Sensualidade Grotesca nas Representações da Forma Humana de Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918) é conhecido por suas pinturas e desenhos viscerais, muitos dos quais apresentam nus masculinos e femininos entrelaçados e envolvidos em posições abertamente sexuais. Sua alquimia do explícito e do grotesco é retratada com uma beleza contorcida que dificilmente pode ser articulada. Seu uso de uma paleta acinzentada, semelhante a um cadáver, a fim de retratar momentos de confronto de sexualidade, sensualidade e autoconsciência torna suas representações do corpo humano algumas das mais instigantes da história da arte moderna ocidental. Schiele torce a anatomia de suas figuras para revelar uma feiúra . Na obra de Schiele, a forma humana é crua, desanimadora e cheia de contradições fascinantes.

A desestabilização da sensualidade convencional na arte de Egon Schiele

Fotografia de Egon Schiele em sua mesa

Embora ele mal viveu 30 anos, Egon Schiele tornou-se um artista moderno extremamente influente. Numa época em que muitos artistas queriam preservar a beleza da forma humana e da natureza através da arte, o artista austríaco não se esquivou de retratar suas figuras em posições intrigantes. Há controvérsia sobre se suas representações eram empoderadoras para seus temas ou egoístas para as fantasias do artista, mas uma palavra parece aparecer de forma onipresente na literatura que descreve seu trabalho, a palavra grotesco . Grotesco, que é comumente definido como, estranho e desagradável, especialmente de uma forma boba ou um pouco assustadora , também pode significar afastando-se marcadamente do natural, do esperado ou do típico.

Muitas vezes igualamos este termo com as palavras bruto ou desagradável , mas a palavra também pode se referir a algo que não atende a certas expectativas sociais ou estéticas. Schiele era o mestre em alterar o corpo humano apenas o suficiente para desestabilizar ideias preconcebidas sobre como um corpo nu deveria ser, principalmente para o público de sua época. No entanto, após uma inspeção mais aprofundada, não há como negar a beleza complexa em seu trabalho que continua a atrair e confundir especialistas e amantes da arte.

Exposição precoce à condição humana obscura

Pair Abraçando por Egon Schiele, 1915 via ArtMajeur

Schiele nasceu em 1890 de pai alemão e mãe germano-tcheca na Áustria. Seu pai estava supostamente sofrendo de sérios problemas de saúde mental. Ele também freqüentava bordéis locais. Ele acabou morrendo de sífilis quando Schiele tinha 15 anos, o que algumas fontes atribuem ao fascínio inicial do artista pela sexualidade humana. Um ano após a morte de seu pai, Schiele ingressou na Academia de Belas Artes de Viena. Após três anos, ele deixou a escola insatisfeito porque achava o currículo rígido e conservador.

Você está gostando deste artigo?

Inscreva-se em nossa Newsletter Semanal GratuitaJuntar!Carregando...Juntar!Carregando...

Por favor, verifique sua caixa de entrada para ativar sua assinatura

Obrigada!

Junto com vários outros colegas, ele começou o novo grupo de arte (New Art Group) através do qual conheceu um crítico chamado Arthur Roessler. Roessler apresentou o artista a membros proeminentes da cena cultural vienense. Na época, a intelectualidade de Viena era obcecada por ideias relacionadas ao sexo e à morte. Esta foi a Viena de Sigmund Freud e os artistas do Secessão vienense Curti Gustav Klimt . Klimt mais tarde se tornou o mentor de Schiele e forneceu-lhe seus primeiros modelos. Assim, a prática artística de Schiele se desenvolveu em um ambiente cheio de energia frenética focada na compreensão das complexas profundezas da psique humana.

Elementos visuais que criam o grotesco sensual

Nu feminino visto por trás por Egon Schiele, 1915 via Koones

Cor e luz eram ferramentas poderosas no arsenal de Schiele. Ele usou cores com moderação para destacar aspectos do corpo que eram considerados tabu por seus antecessores e muitos de seus contemporâneos. Em algumas obras, ele usa cores vibrantes nos cabelos pintados ou roupas esparsas de suas figuras, retratando a pele em cores suaves, na maioria das vezes bege com toques de azul claro e vermelho. Em alguns trabalhos, ele usa cores mais vivas onde a pele encontra o osso, para destacar a magreza pontiaguda do corpo. Isso pode ser visto em trabalhos como Nu feminino visto por trás (1915) onde Schiele destaca cada articulação na coluna da mulher com um pincel de vermelho escuro.

O uso e manipulação da luz foi outra ferramenta visual que se prestou à visão de Schiele do corpo humano. A nível material, o papel que ele usava, áspero e muitas vezes deliberadamente desbotado, dava ao seu trabalho uma qualidade pálida e envelhecida que o tornava frágil sob luz direta. O artista também era conhecido por delinear figuras, dando-lhes uma espécie de aura etérea. No entanto, desses corpos iluminados, há uma escuridão psicológica proveniente do uso de ângulos severos e cores desanimadoras. Esta é apenas uma das muitas contradições da obra de Schiele: a escuridão do humano psique em um tenso cabo de guerra com o aparecimento e o uso da luz.

A anatomia de um estilo revolucionário

Auto-retrato por Egon Schiele, 1910 via Wikimedia Commons

Não é preciso um olho treinado para ver as complexidades presentes na arte de Schiele, muitas das quais podem ser consideradas reflexos de sua posição dentro da sociedade artística e intelectual vienense. Tanto a sensualidade quanto o grotesco existem no mesmo corpo em quase todas as suas representações da forma humana. Casais envolvidos em abraços sensuais e ternos são retratados com traços finos, quase emaciados. Expressões faciais exageradas transformam a postura mais simples em uma leitura complexa do mundo interior do sujeito. As mulheres em sua juventude parecem pálidas e distorcidas, quase esqueléticas.

Gênero e sexualidade também são fluidos, com muitos especialistas identificando a androginia em suas representações de homens e mulheres. Com exceção de obras como Autorretrato com colete de pavão em pé (1911), os temas de Schiele são tipicamente suspensos no vazio, sem fundo para indicar profundidade além das bordas da própria figura. Em todos esses elementos estéticos, há uma indefinição e desestabilização de várias categorias morais e estéticas.

Deve-se notar que esses elementos não se limitam às representações de outros de Schiele. Na maior parte de seu trabalho, ele volta o olhar para dentro de si mesmo . Seus autorretratos são igualmente perturbadores e grotescos, se não mais do que seus retratos de outras pessoas. Então, a pergunta permanece: por que retratar a forma humana, incluindo a sua, em um formato tão bruto?

Mulher reclinada com meias verdes (também conhecida como Adele Harms) por Egon Schiele, 1917 via Cultura Colectiva

Schiele não apenas contradizia os padrões artísticos aceitos na época, mas forçou os espectadores a aceitar a coexistência de várias dessas amplas categorias. Morte e sexo, bem e mal, luz e escuridão, decadência e vida, violência e ternura, amor e desconfiança, tudo se encaixou em cada peça que ele produziu. Essa tensão cria uma beleza sublime, quase avassaladora e, para alguns, vergonhosa de aceitar. Schiele segurou um espelho para sua comunidade e os forçou a ver contradições ousadas entrelaçadas em uma massa contorcida de falhas humanas e sensualidade crua. O resultado é revigorante e instigante, mesmo que o trabalho seja inicialmente difícil de entender pelo valor de face. Isto é sensualidade grotesca em seu melhor.

Representações eróticas empoderadoras ou explorações egoístas da sexualidade?

Homem e Mulher (Abraços) por Egon Schiele, 1917, via Wikimedia

Há uma conversa em andamento entre os interessados ​​no trabalho de Schiele sobre o significado por trás das representações de figuras nuas de Schiele, particularmente nus femininos. Essa discussão anda de mãos dadas com uma discussão sobre Como as ele retratou essas figuras. Por um lado, há um argumento de que essas obras de arte perturbadoras, mas eróticas, são empoderadoras para os assuntos que ele retratou. Ele foi um dos únicos artistas de seu tempo a mostrar mulheres em posições altamente eróticas, recuperando assim algum espaço para as mulheres expressarem sua sexualidade.

Por outro lado, há alegações de que essas representações foram feitas para a própria realização sexual do artista. Esses argumentos criam uma área cinzenta quando se trata do legado de Schiele. Enquanto alguns o veem como o campeão da sexualidade aberta e quebrando barreiras, outros o veem como capitalizando sua acessibilidade a modelos vivos para produzir obras de arte eróticas que satisfizessem suas próprias fantasias. Uma resposta poderia ser que ele foi motivado por ambas as razões e isso torna a compreensão e o estudo de seu trabalho tão perturbador quanto vê-lo.

Legado de Egon Schiele

Fotografia de Egon Schiele, 1914 via Artspace

O fim da vida de Schiele foi inegavelmente trágico. Ele perdeu sua esposa Edith e seu filho ainda não nascido para a gripe espanhola em 1918, apenas três dias antes de contrair a mesma doença fatal. Apesar do pandemia , Schiele continuou a desenhar e pintar até o fim de sua vida. Embora ele tenha vivido apenas 28 anos, o impacto que ele teve na história da arte ocidental é atemporal. Schiele foi um dos artistas mais influentes do modernismo vienense e ajudou a lançar as bases para outros movimentos de arte moderna que ainda estavam por vir.

Mais importante, Schiele mudou a forma como o público entendia visualmente os conceitos de sexo, amor, beleza, morte e autoconsciência. Talvez seja mais apropriado não rotular Schiele como um artista moderno. Talvez devêssemos tomar uma nota do próprio Schiele, que disse uma vez: Acho que não existe arte moderna. É apenas arte e é eterno . Certamente, o legado de Schiele prova que eterno a arte pode ser criada se tocar certas partes da psique humana, especialmente aquelas partes da mente que muitos não ousaram visitar antes.