos ligados a ele. A escultura, portanto, questiona todas as representações precedentes de intelectualismo e profundidade, mostrando o assunto apenas no que se refere ao mundo superficial e material ao seu redor.

Jean Arp, Frente e garfo da camisa (1922)

Frente e garfo da camisa por Jean Arp , 1922, Galeria Nacional de Arte

Jean Arp , também conhecido como Hans Arp, foi um pintor, escultor e poeta franco-alemão. Ele foi um membro fundador do movimento dadaísta. Depois de se mudar para Zurique, conheceu outros artistas Hugo Bola e Sophie Taeuber , que se tornaria a esposa de Arp. O trio então colaborou para criar um manifesto dadaísta. A obra de Arp ficou conhecida pela exploração do inconsciente, seus elementos de sátira e a abstração de formas orgânicas.

Frente e garfo da camisa faz parte de uma série de esculturas em relevo de madeira pintadas que Arp criou na década de 1920. A obra tem um elemento gráfico monocromático, com formas suaves e orgânicas e uma composição simplista. O garfo da direita é facilmente identificável, enquanto a forma da esquerda representa a frente de uma camisa, mas também lembra um dente grande ou um rosto humano. A peça representa a mudança estilística de Arp entre os períodos; as formas abstratas de seu trabalho anterior colidem com seu uso posterior de associação de objetos para mergulhar na mente inconsciente.

Francisco Picabia, Optofone I (1922)

Optofone I por Francis Picabia, 1922, Wikiart

Francis Picabia foi um pintor e poeta francês associado ao impressionismo, cubismo e Pontilhismo e dadaísmo. Ele também experimentou publicações e filmagens, e sua carreira de quase 50 anos pode ser caracterizada por uma série eclética de mudanças estilísticas e de mídia. Suas obras mais famosas foram pinturas com blocos de cores, formas geométricas e abstrações, embora também fosse conhecido pela colagem de materiais pouco ortodoxos.

Optofone I é um exemplo dos trabalhos “maquinistas” de Picabia, que foram inspirados em equipamentos industriais do início do século XX e comentam a aceleração da tecnologia ao longo do tempo. A peça simula os efeitos de um optofone, aparelho que usa sonificação para escanear textos e imagens para ajudar cegos a identificar letras em uma página. O centro da pintura apresenta uma mulher nua sentada em estilo clássico como se tivesse sido vista através do uso de um optofone. A peça questiona assim como a humanidade encontra e interpreta a arte.

Homem raio, Rayografia (1922)

Rayografia por Man Ray , 1922

Homem raio foi um fotógrafo e artista visual americano que trabalhou principalmente em Paris. Ele foi um membro significativo do Dadaísmo e do Surrealismo, produzindo inúmeras obras que permanecem facilmente reconhecíveis hoje. Ele era conhecido por seus retratos abstratos de mulheres e seu uso de sombras e luz negativa para criar peças com um elemento onírico para elas. Ele também fotografou uma infinidade de artistas famosos durante sua vida, fornecendo uma visão pictórica de suas vidas.

Rayografia é um de uma série de fotogramas de Ray, que Tristan Tzara chamou radiografias depois do artista. Essas peças foram feitas com papel fotográfico, sobre o qual Ray colocou uma série de objetos e os expôs à luz. O papel então escureceria onde um objeto não foi colocado, criando o efeito de uma sombra de luz negativa. Essas peças exemplificavam a noção de Dada, pois muitas vezes representavam objetos mundanos ou aleatórios que não pareciam conectados. Os produtos desse método também eram frequentemente inconsistentes, pois exigiam várias sessões de exposição à luz e, portanto, estavam a par das condições externas.

Max Ernesto, Agora o Imperador (1923)

Agora o Imperador por Max Ernst , 1923, Centro Georges Pompidou

Max Ernest foi um pintor, poeta, escultor e artista gráfico alemão e um dos primeiros membros dos movimentos dadaísmo e surrealismo. Ele era extremamente experimental com seu trabalho, combinando diferentes mídias com uma técnica abstrata e ilusionista. Ele também usou um método chamado fricção, ou 'esfregar', em que o artista coloca o papel em uma superfície irregular e depois esfrega lápis para criar um contorno padronizado da superfície.

Agora o Imperador representa a mudança estilística de Ernst entre dadaísmo e Surrealismo, representando um pião antropomórfico giratório com características incongruentes. O tema retrata o pai Ubu, símbolo de autoridade e ganância visto em uma série de peças de Alfred Jerry que elucidam as injustiças da complacência sob a sociedade empírica burguesa. A paisagem é um deserto surrealista característico com um vasto horizonte, enquanto o topo apresenta as noções parodiantes e anti-establishment do dadaísmo.