O Movimento Artístico Breve Mas Extraordinário do Grupo Der Blaue Reiter
Cavalo Azul I por Franz Marc , 1911, via Museu Lenbachhaus, Munique; Fotografia de Franz Marc , 1910; Rascunho de capa de Der Blaue Reiter Almanac por Wassily Kandinsky , 1911, via Museu Lenbachhaus, Munique; Fotografia de Wassily Kandinsky , via Museu Leicester
O início dos 20ºséculo trouxe consigo revoluções e avanços na forma como a arte era vista e criada. Der Blaue Reiter ou The Blue Rider Group foi fundado em Munique, Alemanha, em resposta aos métodos tradicionais de arte. Sua arte explorou as relações entre arte, música, cor e espiritualismo. Embora o grupo tenha durado pouco, sua arte e ideias contribuíram para o desenvolvimento do expressionismo alemão.
O Começo do Cavaleiro Azul
A Montanha Azul por Wassily Kandinsky , 1908/09, via Museu Guggenheim, Nova York
O grupo foi fundado por uma mistura de emigrantes russos e artistas alemães nativos em 1911. Alguns dos nomes mais conhecidos do grupo incluem Wassily Kandinsky e Franz Marc quais foram os principais membros que moldaram a visão geral do grupo. Outros artistas incluem Alexei Von Jawlensky , Gabriele Munter , Marianne von Werefkin , August Mack , e Paul Klee . Eles formaram o grupo em rejeição de outro movimento artístico alemão, Neue Künstlervereinigung München (Munique Nova Associação de Artistas). Eles se esforçaram para criar uma nova onda de arte moderna que se separasse da arte convencional e conformista de seus predecessores. Eles se interessaram em criar arte que expressasse emoções em vez de retratar cenas literais. Enquanto cada artista abordava o assunto e a técnica de maneira diferente, todos compartilhavam as mesmas ideias de criar arte como uma conexão com o espiritual através do uso da cor.
O significado por trás do nome Der Blaue Reiter
O Cavaleiro Azul por Wassily Kandinsky, 1903
A nomeação do grupo pode ser simplificada em que Marc gostava de cavalos e Kandinsky gostava de cavaleiros, então juntos eles criaram o nome Der Blaue Reiter. No entanto, há mais substância na razão pela qual cavalos, cavaleiros e a cor significaram tanto para esse grupo e contribuíram para seu nome e identidade duradoura.
A pintura O Cavaleiro Azul é visto como a pintura que deu origem ao nome do grupo Der Blaue Reiter. Kandinsky pintou a imagem em 1903, e é uma das primeiras pinturas em que ele transitou para um estilo mais abstrato. O cavaleiro no nome passou a simbolizar a transição do mundo físico para o espiritual. Essa ideia é dos guerreiros e cavaleiros cristãos medievais, como São Jorge, que inspiraram o grupo. A história de São Jorge matando um dragão desempenha um papel importante nos primeiros trabalhos de Kandinsky. Para eles, isso representava a morte do velho e o nascimento de um começo. O cavaleiro é o portador de um despertar divino e um renascimento da arte. Os membros do Der Blaue Reiter viam o materialismo de sua época como um bloqueio contra a compreensão espiritual da mente e da alma.
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Os grandes cavalos azuis por Franz Marc , 1911, via Walker Art Center, Minneapolis
A cor azul tornou-se a manifestação literal do transcendente e divino que esses artistas usavam em sua arte. O azul era visto como a cor mais espiritual e calmante que é consistentemente vista em uma variedade de obras de arte do grupo. O azul era frequentemente usado em conjunto com os cavalos de Franz Marc, pois juntos eles representam a viagem do mundo material para um mais celestial. O azul também está ligado à masculinidade, enquanto o amarelo era mais feminino. O vermelho representava o mundo físico e natural comparado ao sobrenatural da cor azul. A combinação de azul e o cavaleiro representa a batalha entre o bem contra o mal. Para eles, os males do início dos anos 20ºséculo foram as tecnologias modernas, as ciências e o industrialismo urbano.
O Almanaque do Cavaleiro Azul
Capa do Almanaque Blue Rider por Wassily Kandinsky, Franz Marc e Jean Arp , 1914, via Art Gallery of Ontario, Toronto
Os Cavaleiros Azuis Almanaque é uma coleção de ensaios, ilustrações e partituras musicais que se tornaram a base dos objetivos do grupo. Na capa do livro está o emblema do grupo de São Jorge. A primeira edição incluiu 1200 exemplares com 50 edições de luxo que incluem xilogravuras de Wassily Kandinsky e Franz Marc. As xilogravuras de edição limitada intituladas (arqueiro) arqueiro , de Kandinsky; e Fabletier (Criatura Fantástica) , de Marc só aparecem na primeira edição. O grupo só publicou este primeiro livro quando a Primeira Guerra Mundial interrompeu os planos por um segundo. O livro também contém partituras musicais de Arnold Schönberg e Alexander Scriabin com Schönberg contribuindo com um ensaio, bem como partituras para três composições. O som amarelo de Kandinsky (Der gelbe Klang) também está incluído. O livro continha não apenas imagens de trabalhos do grupo, mas de outros artistas, incluindo Pablo Picasso , Vincent van Gogh , e Henri Matisse .
O Cavaleiro Azul por Franz Marc e Wassily Kandinsky , 1912, via Museu de Belas Artes de Boston
Há também imagens de obras de arte medievais, renascentistas, folclóricas e não europeias. Isso incluiu estátuas africanas, desenhos a tinta asiáticos, arte popular e pinturas em vidro reverso da Baviera. Os artistas inexperientes e os artistas folclóricos cuja arte teria sido chamada de primitiva naquela época inspiraram sua arte. A simples abstração de formas e assuntos leva os membros do grupo a criar imagens que se desviam cada vez mais do mundo natural. O que torna este livro importante é o esforço colaborativo que foi colocado em sua elaboração. Ao colocar imagens de arte de uma ampla gama de culturas, artistas, músicos e críticos, mostrou que toda arte pode viver simultaneamente em um espaço. Mostra que há espaço para todos os tipos de arte e o quanto cada um influencia o outro.
A influência da cor
Moça com um chapéu florido por Alexei Von Jawlensky , 1910, via Museu Albertina, Viena (à esquerda); com Quatro garotas (quatro garotas) por August Macke , 1912/13, via Museum Kunstpalast, Düsseldorf (à direita)
A cor desempenhou um papel importante nas obras de Der Blaue Reiter. Como visto na pintura acima, há uma clara distinção entre as aplicações de cores entre os diferentes membros de um mesmo grupo. Fauvismo tem ligações com o grupo Der Blaue Reiter particularmente com Gabriele Münter e Alexej Von Jawlensky. Semelhante a um livro de colorir, eles colocariam a cor dentro de linhas grossas e escuras para criar contraste e dimensão. Os retratos de Jawlensky demonstram essa conexão entre cor e emoção. Ele se concentrou principalmente nas cabeças das figuras, em vez de retratos de corpo inteiro. Ele usou cores vivas e cruas para mostrar como a cor pode se tornar a essência do ser.
Senhora em um parque por August Macke , 1914, MoMA, Nova York (esquerda); com A Mantilha Azul por Alexei Von Jawlensky , 1913, via The Israel Museum, Jerusalém (à direita)
Outra inspiração veio dos trabalhos de Robert Delaunay e Orfismo , que inspiraria August Macke e Franz Marc. Eles ficaram impressionados com o uso da cor por Delaunay, onde ela é fragmentada em fragmentos de cor. O ritmo desempenha um grande papel nisso, pois Delaunay acreditava que as cores se moviam antes da visão tanto quanto o mundo natural. Isso influenciou Macke a pintar formas que são cortadas em seções com formas angulares muito distintas. Seus temas incluem mulheres em lojas de departamentos, caminhadas em parques ou grupos de mulheres em atividade aos quais ele aplica essa técnica. Comparado a Alexej Von Jawlensky, Macke usa formas bem distintas e quase cubistas, enquanto Jawlensky usa pinceladas mais expressivas livremente.
A cor ultrapassou os limites da expressionismo como os artistas o usavam para exibir os sentimentos espirituais mais íntimos que sentiam enquanto pintavam. O uso das cores tornou-se mais livre e menos sujeito ao embotamento da realidade. Ele ultrapassou os limites do que era considerado apropriado para a pintura tradicional. A cor também teve grande importância para Kandinsky, que a usou em conjunto com a expressão de emoções com som.
A cor da música
Impressão III (Concerto) por Wassily Kandinsky , 1911, via Museu Lenbachhaus, Munique
A música e sua conexão com a cor desempenham um papel fundamental nas pinturas abstratas de Wassily Kandinsky. A sinestesia, a capacidade de ouvir, provar ou cheirar a cor, é um conceito que introduziu Kandinsky no uso da cor como representação dos sentidos físicos. Cada cor também representava diferentes seções de uma orquestra e, juntas, essas combinações de cores criam uma sinfonia de cores. Isso também foi impactante para o artista Paul Klee e seu desenvolvimento na arte abstrata. A música também foi uma grande inspiração para ele, pois ele e Kandinsky estudaram música na juventude.
Cores baseadas em Kandinsky com emoções específicas e até instrumentos. Suas pinturas são sinfonias de cores com cada cor provocando uma resposta emocional diferente. O amarelo é uma cor terrena, e quanto mais brilhante o amarelo, mais sentimentos caóticos e estridentes ele promove. O azul é calmante e celestial, o que ajuda a moderar os amarelos. Os vermelhos são poderosos e dinâmicos que simbolizam tambores profundos ou o crescendo das trombetas. O verde é a cor mais calma, refletindo os tons suaves de um violino. As violetas são melancólicas e são semelhantes à música triste das trompas ou gaitas de foles. Finalmente, o preto representa o final de uma peça musical enquanto, em contraste, o branco é quando todos os outros sons ficam mudos.
Embora suas pinturas possam parecer espontâneas e parecer que Kandinsky as completou na hora, isso é realmente falso. Assim como um compositor organizando notas em uma partitura, Kandinsky pintava como se as notas fossem tinta e a tela fosse partitura. Cada colocação de cores era intencional e às vezes levava anos para ele concluir esses tipos de pinturas musicais.
As mulheres do cavaleiro azul
Auto-retrato (Auto-retrato) por Marianne Von Werefkin , 1910, via Museu Lenbachhaus, Munique (à esquerda); com Auto-retrato por Gabriele Munter , 1908, Museu Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (à direita)
Dentro de Der Blaue Reiter havia artistas femininas, incluindo Marianne Von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova e Clotilde von Derp. Tanto Werefkin quanto Münter desempenharam papéis críticos em relação ao estilo e avanços que fizeram para artistas expressionistas femininos. Ambos os artistas foram parceiros de outros membros do grupo: Werefkin com Jawlensky e Münter com Kandinsky durante esse período. Werefkin iria até mesmo atrasar sua própria carreira e defender Jawlensky como artista, até mesmo criando uma exposição para ele. Eram mulheres dentro de um grupo de homens e sofriam os limites de serem mulheres. No entanto, eles ainda foram capazes de produzir trabalhos que abriram caminho para futuras artistas expressionistas.
Jawlensky e Werefkin por Gabriele Munter , 1908/09, via Museu Lenbachhaus, Munique
O trabalho de Gabriele Münter é caracterizado pelo uso de cores fortes e delineando seus assuntos com linhas pretas e grossas. Suas pinturas têm uma perspectiva compactada que se registra como plana para o espectador. Ela se concentra na composição de cores de seus assuntos, preenchendo-os com cores vibrantes semelhantes aos fauvistas franceses. Sejam retratos ou paisagens, as obras de Münter têm formas simplistas que refletem sua inspiração na arte popular tradicional da Baviera e até nas pinturas infantis. Ela nunca foi completamente abstrata como Wassily Kandinsky, mas criou arte figurativa que ainda se assemelhava à realidade. Esse movimento em direção a uma aparência simples e infantil é representativo do desejo do grupo de voltar a criar arte que era primitiva. Ela também criou naturezas-mortas com imagens de artefatos tradicionais da Baviera ou iconografia religiosa.
lavadeiras por Marianne Von Werefkin , 1909, via Museu Lenbachhaus, Munique
A arte de Marianne Von Werefkin se concentraria em imagens de mulheres e pobres em suas obras. Seu trabalho mostra a diferença na forma como as mulheres eram representadas no início do século 19.ºséculo. Em comparação com seus contemporâneos, ela retratou mulheres trabalhando e curvadas contra um pano de fundo de fluxos de cores. Seu uso de cores e pinceladas expressivas foram influências de Edvard Munch e Vincent Van Gogh, que também usavam a cor para expressar a alma. Ela usou uma paleta de cores mais escuras com tons mais profundos de vermelhos e pretos principalmente para as roupas femininas. Werefkin mostra as mulheres que eram trabalhadoras e na força de trabalho durante a ascensão do industrialismo. Suas pinturas combinavam a dura realidade das mulheres de sua época com o esplendor sobrenatural de suas paisagens.
Único membro americano do Der Blaue Reiter
Natureza morta III por Albert Bloch , 1914, via Des Moines Art Center
Albert Bloch é um pintor americano que se mudou para a Alemanha em 1909. Ele se juntou ao grupo Der Blaue Reiter em 1911 depois que Wassily Kandinsky e Franz Marc visitaram o estúdio de Bloch. Ele foi o único artista americano que se juntou ao grupo. Durante sua estada na Alemanha, ele desenvolveu seu próprio estilo, assim como o resto dos membros. Ele frequentemente usava imagens de arlequins dançando, palhaços tocando instrumentos e realizando Pierrôs. Esta foi a interpretação de Bloch de como se pode ver a música em uma forma de arte visual. Comparado a outros membros do grupo, Bloch não é tão conhecido ou reconhecido por seu trabalho na arte moderna. Ele acabou se mudando para o Kansas, onde lecionou na Universidade do Kansas até sua aposentadoria.
A pintura acima é um exemplo do trabalho de Bloch e sua conexão com Der Blaue Reiter. Dele Natureza morta III não tem primeiro plano ou plano de fundo visível e, em vez disso, Bloch representa objetos flutuando aparentemente no ar. Eles representam a mistura de limites entre os mundos espiritual e físico. As bananas e outras frutas parecem estar envoltas em suas próprias auras dando vida a objetos aparentemente inanimados. Suas linhas são muito fluidas e onduladas, o que também se inclina para uma representação mais espiritual de uma natureza morta. Ele sempre manteve o estilo e a filosofia de Der Blaue Reiter, mesmo depois de seu final.
O Fim do Cavaleiro Azul
Kornfeld bei Carantec (Milho em Carantec) por Alexei Von Jawlensky , 1905, via Museu Albertina, Viena
O início da Primeira Guerra Mundial foi efetivamente o fim do grupo. A guerra engoliu a Europa e os membros do Der Blaue Reiter. Membros russos do grupo, incluindo Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky e Marianne Von Werefkin, foram enviados de volta à Rússia por causa de sua nacionalidade. Ambos Franz Marc e August Macke foram convocados para o exército alemão onde, infelizmente, ambos foram mortos.
Depois Jawlensky mudou-se para a Suíça e em 1924 criou o grupo Die Blaue Vier (The Blue Four) que incluía Paul Klee, Lyonel Feininger e Kandinsky. Bloch retornou aos Estados Unidos no final da Primeira Guerra Mundial, onde iniciou uma carreira no ensino. A maioria das obras que ele criou na Europa foram destruídas durante os bombardeios da Segunda Guerra Mundial. Ele só trouxe de volta algumas de suas pinturas na Europa. Eles agora são mostrados apenas em seus próprios registros pessoais, que incluem fotografias das pinturas perdidas.
Durante a Segunda Guerra Mundial, a arte moderna tornou-se alvo do regime nazista durante os anos 1930-40, onde foi considerada degenerada e considerada uma ofensa ao regime. Münter continuou a criar arte moderna durante esse período, mesmo enfrentando reações adversas e restrições. Enquanto os nazistas tentavam confiscar obras de arte, ela escondeu suas pinturas, bem como as de Kandinsky e as pinturas de outros membros do Der Blaue Rider em sua própria casa em Murnau. Durante o regime nazista Jawlensky, Klee e outros membros da arte do grupo foram levados e colocados na exposição Arte Degenerada em 1937.