Barnett Newman: Espiritualidade na Arte Moderna

Barnett Newman foi um pintor americano que trabalhou em meados do século XX. Ele é mais conhecido por suas pinturas que incorporam longas linhas verticais, que Newman chamou de zíperes. Além de fazer a ponte entre o expressionismo abstrato e a pintura hard-edge, o trabalho de Newman envolve um profundo senso de espiritualidade que o distingue de outros pintores da época. Continue lendo para saber mais sobre o famoso artista.

Barnett Newman e o expressionismo abstrato

Onement, eu por Barnett Newman , 1948, via MoMA, Nova York

Barnett Newman As pinturas maduras de , podem ser identificadas por painéis planos de cor sólida, recortados com finas listras verticais. Newman chegou a esse estilo relativamente tarde em sua carreira, começando de maneira prototípica no final dos anos 1940 e tornando-se mais desenvolvido no início dos anos 50. Antes disso, Newman trabalhou em um estilo adjacente surrealista comparável a alguns de seus contemporâneos, como Arshile Gorky e Adpolh Gottlieb , com formas improvisadas e frouxamente desenhadas espalhando-se pela superfície. Depois de descobrir o poder composicional dessas novas pinturas de zíper, elas dominariam completamente a prática de Newman pelo resto de sua vida.

A primeira peça em que Newman pintou uma linha vertical de cima para baixo de sua tela foi Onement, eu de 1948. Esta peça mantém o toque pictórico do trabalho anterior de Newman, que diminuiria nos próximos anos. Apenas quatro anos depois, em Onement, V as bordas se apertaram significativamente e a pintura ficou achatada. Ao longo dos anos 50, a técnica de Newman se tornaria ainda mais nítida e geométrica mais precisa, completamente dura até o final daquela década. Uma coisa é certa, Newman preencheu a lacuna entre o expressionismo abstrato e a pintura hard-edge.

Onement, V por Barnett Newman , 1952, via Christie's

O surgimento da obra de Newman a partir da década de 1950 complica a relação de sua obra com a tendência artística de Expressionismo abstrato , com o qual muitas vezes se identifica. Mas será que Newman é realmente um artista ligado ao expressionismo abstrato? O termo “expressionismo” não é necessariamente relevante para o trabalho de Newman, pelo menos no que diz respeito ao seu significado típico na arte. Essas pinturas abstratas certamente têm uma dimensão emocional, mas carecem da espontaneidade, intuição e vigor associados à pintura expressionista abstrata. Newman reduziria a visibilidade do toque humano em suas pinturas à medida que sua carreira progredisse.

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Como resultado, muito do trabalho que Newman produziu desde a década de 1950 até sua morte é difícil de considerar puramente como expressionismo abstrato. Com essas pinturas, Newman traça o curso de meados do século arte abstrata , passando de tendências mais expressivas para uma negação da obra como objeto feito pelo homem. Sempre, no entanto, Newman está refinando sua abordagem para esta composição: Um solo sólido, dividido com zíperes.

A espiritualidade do trabalho de Newman

Um homem heróico nobre por Barnett Newman , 1950-51, via MoMA, Nova York

Indo além de suas qualidades formais e falando sobre o propósito e o efeito das pinturas de Barnett Newman, elas estão intimamente relacionadas com bizantino e Renascimento arte religiosa quanto ao trabalho dos contemporâneos de Newman. Pode-se traçar um paralelo, também, com a Romântico pintores do século XIX, como Gaspar David Friedrich , e sua busca do sublime através da natureza. De fato, as extensões planas de cor de Newman procuravam induzir uma sensação de admiração espiritual, embora, é claro, por meios bastante diferentes dos pintores pré-modernos de cenas religiosas, ou pelas representações convencionais do mundo natural dos românticos.

O próprio Newman explicou muito bem essa diferença quando escreveu que o desejo de destruir a beleza estava no cerne do modernismo. Ou seja, uma tensão entre uma expressão e sua mediação na observância da beleza estética. Na prática, isso significa que Newman removeu todas as barreiras e proxies para o espiritual, sublime experiência, a fim de aproximar sua arte o mais possível de uma experiência espiritual própria. Figuras ou representações de qualquer tipo são abandonadas na obra de Newman; símbolos e narrativas são desnecessários, ou mesmo prejudiciais, para alcançar a proximidade com Deus. Em vez disso, a noção de sublime de Newman viu sua realização na destruição da representação e das referências à vida real. Para ele, o sublime só era acessível através da mente.

Momento de Barnett Newman , 1946, via Tate, Londres

Em um entrevista com o crítico de arte David Sylvester em 1965, Barnett Newman descreveu o estado que ele esperava que suas pinturas induzissem no espectador: A pintura deve dar ao homem uma sensação de lugar: que ele sabe que está lá, então ele está consciente de si mesmo. Nesse sentido, ele se relaciona comigo quando fiz a pintura porque nesse sentido eu estava lá... Para mim, esse sentido de lugar não tem apenas um sentido de mistério, mas também um sentido de fato metafísico. Passei a desconfiar do episódico, e espero que minha pintura tenha o impacto de dar a alguém, como a mim, o sentimento de sua própria totalidade, de sua própria separação, de sua própria individualidade e ao mesmo tempo de sua conexão com outros, que também estão separados.

Barnett Newman estava interessado no poder da pintura para ajudar a pessoa a lidar com suas próprias condições existenciais. A redução da imagem, então, pode ser entendida como uma negação de qualquer tentativa de se perder em meio a uma falsa versão do mundo. Em vez disso, deve colocar o espectador mais profundo dentro de si e da verdade do mundo ao seu redor.

Newman e a idolatria

Primeira Estação por Barnett Newman , 1958, via National Gallery of Art, Washington

A abordagem de Barnett Newman à espiritualidade na arte foi e é distinta, baseando-se fortemente nas inovações do modernismo e, sem dúvida, prefigurando novos desenvolvimentos. Ainda assim, ele não abandonou a história da arte religiosa em sua prática; essa conexão é reificada nos títulos das pinturas de Newman. Muitas de suas obras são nomeadas para figuras ou eventos bíblicos, como a série Estações da Cruz.

Embora as peças sejam abstratas e não imagéticas, esses títulos são um vestígio das ideias narrativas e figurativas que informaram Newman e sua prática. Esses títulos ajudam Newman a manter uma conexão aberta com a espiritualidade, colocando-o na longa linhagem da arte religiosa abraâmica. Em uma análise de Newman, o crítico de arte Arthur Danto escreveu :

A pintura abstrata não é sem conteúdo. Pelo contrário, permite a apresentação de conteúdo sem limites pictóricos. É por isso que, desde o início, seus inventores acreditavam que a abstração era investida de uma realidade espiritual. Era como se Newman tivesse encontrado uma maneira de ser pintor sem violar o Segundo Mandamento, que proíbe imagens.
(Danto, 2002)

Abraão por Barnett Newman , 1949, via MoMA, Nova York

Em certo sentido, Barnett Newman resolveu a questão da idolatria fazendo pinturas sobre temas bíblicos específicos que são desprovidos de representação. Embora Newman possa não criar imagens representativas das figuras bíblicas e histórias que seus títulos lembram, seus objetos são, em outro sentido, uma forma muito maior de idolatria do que pinturas representativas de figuras bíblicas; As pinturas de Newman são objetos destinados a acessar o sublime e criar uma experiência espiritual em seus próprios termos, o que significa que suas pinturas se tornam objetos de adoração.

A abordagem de Barnett Newman aqui pode ser contrastada com tradições religiosas onde a idolatria é proibida, como o Islã, onde padrões abstratos, decorativos e caligrafia são formas comuns de arte. Newman supera especificamente essas abstrações da linguagem propositadamente intelectualizadas para buscar uma estética mais próxima das expressões totalmente emocionais dos primeiros homens. Como Newman coloca : A primeira expressão do homem, como seu primeiro sonho, foi estética. A fala era mais um clamor poético do que uma exigência de comunicação. O homem original, gritando suas consoantes, fez isso em gritos de admiração e raiva por seu estado trágico, por sua própria autoconsciência e por seu próprio desamparo diante do vazio. Newman está interessado em encontrar o estado mais essencial e básico da existência humana e expressá-lo esteticamente. É isso que o leva a reduzir tão completamente suas composições, até que restem apenas alguns segmentos de cores separadas.

Barnett Newman: Fé na Pintura, Fé na Humanidade

Fogo Preto EU por Barnett Newman , 1961, via Christie's

O tratamento de Barnett Newman da pintura como algo com o poder de elevar e realizar existencialmente o distingue da maioria dos outros artistas de meados do século XX. Em meio à desolação das consequências da Segunda Guerra Mundial, muitos artistas não conseguiram manter o significado dessa maneira e, em vez disso, usaram seu trabalho como forma de processar ou articular uma nova visão niilista do mundo. Como exemplo da convicção contrária de Newman, ele disse certa vez: se meu trabalho fosse bem compreendido, seria o fim do capitalismo de Estado e do totalitarismo. O que era especial para Newman nesse clima era sua capacidade de ainda investir na arte com espiritualidade e um propósito genuíno, apesar dos horrores impossíveis do mundo.

A beleza e a força do trabalho de Barnett Newman é essa autoconfiança inabalável, chegando em um momento em que isso nunca foi tão difícil de manter. Newman uma vez especulou sobre as origens desse compromisso quase delirante com a arte: Qual é a razão de ser, qual é a explicação do desejo aparentemente insano do homem de ser pintor e poeta, se não é um ato de desafio contra a queda do homem? e uma afirmação de que ele retornaria ao Adão do Jardim do Éden? Pois os artistas são os primeiros homens. (Newman, 1947) Apesar das profundezas da queda da humanidade, ou do horror de suas ações, Newman sempre se lembra do que poderia ser. Através da pintura, ele alimenta essa visão e convoca a coragem de vê-la sentida pelos outros.