4 artistas da era vitoriana que fizeram arte pela arte

Detalhes de Junho Flamejante por Sir Frederic Leighton, 1895; e O sonho do dia por Dante Gabriel Rossetti, 1880

A frase arte pela arte pode parecer simples, mas essas quatro palavras deram início a um novo movimento artístico na era vitoriana de Londres. A arte pela arte surgiu como uma tradução inglesa do slogan francês arte por arte . Na década de 1860, o conceito foi popularizado por Walter Pater , um influente crítico de arte britânico. Seu trabalho ajudou a lançar as bases para o Movimento Estético, que uniu um grupo diversificado de artistas, artesãos e poetas de vanguarda da era vitoriana sob o lema arte pela arte.

Arte pela arte: um pano de fundo

Walter Pater era famoso por usar prosa florida em seus ensaios de história da arte e revisões críticas da arte e literatura da era vitoriana. Seu trabalho muitas vezes se concentrava em o desejo de beleza, o amor da arte pela arte, e ele frequentemente pregava que a melhor arte vem a você, professando francamente não dar nada além da mais alta qualidade aos seus momentos à medida que eles passam, e simplesmente por causa desses momentos. Essas filosofias contradiziam diretamente as tradições centenárias da prestigiosa Real Academia de Arte e normas sociais da era vitoriana.

Sinfonia em Branco, No.III por James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, via Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

Na Grã-Bretanha do século XIX, a cultura dominante ditava uma moral estrita. A arte foi usada principalmente para expressar mensagens éticas, políticas, sociais ou religiosas. Enquanto isso, a Royal Academy ainda ensinava uma hierarquia de arte que favorecia Clássico e alto Renascimento italiano assuntos e estilos. Construído sobre o conceito de arte pela arte, o Movimento Estético pretendia derrubar tudo isso, insistindo que os artistas não deveriam justificar seu trabalho além de seu valor intrínseco.

Foi nesse contexto cultural que criadores de várias disciplinas adotaram a arte pela arte como seu credo, incluindo o Irmandade Pré-Rafaelita , os pintores do Movimento Estético liderados por James Abbott McNeill Whistler , designers de interiores do Movimento de artes e ofícios liderado por William Morris , e os poetas da Fleshly School liderados por Algernon Charles Swinburne . Todos eles acreditavam que seu meio escolhido deveria existir independentemente de qualquer função didática ou utilitária. No reino da pintura, o assunto e a narrativa não eram mais relevantes – uma abordagem revolucionária para a época – e a arte pela arte deu origem a um novo e excitante gênero de arte que incluía contribuições desses quatro notáveis ​​artistas da era vitoriana.

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1. James Abbott McNeill Whistler: Poesia da Visão

Arranjo em Cinza e Preto Nº 1 (Retrato da Mãe do Artista) por James Abbott McNeill Whistler , 1871,via Musée d'Orsay, Paris

Whistler foi um artista nascido nos Estados Unidos que se tornou um dos líderes do Movimento Estético. Embora nunca tenha se destacado em um ambiente acadêmico, Whistler estudou em Paris ao lado do Impressionistas e depois se estabeleceu em Londres, onde se associou aos artistas da vanguarda da era vitoriana. A partir dessas influências, Whistler ajudou a pavimentar o caminho para que a arte pela arte realmente pegasse.

Walter Pater afirmou que toda arte aspira constantemente à condição da música. Whistler também foi atraído pela ideia de que a música é a forma mais exemplar de arte pela arte. Isso ocorre porque uma música sem letra – e, portanto, sem narrativa ou assunto definitivo – pode ser apreciada apenas por sua beleza. Whistler, de fato, aspirava a alcançar esse efeito nas artes visuais, chegando ao ponto de nomear suas pinturas não com seus temas, mas com termos musicais como Harmonia , Arranjo , Noturno , e Sinfonia . Em relação ao seu estilo de nomenclatura não convencional, Whistler explicou , Assim como a música é a poesia do som, a pintura também é a poesia da visão, e o assunto não tem nada a ver com harmonia de som ou cor.

Até mesmo o infame retrato da mãe de Whistler é acima de tudo um arranjo estético de cores e formas. É apenas coloquialmente conhecido como Retrato da Mãe do Artista, enquanto seu título oficial— Arranjo em Cinza e Preto Nº 1 — sugere que a pintura nada mais é do que uma composição estética de cores suaves.

Noturno: Azul e Dourado — Old Battersea Bridge por James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-75, via Tate, Londres

Da mesma forma, Whistler frequentemente pintou cenas do rio Tâmisa nebuloso à noite em uma série que ele chamou de Noturnos . Cada Noturno apresenta uma composição notavelmente plana e simples, uma paleta de cores monótona e pinceladas largas e translúcidas. O resultado final é um efeito visual sonhador de luz e cor, em vez de uma pintura de paisagem convencional de um lugar familiar. Os espectadores da era vitoriana ficaram chocados com a aparência aparentemente inacabada dessas pinturas e o assunto indefinido - tanto que um ação judicial se seguiu.

2. Albert Moore: Luxo Lazer

Sonhadores por Alberto Moura , 1882, via Museu e Galeria de Arte de Birmingham, Birmingham

Como um jovem artista, Moore era fascinado por escultura antiga . Ele passava horas estudando e desenhando o Mármores de Elgin , uma coleção de esculturas gregas antigas do Partenon no Museu Britânico em Londres. Suas proezas acadêmicas e Estilo neoclássico concedeu-lhe espaço para exposições na Royal Academy of Art - mas sua feroz independência artística o impediu de participar plenamente ao lado dos acadêmicos mais tradicionais.

Moore é conhecido por suas composições decadentes de figuras femininas em vários estados de descanso e relaxamento, tipicamente posadas dentro de um cenário clássico imaginado e altamente decorativo. Ao contrário do tipo de arte promovido pela Royal Academy, as pinturas de Moore não contêm narrativas históricas ou mensagens discerníveis. As figuras femininas não existem como tema, mas sim como um dos muitos elementos de uma composição estética. Suas identidades e até mesmo suas expressões faciais são propositalmente vagas - mas os corpos, tecidos, texturas e paletas de cores harmoniosas demonstram o talento de Moore para combinar uma infinidade de detalhes decorativos para obter um efeito luxuoso, mas descontraído.

Romãs por Alberto Moura , ca. 1875, na Guildhall Art Gallery, Londres, via Art UK

De fato, a maioria de suas pinturas, como Romãs , são nomeados após coisas bonitas como flores e frutas, ou horas do dia e estações do ano. Esses títulos não descrevem a narrativa ou o assunto, nem mesmo chamam os objetos mais notáveis ​​das pinturas. Em vez disso, eles enfatizam o efeito decorativo geral que a pintura pretende alcançar. Embora cada parte das pinturas de Moore represente uma forma reconhecível, todos os objetos e figuras são tão abstraídos de quaisquer características de identificação que existem apenas para completar uma composição estética que é apreciada por sua beleza – um excelente exemplo de arte pela arte.

3. Dante Gabriel Rossetti: Retrato sensual

O sonho do dia por Dante Gabriel Rossetti , 1880, via Victoria and Albert Museum, Londres

Pintor e poeta, Rossetti é lembrado por seus retratos de mulheres altamente decorativos - muitos dos quais têm poesia inscrita nas molduras ou incluída na composição. Rossetti foi um membro fundador da irmandade pré-rafaelita e, como tal, foi atraído por fontes medievais de inspiração que antecederam Rafael ,o favorito da Royal Academy Velho mestre pintor renascentista. Rossetti também estava interessado em experimentar o que Walter Pater chamou de poesia pictórica, ou obras de arte que alcançam uma expressão completa pelo desenho e pela cor, em vez de contar uma história.

Rossetti não costumava exibir trabalhos publicamente durante sua vida, mas sua reputação cresceu à medida que os visitantes de seu estúdio espalhavam a notícia de suas ousadas inovações. Ele também era notório por manter a companhia de várias musas femininas. Rossetti foi especificamente atraído por mulheres que tinham traços fortes e angulosos, penteados volumosos e uma presença sedutora – muito em contraste com o Ideal da era vitoriana de feminilidade delicada e pudica.

Boca Beijada por Dante Gabriel Rossetti , 1859, via Museu de Belas Artes, Boston

Boca Beijada foi o primeiro dos retratos de uma única figura de Rossetti. Inspirado em um provérbio italiano de mesmo nome, cujo trecho está inscrito no verso da tela, Boca Beijada retrata a musa, modelo e às vezes amante de Rossetti, Fanny Cornforth . Nesta pintura, Cornforth e seus arredores se misturam para criar um efeito estético - seu impressionante cabelo laranja, roupas verdes aveludadas e acessórios dourados se fundem com o arranjo floral no fundo e o tecido ornamentado em primeiro plano, ambos artificialmente achatados. para enfatizar ainda mais a importância da composição como um todo. Não há lugar, história, pessoa ou período de tempo reconhecível em Boca Beijada — é simplesmente um objeto de beleza.

4. Frederic Leighton: Classicismo da Era Vitoriana

Mãe e filho (cerejas) por Frederic Leighton , 1865, via Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton foi bem sucedido comercialmente durante sua vida devido ao seu estilo de inspiração clássica e academicamente treinado. Ele estudou pintura e escultura em Florença e Paris, depois se estabeleceu em Londres, onde se associou a vários artistas da era vitoriana e projetou um residência opulenta para ele mesmo. Ao contrário de outros artistas do Movimento Estético, que se mantiveram à margem da cena artística de Londres, Leighton tornou-se membro pleno da Royal Academy of Art e até serviu como presidente. Lá, ele foi capaz de promover o conceito de arte pela arte de dentro do estabelecimento.

Junho Flamejante por Sir Frederic Leighton , 1895, no Ponce Art Museum, via Google Arts & Culture

Considerado o maior quadro da carreira de Leighton, o ilustre Junho Flamejante foi redescoberto na década de 1960 depois de ter desaparecido da vista do público após a morte do artista. Enquanto Junho Flamejante mostra a formação acadêmica de Leighton em anatomia humana, ele sutilmente dobra as regras de representação para utilizar a figura da mulher e o resto da cena como ferramentas decorativas em vez de ilusões convincentes. A monumentalidade da figura da mulher é enfatizada pelo alongamento de suas pernas para sobrecarregar os móveis e exagerando o tom fogoso e o movimento dinâmico de sua cortina, que é quase indistinguível de seu cabelo espalhado.

Como as mulheres ociosas de Albert Moore, Junho Flamejante O repouso de faz dela uma parte passiva, talvez até inanimada, de uma cena decorativa onírica - embora, se tentada na vida real, sua pose provavelmente não seja repousante. Embora Leighton pudesse pintar perfeitamente uma figura humana recuando no espaço tridimensional, Junho Flamejante demonstra como seu interesse pela arte pela arte pode inspirar uma compreensão do classicismo não como uma técnica acadêmica ou referência histórica, mas como uma estética maleável.

Legado da arte pela arte

De acordo com James Whistler , a arte deve ser independente de toda bobagem – deve ficar sozinha e apelar para o senso artístico do olho ou do ouvido. Ao praticar sua crença compartilhada na arte pela arte – e ousar aventurar-se além dos limites da arte didática tradicional – esses quatro pintores da era vitoriana ajudaram a preparar o terreno para modernistas do século XX para empurrar os limites da arte ainda mais para as próximas décadas.