O Gênio de Antonio Canova: Uma Maravilha Neoclássica
Retrato de Antonio Canova por François Xavier Fabre, 1812, via The New York Times; com Perseu com a Cabeça da Medusa (Perseu Triunfante) por Antonio Canova, 1800-01, via Museu do Vaticano, Roma; e com Teseu e o Minotauro por Antonio Canova, 1781-1783, via The Victoria and Albert Museum, Londres
Antonio Canova foi um modelo do movimento neoclássico como escultor italiano de primeira linha. Seu conhecimento dos movimentos artísticos Barroco, Rococó e Clássico lhe permitiu criar um estilo único e intuitivo. Graças à inspiração de Johann Joachim Winckelmann e às críticas posteriores de Gavin Hamilton, Canova desenvolveu uma compreensão profunda das obras clássicas gregas e romanas. Seus próprios trabalhos exemplificavam Harmonia, Equilíbrio, Simetria e Proporção. Esses pontos-chave foram caracterizados não apenas pelas obras dos gregos, mas também pelo movimento neoclássico como um todo. As esculturas neoclássicas de Canova integravam o passado ao presente. No entanto, antes de conhecer a vida e a obra deste grande escultor, é importante conhecer a história do Neoclassicismo.
Os primórdios de Antonio Canova: o movimento neoclássico
Parnaso por Anton Raphael Mengs, 1761, via Museu Hermitage, São Petersburgo
O movimento neoclássico começou na década de 1760 com a redescoberta de Pompéia em 1748 por exploradores em busca de artefatos antigos. A descoberta do afrescos de parede durante e após as escavações de Pompéia obrigaram os artistas a fazer litografias das peças para espalhar as imagens por toda a Europa. O estilo pompeiano inspirou os artistas da época e certos aspectos da vida cotidiana: a moda francesa e a decoração da casa, por exemplo, mudaram para os estilos mais refinados e elegantes do passado.
A redescoberta de Pompéia também inspirou o renascimento de colunas feitas após a Ordens Clássicas Gregas .
Ilustração da Ordem Jônica do Erechtheum de The Antiquities of Athens (Vol. 2), 1762-1816, digitalizada pelo autor de Nineteenth-Century European Art: Third Edition por Petra ten-Doesschate Chu
As três ordens são colunas dóricas, jônicas e coríntias. As colunas dóricas são mais conhecidas por sua simplicidade, circunferência e afiliação com a força e o masculino. Colunas jônicas se alinhavam com a feminilidade em sua delicadeza e volutas em forma de espirais, imitando o cabelo de uma donzela. A ordem coríntia foi uma combinação das outras duas ordens, mas com um estilo mais decorativo, incluindo volutas em forma de sino, uma cornija extremamente detalhada e folhas de acanto adornando o topo.
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Obrigada!Além disso, Johann Joachim Winckelmann, historiador da arte alemão que influenciou principalmente o movimento neoclássico, promoveu o ressurgimento da apreciação dos estilos clássicos com seu estudo da evolução da arte clássica por meio de pesquisas comparativas. Dessa forma, o neoclassicismo se inspirou muito nos períodos clássico e helenístico da escultura grega.
Quem O quê Johann Joachim Winckelmann?
Retrato de Johann Joachim Winckelmann por Angelica Kauffman, 1764, via The British Museum, Londres
Winckelmann foi um historiador de arte alemão, arqueólogo e helenista primitivo. Ele acreditava que a arte clássica passou por uma evolução que incluiu começo, meio e fim. O conceito surgiu do fato de que as pinturas murais de Pompeia não correspondiam aos padrões estéticos da escultura grega. Existia uma suposição de que os afrescos de Pompeia foram pintados durante um declínio na linha do tempo da arte clássica.
História da Arte Antiga de Johann Joachim Winckelmann , Primeira edição publicada em 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal
Winckelmann escreveu História da Arte Antiga , ou A história da arte na antiguidade (1764), que impactou historiadores, estudiosos e artistas. Neste trabalho, ele usou o ciclo da vida como uma analogia para traçar a história da arte clássica. Teve uma origem, um período de crescimento e maturidade e um eventual declínio.
Este livro inspirou muitas obras de arte e literatura graças às descrições de esculturas clássicas de Winckelmann. Seus escritos influenciaram escultores e pintores como Antonio Canova e Anton Raphael Mengs . Ele destacou as qualidades ideais das peças, com sua nobre simplicidade e grandeza calma, bem como sua sensualidade.
Para Winckelmann, o berço da arte clássica não estava em Roma, mas na Grécia, onde nasceu e onde atingiu seu auge. Devido à sua paixão e estudo atento das obras gregas e romanas antigas, Winckelmann foi capaz de contribuir muito de perto para a progressão dos artistas que cobiçavam as obras antigas.
escultura grega e romana
Artemisão Bronze , Aproximadamente 460 aC, via Museu Arqueológico Nacional de Atenas
Surpreendentemente, muitos bronzes gregos e romanos não foram vistos desde antes do reinado do Império Romano e das Cruzadas. Por quê? Porque muitos foram derretidos por causa do bronze, pois o bronze estava em alta demanda para armas e ferramentas. No entanto, apesar da traição desta ação, os romanos tiveram a previdência de fazer cópias de mármore de um grande número de esculturas. Claro, havia mármores gregos originais, como o Menino Kritios, a antiga estátua de mármore Kouros , e as Nike de Samotrac e . No entanto, seus bronzes transmitiam melhor sua habilidade e filosofia para a mente e o corpo durante os períodos clássico e helenístico. Depois, há as obras de escultores de bronze gregos como Polykleitos e Lisippos , cujas obras mais notáveis só agora podem ser vistas como cópias romanas de mármore.
Cópia romana de Farnese Herakles (Hércules em repouso) por Glykon (bronze original grego por Lysippos), final do século 2 ao início do século 3 dC, via Museu Arqueológico Nacional de Nápoles
Cada cópia romana de uma estátua de bronze original grega tem um suporte, ou tronco de árvore de mármore, que equilibra o mármore. (O suporte assumiu historicamente muitas formas, mas o tronco é uma de suas formas mais notáveis). Devido às técnicas perdidas da escultura grega, os romanos não conseguiram equilibrar seu mármore adequadamente e, em vez disso, tiveram que usar suportes. Dois exemplos disso podem ser vistos em Farnese Héracles , que não tem necessariamente um suporte, uma vez que o clube faz parte da peça original, mas assume o mesmo papel de um suporte; e a Apolo Belvedere, que tem um suporte em seu lado esquerdo. Para originais gregos de bronze, normalmente haveria bronze sob os pés da escultura que a segurava - colando-a no lugar.
Diagrama da Proporção Áurea (Retângulo Dourado e Espiral), via Pratt Institute
Os romanos imitaram o estilo dos gregos, já que há muito havia sido aperfeiçoado. Essa perfeição veio não apenas da habilidade, mas também do conhecimento do Proporção áurea , ou Golden Mean através do Golden Rectangle, e que é o que trouxe a Harmonia, Equilíbrio, Simetria e Proporção ideais. o Apolo Belvedere , Artemisão Bronze , e Anton Mengs' Parnaso são todos os principais exemplos de peças que são estruturadas em torno da Proporção Áurea. Apesar desse conhecimento, os romanos tendiam a mudar as proporções de acordo com suas próprias sensibilidades. Por outro lado, os gregos apreciavam o corpo ideal e a beleza refinada, modelando os corpos segundo o que percebiam ser a semelhança dos deuses e deusas.
Antonio Canova usou essas antigas regras e técnicas transmitidas por seus antecessores para criar obras que se inspiram no passado e transmitem o conhecimento do futuro.
Mais sobre Antonio Canova
Autorretrato do Escultor Antonio Canova , 1812, via The Art Institute of Chicago
Antonio Canova foi um escultor neoclássico italiano conhecido pelos contemporâneos como o Supremo Ministro da Beleza. Canova apreciava mais o movimento artístico neoclássico do que o Rococó ou barroco períodos da arte, enquanto estudava as obras de mestres como Michelangelo e os afrescos de Pompéia durante suas viagens pela Itália. Muitos dos primeiros trabalhos de Canova são baseados na rejeição de meramente copiar técnicas gregas clássicas. Ele tentou unir filosofias e entendimentos passados dos gregos com seu conhecimento da arte rococó e barroca.
Antonio Canova foi considerado o maior escultor de seu tempo. Antes de 1779, seus primeiros trabalhos exibiam uma sensibilidade barroca tardia ou rococó que era atraente para seus patronos, nobres venezianos. Um exemplo seria seu Dédalo e Ícaro escultura neoclássica.
O encontro de Canova com Gavin Hamilton
Dédalo e Ícaro de Antonio Canova , 1777-1779, via Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno
Em 1779, Canova visitou Roma pela primeira vez e conheceu o pintor escocês, antiquário e embaixador veneziano Gavin Hamilton em um jantar. Em junho do ano seguinte, Hamilton viu o Dédalo e Ícaro e disse para ele :
A imaginação das pessoas também é verdade, assim como a imagem puramente individual da beleza é verdade...
O conselho completo de Hamilton para Canova foi muito mais profundo, mas, em essência, Hamilton queria que ele se afastasse do naturalismo e buscasse uma forma mais elevada de beleza escultural. Essa entrada de Hamilton é o motivo pelo qual o trabalho de Canova mudou para sempre e por que seu trabalho conseguiu ascender da maneira que o fez.
Canova e o Apolo Belvedere : Escultura Neoclássica
Perseu com a Cabeça da Medusa (Perseu Triunfante) por Antonio Canova, 1800-01, via Museu do Vaticano, Roma
Após seu encontro com Gavin Hamilton, os trabalhos posteriores de Antonio Canova começaram a retratar uma beleza mais idealizada, inspirando-se nas obras antigas. Canova's Perseu com a Cabeça da Medusa inspirou-se não apenas nas descrições dos Apolo Belvedere mas também Bem-vindo Cellini de Perseu e Medusa .
As principais características que o Canova Perseu herdado do Apolo Belvedere incluem: falta de musculatura intensa com o mesmo tipo de corpo idílico; uso pesado de cortinas em cascata; poses quase idênticas, exceto pelas capas e pelos itens que carregam (são espelhos um do outro); e suas expressões faciais triunfantes e presunçosas.
Apollo Belvedere cópia de mármore romana de bronze grego , final do séc. AEC (Cópia em Mármore do século XVIII), via Museu do Vaticano, Roma
Para entender melhor a importância do Apolo Belvedere , abaixo está um trecho da descrição de Winkelmann da escultura como escrito em Arte Europeia do Século XIX (3ª edição) por Petra ten-Doesschate Chu:
Entre todas as obras da antiguidade, que escaparam à destruição, a estátua de Apolo é o mais alto ideal da arte... Sua estatura é mais elevada que a do homem e sua atitude fala da grandeza de que está cheio. Uma eterna primavera... veste com os encantos da juventude, a graciosa masculinidade dos anos maduros e brinca com suavidade e ternura sobre a forma altiva de seus membros... (p. 50).
Winkelmann procurou destacar a dupla ênfase nas qualidades sensuais e ideais da escultura grega, embora só pudesse ver as cópias romanas de muitos dos bronzes destruídos. Nesta época, ir para a Grécia não era possível devido ao reinado do turcos otomanos .
Os anos dourados de Antonio Canova
Teseu e o Minotauro de Antonio Canova , 1781-1783, via The Victoria and Albert Museum, Londres
Os anos dourados de Antonio Canova foram de fato pós-Hamilton, quando ele começou a trabalhar dentro dos padrões da escultura neoclássica enquanto aplicava os ideais gregos de beleza e perfeição celestes. A primeira peça de Canova após seu encontro com Hamilton foi Teseu e o Minotauro . Este trabalho é visto como sua primeira escultura neoclássica real, juntamente com Perseu com a Cabeça da Medusa , que ele produziu logo depois. É evidente ao olhar para esta peça que Canova levou a sério o conselho de Hamilton e tentou evocar a beleza natural e não natural. Esta peça ainda se inclina mais para a ideia natural de beleza; no entanto, não vai tão longe quanto seu trabalho Dédalo e Ícaro .
Assim, Antonio Canova Perseu com a Cabeça da Medusa pode ser considerado o início de sua era de ouro. Dele Perseu e todos os trabalhos que vieram depois são como ele ficou conhecido como o Supremo Ministro da Beleza.
Psique revivida pelo beijo de Cupido (primeira versão) por Antonio Canova, 1787-93, via Musée du Louvre, Paris
A escultura Psique revivida pelo beijo de Cupido mostra a verdadeira compreensão de Canova das palavras de Hamilton e como ele estava desenvolvendo um estilo para si mesmo que estava apenas começando a aparecer em Teseu e o Minotauro . Seu trabalho nesta escultura neoclássica transmite verdadeiramente a combinação do natural com o não natural. Ele permite que os corpos mantenham uma proporção mais natural enquanto seus rostos, cabelos e movimentos emanam uma beleza e cuidado sobrenaturais.
Teseu e o Centauro por Antonio Canova, 1810-1819, via The Kunsthistorisches Museum, Viena
Durante o movimento neoclássico, o gosto por obras que exemplifiquem o estilo rococó manteve-se a todo vapor. Um aspecto que mais caracterizou a arte rococó foi sua natureza teatral. Porque Antonio Canova estudou o rococó, essa sensibilidade teatral o seguiu em obras como Teseu e o Centauro .
Em comparação, sua Teseu e o Minotauro é diferente do que muitos artistas rococós fizeram no passado, pois mostra as consequências da batalha em vez de mostrar a própria batalha. Teseu e o Minotauro exibe Teseu depois de matar o Minotauro (como aconselhado por Hamilton), empoleirado em sua morte, durante um momento de reflexão. Nesse momento, Teseu percebe que agora perdeu sua inocência e precisa pensar sobre sua própria moralidade. Em vez de retratar grandeza na batalha, como Teseu e o Centauro , há uma melancolia sombria na peça.
Teseu e o Centauro (close-up do centauro) de Antonio Canova, 1810-1819, via The Kunsthistorisches Museum, Viena
Esta peça, em particular, causou especulações de que era uma cópia de um original grego. Teseu e o Centauro era tão bem equilibrado, em forma de triângulo dentro dos limites da Proporção Áurea, ao mesmo tempo em que tinha um nível de detalhe que não se esperava necessariamente de uma escultura neoclássica original. O detalhe do cavalo e a carnalidade dos corpos faziam com que a peça parecesse uma impossibilidade para a época, principalmente pela falta de escora e pela harmonia geral da escultura. Teseu e o Centauro é, portanto, considerada a magnum opus de Canova e com razão.
No fundo, as obras de Canova foram magistrais no início de sua carreira, com destaques como Dédalo e Ícaro . No entanto, sem a percepção de pessoas como Winckelmann ou conselhos de Gavin Hamilton, ele não seria a maravilha que veio a ser. Antonio Canova foi um verdadeiro virtuoso do ofício, criando obras que podem ser imortalizadas da mesma maneira que as obras que o inspiraram.