Pop Art: americano vs. britânico (artistas famosos e arte icônica)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's

Um dos movimentos artísticos mais famosos de todos os tempos, a Pop Art definiu a cultura jovem consumista dos anos 1950 e 60, tornando a arte Pop! como nunca antes. Artistas pop buscavam inspiração nos reinos da cultura popular, pegando imagens lúdicas, coloridas e irreverentes de publicidade, histórias em quadrinhos, revistas e filmes e incorporando-as em novas e excitantes formas de arte.

Experimentando a linguagem de recortar e colar de dadaísta e Surrealismo , muitos artistas exploraram a colagem de novas maneiras. Eles fazem referência ao mundo industrializado do capitalismo e do consumismo com seriedade simulada. Outros abraçaram a tecnologia crescente de novas técnicas, incluindo gravura, fotografia ,e o cinema, que permitiu aos artistas produzir múltiplos e repetir padrões, afastando as pretensões em torno da obra de arte individual e isolada. Alguns continuaram com os meios tradicionais de pintura e escultura, mas encontraram maneiras de incorporar elementos fotográficos ou impressos, ou estilos que imitavam os efeitos digitais.

Série Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1967 e A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Predominantemente um fenômeno britânico e americano ao longo das décadas de 1950 e 1960, a Pop Art teve ampla influência nas décadas seguintes, inspirando milhões de imitadores em todo o mundo. De fato, o pop casou a arte com o comércio com tanto sucesso que sua união ainda permanece forte hoje. Ele continua a inspirar e informar inúmeros pensadores criativos.

Você sabia que a arte pop começou em Londres, Inglaterra?

Eduardo Paolozzi, Eu era o brinquedo de um homem rico, 1947

de Nova York Andy Warhol é o ícone mais famoso do pop, mas muitos podem não saber que o movimento realmente começou na década de 1940 em Londres. O Grupo Independente era uma banda de artistas que se reuniam regularmente no Instituto de Arte Contemporânea de Londres para compartilhar ideias. Eles estavam unidos em seu fascínio por filmes, publicidade e marcas americanas que haviam entrado na cultura britânica. Os membros incluíam Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, agora reconhecidos como os primeiros artistas pop. Em uma colagem atrevida de Paolozzi, intitulada Eu era o brinquedo de um homem rico, 1947, a palavra Pop! vem disparando de uma arma de brinquedo, um aceno para o texto criativo dos quadrinhos. Muitos agora veem essa obra de arte como a origem do termo Pop Art, que Paolozzi usou como abreviação da palavra popular, referenciando o fascínio do grupo pela cultura popular.

Richard Hamilton, Exatamente o que torna os lares de hoje tão diferentes, tão atraentes?, 1956

A famosa colagem de Richard Hamilton Exatamente o que torna os lares de hoje tão diferentes, tão atraentes? 1956, zombava da nova e idealizada vida americana que estava se infiltrando na sociedade ocidental. Era uma imagem ridiculamente exagerada do homem e da mulher perfeitos exibidos com todos os gadgets mais recentes. No entanto, são emblemas vazios e superficiais do consumismo. Ao contrário de sua contraparte americana posterior, a arte pop britânica foi tipificada por essa ponta satírica mordaz que observava a cultura americana à distância. Hamilton, brincando, chamou seu novo estilo de Popular, transitório, dispensável, de baixo custo, produzido em massa, jovem enigmático, glamoroso e Grande Negócio.

Neo-Dada e pop em Nova York

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Jasper Johns, Bandeira Branca, 1955, The Met

Na década de 1950, em Nova York, surgiu uma cultura Neo-Dada, explorando o absurdo experimental e recortado do início dos anos 20.ºséculo movimento dadaísta . Artistas proeminentes começaram a aparecer em cena, incluindo Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein e Andy Warhol . Na exposição histórica em Galeria Sydney Janis em 1962 intitulada Novos realistas , as obras foram agrupadas em vários temas recorrentes, incluindo o objeto cotidiano, a mídia de massa e a repetição. O curador britânico baseado na América Lawrence Alloway descobriu uma ligação entre a arte britânica e americana. Ele foi o primeiro a usar o termo Pop Art para definir o alvorecer de uma nova era. Em contraste com o estilo pop britânico, os artistas americanos viviam entre os domínios da comunicação de massa e da publicidade, observando-o de uma perspectiva interna com um olhar menos crítico.

Muitos críticos de arte nos Estados Unidos e na Europa ficaram chocados com o uso de assuntos “baixos” nos domínios da arte “alta”, e os artistas enfrentaram duras críticas enquanto o movimento estava em seus primeiros dias. Mas em meados da década de 1960, muito mais galerias, artistas e compradores haviam percebido a tendência crescente e ficou claro que um novo estilo estava aqui para ficar.

Americana de Warhol e Lichtenstein

Andy Warhol, latas de sopa Campbell, 1962

Na Nova York dos anos 1960, Andy Warhol era o garoto-propaganda da Pop Art americana. Ele aproveitou imagens populares e famosas da cultura americana, incluindo Coca Cola, Campbell's Soup e celebridades icônicas como Marilyn Monroe, Jackie Kennedy e Elizabeth Taylor. Seu meio favorito era a serigrafia, que lhe permitia produzir imagens impressionantes e coloridas como múltiplos e padrões repetidos, mas ele também experimentou uma ampla gama de outros meios, incluindo pintura, fotografia e cinema. Estabelecendo sua oficina mundialmente famosa em Nova York, conhecida como A fabrica, ele empregou uma equipe de assistentes para ajudá-lo a dominar a cena artística de Nova York. Embora Warhol seja frequentemente visto como um símbolo brilhante do glamour superficial dos Estados Unidos, também havia uma borda sinistra escondida em muitas de suas obras, destacando o lado mais sombrio da celebridade e da fama, principalmente quando caveiras começou a aparecer em suas obras.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

O pintor americano Roy Lichtenstein também aproveitou o mundo comercial para o assunto. Inicialmente inspirado nas embalagens de chiclete do Mickey Mouse de seus filhos, como visto em sua pintura inicial Olha Mickey, 1961, ele começou a fazer grandes versões pintadas de quadros únicos de quadrinhos, que ele acrescentava e exagerava para enfatizar um efeito dramático ainda maior. Alguns trabalhos enfatizaram o impacto teatral do texto onomatopeico dos quadrinhos, incluindo palavras como Blam, Pop, Whaam e Varoom. Eles foram todos desenhados em letras exageradas e cercados por fumaça, fogo e chamas, ou linhas sugerindo movimento rápido. Instantaneamente poderosas, essas pinturas tiveram uma influência duradoura na arte do texto na década de 1970.

Roy Lichtenstein, Garota Afogada, 1963

Mas Lichtenstein realmente fez história com sua série de cenas baseadas na história em quadrinhos de drama adolescente Romances de meninas , capturando mulheres jovens angustiadas sendo varridas por jovens covardes, ou caindo em poças de desespero como a cena em Garota Afogada, 1963. Lichtenstein enfatizou e exagerou o drama emocional dessas jovens a tal ponto que elas se tornam risíveis ao destacar a natureza superficial da imagem impressa. Replicando a economia de tinta ponto de Ben-dia A técnica de impressão utilizada para quadrinhos serviu para o mesmo propósito e chama a atenção para a imagem achatada. Lichtenstein pintado com tinta acrílica plana Magna através de uma grade perfurada para criar essa estética sintética despersonalizada, com um resultado final que parece totalmente feito à máquina.

Outros tipos de arte pop

Arman, Estacionamento de Longa Duração, 1982

Em outras partes da Europa, surgiram variações da Pop Art americana e britânica com nomes diferentes. Na França, um grupo de artistas se reuniu, autodenominando-se Nouveau Realistes (Novos Realistas), com membros como Arman, Cesar, Christo, John Tinguely e Yves Klein. Inspirados na pop art americana e britânica, eles trouxeram elementos da cultura popular para sua arte, mas também exploraram os detritos menos glamourosos da vida cotidiana, dando à sua arte um toque mais sujo e menos polido. O escultor Arman trouxe carros esmagados ou abandonados em suas enormes e monumentais montagens, como visto no totêmico Estacionamento de permanência longa, 1982, enquanto Tinguely fabricava máquinas de sucata com rodas velhas, porcas e parafusos, injetando nelas uma nova vida desajeitada e barulhenta.

Gerhard Richter, festa, 1963

Um grupo de artistas na Alemanha também respondeu ao fenômeno da Pop Art na década de 1960, incluindo Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg e Manfred Kuttner. Brincando, anunciando-se como artistas pop alemães para chamar a atenção, na realidade seu trabalho era mais complexo e crítico. Mesclando elementos do realismo socialista da Alemanha Oriental com o capitalismo americanizado da Alemanha Ocidental, eles inventaram o termo amalgamado Realismo capitalista para descrever sua posição intermediária. Tirando imagens de reportagens, anúncios e cultura de celebridades, suas imagens muitas vezes tinham um toque mordaz e satírico. Na casa de Richter Partido, 1963, por exemplo, um grupo de celebridades é transformado em fantasmas assombrosos que esguicham sangue em seus copos de vinho, enquanto no Sigmar Polke's Coelhinhos, 1966, as coelhinhas da Playboy são reduzidas a um borrão pixelizado de pontos estampados e borrados, ecoando a linguagem de bolinhas de Roy Lichtenstein.

Sigmar Sigmar Polke, Coelhinhos, 1966

Pós-modernismo, Neo-Pop e o Superflat

Desde o advento da Pop Art na década de 1960, os artistas continuaram a responder de maneira cada vez mais aventureira ao mundo em expansão da mídia de massa, muitas vezes com uma postura crítica. Ao longo da década de 1970, os artistas pós-modernos brincaram ou retrabalharam as imagens dos olhos do público, às vezes criando versões infladas da realidade para enfatizar as qualidades destrutivas do consumismo.

Cindy Sherman, Sem título, 2010-12

A postura feminista da fotógrafa americana Cindy Sherman fez observações cortantes sobre os arquétipos superficiais e idealizados da sociedade voltados para as mulheres por meio de filmes e revistas. Vestindo-se como uma série de caricaturas com perucas, bronzeados falsos, maquiagem exagerada e narizes falsos, ela critica o ridículo dos ideais femininos ao expor o lado escuro da cirurgia plástica e aprimoramento cosmético.

Jeff Koons, Lips, 2000, da série 'Easyfun-Ethereal'

artista americano Jeff Koons respondeu à cultura capitalista na década de 1980 com anúncios simulados de revistas e esculturas exageradas, ampliando lembranças kitsch e fofas em réplicas assustadoramente grandes. Sua série de enormes pinturas “Easyfun-Ethereal” são misturas de trechos de publicidade. Eles apresentam lábios femininos brilhantes e frutas molhadas suculentas flutuando sobre paisagens tropicais que destacam a natureza indulgente e sexualizada da publicidade. Essa linguagem fotorrealista é um estilo que agora é conhecido como Neo-Pop. Como Warhol, ele dirige uma vasta oficina empregando equipes de assistentes que fazem seu trabalho para ele. As montagens grosseiramente superdimensionadas de Mike Kelley são ainda mais grotescas, agrupando brinquedos macios de cores lúgubres em bolas de pele suspensas que falam de consumo em massa, desperdício e excesso.

Artista japonês Takashi Murakami posando com sua série 'Superflat'

Se os artistas pós-modernos e neo-pop assumiram uma postura crítica em relação à cultura popular, o artista contemporâneo japonês Takashi Murakami injetou diversão de volta. Os críticos de arte até o chamam de resposta do Japão a Andy Warhol. Seu mundo ridiculamente otimista está cheio de estampas florais inebriantes e rostos sorridentes em tons pastel doces. Adotando o termo Superflat para definir sua linguagem sintética e decorativa, ele traça paralelos entre antigas xilogravuras japonesas e desenhos animados de anime ou mangá contemporâneos. Ele afirma que desenhos planos, decorativos e florais estão na sociedade japonesa há séculos. Trazendo o círculo completo da linguagem da Pop Art, ele combina suas flores vistosas e sorridentes e criaturas atrevidas e amigáveis ​​em objetos comerciais. De tênis e bolsas a capas de telefone e skates, ele prova como as linguagens da arte e do comércio continuam intimamente entrelaçadas.