Movimento artístico surrealista: uma janela para a mente

O Filho do Homem por René Magritte, 1946, Quora

A arte surrealista surgiu na Europa na década de 1920 como uma forma de rebelião artística e cultural. Rejeitou as expectativas estéticas em vez de usar a expressão artística como forma de alcançar uma maior autocompreensão. Isso criou uma mudança monumental para a sociedade e como ela interage com a arte. Hoje, a arte do surrealismo continua sendo um dos estilos mais reconhecidos na história da arte moderna. Este artigo descreve a história e a ideologia dos artistas surrealistas e suas obras famosas do período.

Arte Surrealismo: Dada Roots

O surrealismo nasceu da movimento artístico dadaísta que se desenvolveu após a Primeira Guerra Mundial em Zurique, Nova York e Paris. O dadaísmo era uma divergência de quaisquer formas de arte ou ideologias precedentes. Ele desafiou a estética tradicional, a “arte elevada” e a beleza.

L.H.O.O.Q. por Marcel Duchamp , 1919, Museu do Estado de Schwerin

Os dadaístas utilizaram uma variedade de meios e técnicas em sua arte. Eles vão dos sons à escrita, escultura, pintura e colagem. Seu trabalho expressava descontentamento com a cultura burguesa, o nacionalismo e a guerra, que os alinhava com a extrema-esquerda política radical. Eles procuraram elucidar o lado sombrio do capitalismo por meio de sua dissolução da lógica e do raciocínio e o uso da sátira.

Surrealismo, que se originou na década de 1920 em Paris, ramificou-se da mesma escola de pensamento que dadaísmo . Alguns dadaístas também participaram do movimento surrealista, pois ambos se baseavam na rejeição dos valores ocidentais, da razão e das normas sociais. No entanto, a arte do surrealismo era mais focada do que o dadaísmo. Estava impregnado dos trabalhos psicanalíticos de Sigmund Freud e centrado na compreensão do inconsciente.

Freud e a Psicanálise

O Duplo Segredo por René Magritte, 1927, Sotheby's

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O surrealismo derivou significativa inspiração da psicanálise, desenvolvida por Sigmund Freud para tratar transtornos mentais. O conjunto de teorias e técnicas foi estabelecido para aprofundar a mente inconsciente. Destinava-se a iluminar as causas de hábitos mentais anormais e insalubres. De acordo com a psicanálise, a mente é separada em consciente e inconsciente. O tratamento psicanalítico visava trazer à tona os desejos e medos reprimidos da mente inconsciente.

André Breton foi apresentado a psicanálise freudiana em 1916, enquanto servia como auxiliar médico em um centro psiquiátrico durante a Primeira Guerra Mundial. Ele ficou intrigado com os estados delirantes dos pacientes que vieram da frente de guerra. Quando eles voltaram, ele tentou aplicar a teoria psicanalítica para entender suas condições. Ele desenvolveu a escrita automática durante esse período, que mais tarde se expandiria para uma das disciplinas fundadoras da arte surrealista.

Metamorfose de Narciso por Salvador Dali, 1937, Tate

Breton conheceu Freud pela primeira vez em 1921 e se tornou o fundador do Surrealismo em 1924. Em sua primeira Manifesto surrealista, Breton citou a psicanálise como porta de entrada para a restauração da identidade artística, libertada do conformismo e da normalidade social. Ele afirmou que a aplicação do pensamento psicanalítico e do automatismo na arte faria de alguém um verdadeiro artista surrealista.

Arte surrealista: os manifestos surrealistas

André Breton escreveu O manifesto surrealista em 1924. Com claras alusões ao movimento dadaísmo, do qual Breton também fazia parte, o manifesto expunha as origens e o propósito do surrealismo. Também resume uma variedade de aplicações do surrealismo em diferentes meios artísticos.

Capa do O Manifesto do Surrealismo por André Breton, 1924

O manifesto afirmava o surrealismo não apenas como um movimento artístico e literário, mas também como uma epifania cultural que poderia ser aplicada a muitos aspectos diferentes da vida. Em sua vanguarda estava a exploração da imaginação e como ela descobriu os desejos da mente inconsciente. Breton também enfatizou a importância dos sonhos e como eles forneceram informações valiosas sobre o inconsciente. Ele se tornou uma importante fonte de inspiração para artistas surrealistas. O livro termina reafirmando que o movimento se baseava no inconformismo e no afastamento do convencional.

Automatismo e Inconsciente

Desenho Automático por André Masson, 1924, MoMA

Breton descreve o surrealismo como uma forma de automatismo , que em seu estado puro, pelo qual se propõe a expressar... verbalmente, por meio da palavra escrita, ou de qualquer outra forma... o funcionamento real do pensamento... na ausência de qualquer controle exercido pela razão e isento de qualquer estética ou preocupação moral. Este método utilizou associação livre na arte e na escrita. Ele encoraja o artista a suprimir sua mente consciente e deixar a mente inconsciente guiá-los. Esta técnica de improvisação foi notadamente praticada por artistas como André Masson, Joan Miró e Salvador Dalí . Apesar da significativa expansão do movimento em diferentes meios e estilos, o surrealismo estava firmemente enraizado no automatismo.

O Grupo Parisiense

Artistas surrealistas de Paris (da esquerda: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Max Ernst, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Jean Arp, René Crevel e Man Ray), via Widewalls

Enquanto o surrealismo se espalhava pela Europa e pela América Latina, o mais conhecido conluio de artistas se formou em Paris durante a década de 1920. Esse grupo colaborativo se formou por meio de uma rede de modernistas que se reuniam em cafés e experimentavam o hipnotismo e a criatividade inconsciente. O grupo surrealista de Paris incluía André Breton, Max Ernest , Marcel Duchamp , Joan Miró, Salvador Dalí, André Masson e René Magritte entre outros.

Arte surrealista: pintura

A pintura foi talvez o meio mais reconhecível do movimento artístico surrealista. Irrestritos pelos limites da realidade, os pintores surrealistas foram capazes de criar uma infinidade de imagens em cenários que variavam de paisagens oníricas intensas à vida cotidiana mundana. As pinturas muitas vezes apresentavam elementos desconexos ou iconografia na tentativa de divergir do reino da realidade. Os artistas também brincaram com perspectiva, cor e profundidade para criar um efeito desorientador.

A Persistência da Memória por Salvador Dalí, 1931, MoMA

Dois estilos distintos de pintura definiram o período, embora às vezes fossem usados ​​em conjunto. Um deles utilizou um estilo tridimensional hiper-realista com imagens bizarras e contraditórias, retratando paisagens muitas vezes fantásticas em detalhes vívidos. Artistas como Salvador Dalí e René Magritte usaram esse estilo notoriamente, criando vários motivos infames, incluindo os relógios derretidos, um cachimbo de tabaco e rostos obscurecidos.

O Nascimento do Mundo por Joan Miró, 1925, MoMA

A outra técnica que caracterizou a pintura surrealista era mais abstrata. Esse estilo se concentrava no automatismo e apresentava imagens sem sentido, muitas vezes irreconhecíveis. Às vezes, também incluía elementos de outros meios, incluindo desenho e colagem. Artistas como Max Ernst e Joan Miró produziram trabalhos usando essa técnica, muitas vezes incluindo rabiscos ou elementos externos em suas peças.

Artistas surrealistas na escultura

A escultura surrealista abandonou notavelmente as figuras escultóricas tradicionais. Os escultores removeram objetos ou formas de seu contexto original e adicionaram elementos inesperados ou justapostos a eles. Eles também costumavam usar materiais artísticos não tradicionais, desafiando noções anteriores do que significava “escultura”.

Escultura para se perder na floresta por Jean Arp, 1932, Tate

Havia dois tipos principais de escultura surrealista: biomórfico e ACHADOS E PERDIDOS . A escultura biomórfica consistia em formas abstratas simplistas. Embora não sejam representações literais, as esculturas biomórficas se assemelhavam a formas reconhecíveis. Essa técnica foi considerada uma forma de automatismo por apresentar uma replicação de formas orgânicas em um contexto abstrato. Artistas como Joan Miró, Henry Moore e Jean Arp eram conhecidos por seu uso de escultura biomórfica.

Telefone Lagosta por Salvador Dali, 1936, Tate

ACHADOS E PERDIDOS, que significa 'objeto encontrado', focado na combinação de objetos inesperados ou até aparentemente aleatórios. Essa técnica também era uma forma de automatismo, pois consistia na associação inconsciente de objetos sem uma estratégia decisiva. Muitas vezes havia um elemento satírico para ACHADOS E PERDIDOS esculturas, pois os objetos utilizados eram considerados “low brow”. Artistas como Marcel Duchamp,Pablo Picassoe outros foram pioneiros neste estilo de escultura durante os movimentos Dada e Surrealismo.

Fotografia surrealista

A capacidade de evocar cenários oníricos na fotografia tornou-se central para o surrealismo. Efeitos fotográficos como dupla exposição, desfoque e distorção ajudaram a criar imagens evocativas, alucinatórias e às vezes perturbadoras. O objetivo desses efeitos era criar uma imagem alienada da realidade como se fosse uma janela para outra dimensão.

O violino de Ingres (Violino de Ingres) por Man Ray, 1924

A fotografia surrealista também incluía a captura de assuntos incomuns ou chocantes. Esse tipo de fotografia geralmente incluía retratos com características exageradas, paisagens bizarras ou naturezas-mortas contraditórias. Todos estes foram conectados por elementos desconexos ou fora do lugar. Homem raio , Lee Miller, Claude Cahun e outros fotógrafos surrealistas utilizaram efeitos fotográficos e assuntos incomuns para criar imagens chocantes.

Artistas surrealistas no cinema

Os filmes surrealistas, ao contrário de seus predecessores cinematográficos, não contavam com narrativas lineares ou tradicionais. Em vez disso, eles se concentraram mais na exploração mental, apresentando mudanças narrativas abruptas e muitas vezes desorientadoras e mudanças de cenário como se fossem parte de um fluxo de consciência. Eles também apresentavam imagens chocantes na tentativa de causar uma reação visceral do público.

Clipe de O cão andaluz por Luis Buñuel, 1929, BFI

Os filmes também eram frequentemente motivados por desejos sexuais e inclinações instintivas para elucidar os desejos da mente inconsciente. Breton chamou isso amor louco, ou “amor insano”. O elemento de amor louco exigia que os espectadores usassem o filme como um veículo para confrontar seus próprios desejos subjacentes. Proeminentes cineastas surrealistas incluídos Jean Cocteau , Luis Buñuel e Germaine Dulac.

Legado da arte surrealista

O surrealismo teve um impacto monumental na cultura moderna e pós-moderna e continua presente na arte, no cinema e na literatura. O pop-surrealismo ou movimento “lowbrow” se desenvolveu na década de 1970, combinando elementos de artistas surrealistas com imagens da cultura popular para criar imagens satíricas, muitas vezes chocantes e às vezes perturbadoras.

A Criadora de Mark Ryden, 2005

Embora haja algum debate sobre o fim do período surrealista, existem inúmeras referências à arte surrealista e na televisão moderna, cinema e literatura. Motivos facilmente reconhecíveis vistos em trabalhos de artistas como Salvador Dalí , René Magritte e Frida Kahlo permeiam a mídia moderna.

O cinema e a fotografia também continuam a utilizar elementos e técnicas surrealistas. O avanço da tecnologia de manipulação de fotos permite a criação de imagens desconcertantes características da fotografia surrealista. Cineastas como Tim Burton também criaram obras inteiras centradas em cenários fantásticos e oníricos que lembram o cinema surrealista.