4 colaborações icônicas de arte e moda que moldaram o século 20

Três vestidos de coquetel, tributo a Piet Mondrian por Eric Koch , 1965, pela Vogue França

As conexões entre arte e moda definem momentos específicos da história. Ambos os meios refletem as mudanças sociais, econômicas e políticas dos loucos anos 20 para a extravagância dos anos 80. Aqui estão quatro exemplos de artistas e designers de moda que ajudaram a moldar a sociedade através de seu trabalho.

1. Halston e Warhol: uma bolsa de moda

Quatro Retratos de Halston , Andy Warhol, 1975, Coleção Particular

A amizade entre Roy Halston e Andy Warhol é aquele que definiu o mundo artístico. Tanto Halston quanto Warhol foram líderes que abriram o caminho para tornar o artista/designer uma celebridade. Eles tiraram o estigma pretensioso do mundo da arte e trouxeram moda e estilo para as massas. Warhol usou serigrafia para produzir imagens várias vezes. Embora ele certamente não tenha inventado o processo, ele revolucionou a ideia de produção em massa. Halston usava tecidos e desenhos simples e elegantes, mas glamorosos com o uso de lantejoulas, ultracamurça e sedas. Ele foi um dos primeiros a tornar a moda americana acessível e desejável. Ambos colocaram um selo definitivo na arte e no estilo ao longo dos anos 1960, 70 e 80, que ainda dura até hoje.

Colaboração e sucesso comercial

Flores por Andy Warhol , 1970, via Princeton University Art Museum (esquerda); com Liza por Andy Warhol , 1978, via Christie's (centro); e Flores por Andy Warhol , 1970, via Tacoma Art Museum (à direita)

Ambos Halston e Warhol colaboraram juntos em muitos projetos diferentes. Warhol criaria campanhas publicitárias que apresentavam as roupas de Halston e até o próprio Halston. Em uma colaboração mais direta, Halston usou a estampa floral de Warhol em algumas de suas roupas, desde um vestido de noite até um conjunto de loungewear.

Halston usava desenhos simples em suas roupas, o que as tornava muito bem-sucedidas. Eles eram simplistas e fáceis de usar, mas ainda pareciam luxuosos com o uso de tecidos, cores ou estampas. Warhol também simplificaria seus materiais e processos, o que facilitou a reprodução de suas obras e as tornou mais vendáveis.

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Vestido de noite por Halston , 1972, via Museu de Arte de Indianápolis (à esquerda); com Vestido e capa combinando por Halston , 1966, via FIT Museum, Nova York (centro); e Conjunto de salão por Halston , 1974, via University of North Texas, Denton (à direita)

O sucesso comercial teve seus desafios para ambos os designers. Halston seria o primeiro a colaborar com uma cadeia de varejo, JCPenney, em 1982, que deveria oferecer aos clientes uma opção de preço mais baixo para seus projetos. Isso não foi bem-sucedido para sua marca, pois parecia barateá-la, mas abriu o caminho para futuros designers fazerem o mesmo. Warhol foi recebido com críticas também com sua produção sendo vista como superficial e superficial. No entanto, ambos modernizaram o uso do varejo e do marketing em seus respectivos espaços para criar marcas para vender para o mercado de massa.

O brilho e glamour

Sapatos de pó de diamante por Andy Warhol , 1980, via Monsoon Art Collection, Londres (à esquerda); com vestido de mulher, paetês por Halston , 1972, via LACMA (direita)

Tanto Warhol quanto Halston eram visitantes frequentes do Studio 54. Eles festejaram, projetaram e produziram trabalhos para celebridades como Liza Minnelli, Bianca Jagger e Elizabeth Taylor. Essas saídas são refletidas em seus trabalhos, pois inspiraram e definiram a era disco dos anos 1970.

Halston é conhecido por criar roupas de noite em lantejoulas completas. Ele colocava lantejoulas no tecido horizontalmente. Isso cria um efeito cintilante do material, que ele usaria para criar desenhos ombre ou patchwork. Seus desenhos eram silhuetas simples que criavam facilidade e movimento para dançar. Seu uso de lantejoulas era muito popular entre as estrelas, incluindo Liza Minnelli, que usava seus desenhos para apresentações e passeios para Estúdio 54 .

A série Diamond Dust Shoes de Warhol também exemplifica a vida noturna do Studio 54 e a influência das celebridades. Diamond Dust é o que ele usou em cima de serigrafias ou pinturas, criando um elemento extra de profundidade à peça. As impressões de sapatos de Warhol foram inicialmente a ideia para uma campanha publicitária para Halston. Ele até usou alguns dos designs de sapatos de Halston como inspiração.

O designer que se tornou uma celebridade começou com Warhol e Halston. Não era apenas sobre os tipos de arte e roupas que eles criavam, mas também sobre suas vidas sociais. Hoje em dia existem designers de moda e artistas que são personalidades de celebridades e isso contribui para o sucesso das suas marcas.

2. Sonia Delaunay: Onde a arte se torna moda

Sonia Delaunay com dois amigos no estúdio de Robert Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sônia Delaunay não só revolucionou uma nova forma de Cubismo mas também vislumbrou as conexões entre arte e moda. Tanto Delaunay quanto seu marido foram pioneiros Orfismo e experimentou diferentes formas de abstração na arte. Ela foi a primeira de seu tipo a usar seu próprio estilo artístico e fazer a transição para o mundo da moda usando seus designs têxteis, estampas ou padrões originais. Ela é mais lembrada por sua arte e conexão com o marido do que por sua moda. Suas roupas estavam na vanguarda da mudança nas roupas femininas na década de 1920. Seu catálogo de roupas é lembrado mais em fotografias e referências à sua arte do que nas próprias roupas físicas. Para Delaunay, não há uma linha divisória entre arte e moda. Para ela, eles são um e o mesmo.

Moda simultânea e rebelde

Vestidos Simultâneos (Três Mulheres, Formas, Cores) por Sônia Delaunay , 1925, via Museu Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (à esquerda); com Vestido Simultâneo por Sônia Delaunay , 1913, via Museu Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid (à direita)

Delaunay começou seu negócio de moda na década de 1920, criando roupas para clientes e desenhando tecidos para fabricantes. Ela chamou sua gravadora Simultaneamente e avançou ainda mais seu uso de cores e padrões em uma variedade de mídias diferentes. Simultanismo desempenhou um papel importante em seu processo de design. Seu uso da técnica é muito semelhante a uma colcha de retalhos ou tecidos da Europa Oriental. As cores se sobrepõem e os padrões são usados ​​para criar harmonia e ritmo. Os temas comuns dela incluem quadrados/retângulos, triângulos e linhas diagonais, ou esferas – todos os quais se sobrepõem em seus vários designs.

Placa 14 de Sonia Delaunay: Suas pinturas, seus objetos, seu tecido simultâneo, suas modas por Sônia Delaunay , 1925, via National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay era uma jovem mulher durante a Era Eduardiana onde espartilhos e conformidade eram a norma. Isso mudou na década de 1920, quando as mulheres usavam saias acima do joelho e roupas folgadas e justas. Esse aspecto é algo que pode ser visto nos designs de Delaunay, e ela era apaixonada por criar roupas para atender às necessidades das mulheres. Ela desenhou trajes de banho que permitiram que as mulheres participassem melhor de esportes que anteriormente inibiam a forma como os praticavam. Ela colocou seus tecidos em casacos, sapatos, chapéus e até carros, tornando cada superfície sua tela. Seus designs criaram liberdade de movimento e expressão através da cor e da forma.

A transição de Delaunay para o cinema e o teatro

Le P'tit Parigot por René Le Somptier , 1926, via IMDB (esquerda); com Traje para 'Cleópatra' na produção dos Ballets Russes de 'Cleópatra' por Sônia Delaunay, 1918, via LACMA (direita)

Delaunay fez a transição para cinema e teatro durante sua carreira. Ela desenhou os figurinos para o filme de 1926 Le P'tit Parigot ('O pequeno parisiense) por Rene Le Somptier. Tanto Delaunay quanto seu marido contribuíram para o filme com seu marido contribuindo para os cenários usados ​​nos filmes. À esquerda, a dançarina romena Lizicai Codreanu é retratada em um dos figurinos desenhados por Delaunay. Seu uso de esferas, ziguezagues e quadrados é outro exemplo de simultanismo. Os ziguezagues do fundo se misturam com as leggings dos figurinos. O disco em torno do rosto da dançarina era um tema recorrente na moda de Delaunay.

Ela também criou desenhos para 'Cleópatra' , pelos Ballets Russes. Semelhante às suas colaborações no cinema, ela criou os figurinos e seu marido trabalhou na cenografia. Ambos colaboraram entre si para criar uma experiência harmoniosa para o espectador. O figurino de Cleópatra tem listras e semicírculos multicoloridos misturando seu estilo abstrato de 1920 ao balé tradicional.

3. As Colaborações de Elsa Schiaparelli e Salvador Dalí

Schiaparelli sapato em forma de chapéu por Elsa Schiaparelli e Salvador Dalí , 1937-38, pela Vogue Austrália

A vanguarda de arte surrealista é combinado com o líder de forma surrealista. Salvador Dalí e designer de moda Elsa Schiaparelli colaboraram e inspiraram uns aos outros ao longo de suas respectivas carreiras. Eles criaram imagens icônicas como o Vestido Lagosta , O chapéu de sapato (esposa de Dalí, Gala vista acima), e O vestido de lágrima , que chocou e inspirou o público tanto na arte quanto na moda. Dalí e Schiaparelli abriram o caminho para futuras colaborações entre designers de moda e artistas, pois preencheram a lacuna entre o que é considerado arte vestível e moda.

A Lagosta e Dalí

Vestido de Jantar Feminino por Elsa Schiaparelli e Salvador Dali , 1937, via Museu de Arte da Filadélfia (à esquerda); Salvador Dalí por George Platt Lynes , 1939, via The Metropolitan Museum of Art, Nova York (à direita)

Embora uma lagosta seja aparentemente inofensiva, na verdade ela está repleta de controvérsias. Dalí usado lagostas como tema recorrente em sua obra e estava interessado na anatomia da lagosta. Sua concha atua como um esqueleto por fora e tem um interior macio por dentro, o inverso dos humanos. A lagosta na obra de Dalí também tem tons sexuais, decorrentes da dinâmica feminino-masculino.

O vestido Lobster é uma colaboração entre os dois artistas com Dalí desenhando a lagosta para ser usada no vestido. Despertou muita controvérsia quando estreou em Voga . Em primeiro lugar, tem um corpete transparente e uma saia feita de organza branca. Essa transparência, mostrando a imagem pouco visível do corpo da modelo, era algo completamente novo na moda vista em escala de massa. O uso do tecido branco também contrasta com o vermelho da lagosta. O branco pode ser considerado virginal ou significando pureza em comparação com o vermelho, que pode significar sexualidade, poder ou perigo. A lagosta é convenientemente colocada na saia para cobrir a área pélvica de uma mulher. Essa colocação é semelhante à foto de Dalí acima, que significa ainda mais a sexualidade das mulheres versus a reação dos homens a ela.

A modelo que vestiu a peça Voga foi Wallis Simpson, esposa de Eduardo VIII, que abdicou do trono inglês para se casar com ela. Este é mais um exemplo de pegar uma figura ou imagem controversa na cultura e transformá-la em algo a ser reverenciado.

Estilo de arrepiar os ossos

Mulher com cabeça de rosas por Salvador Dalí , 1935, via Kunsthaus Zurich (esquerda); com O vestido de esqueleto por Elsa Schiaparelli , 1938, via Victoria and Albert Museum, Londres (à direita)

Esqueletos são outro tema visto na arte surrealista e foram usados ​​em mais colaborações entre Dali e Schiaparelli. O vestido de esqueleto foi o primeiro de seu tipo por causa de seu assunto, mas também por causa de sua técnica. Schiaparelli usou uma técnica chamada acolchoado onde duas camadas de tecido são costuradas criando um contorno. O enchimento é inserido no contorno, criando um efeito de relevo. Esta técnica cria uma superfície texturizada no tecido plano dando a ilusão de que os ossos humanos estão se projetando através do vestido. Causou um escândalo porque o vestido era feito de um material pegajoso que grudava na pele. As imaginações das pinturas e desenhos de Dali foram realizadas no mundo físico tridimensional pelas roupas de Schiaparelli. Dali, como mencionado anteriormente, estava interessado em anatomia, e isso também se traduz em seu trabalho.

4. Yves Saint Laurent: onde arte e inspiração colidem

Vestido inspirado em Picasso por Yves Saint Laurent por Pierre Guillaud , 1988, via Times LIVE (esquerda); com Os pássaros por Georges Braque, 1953, no Museu do Louvre, Paris (à direita)

Onde está a linha entre imitação e apreciação? Críticos, espectadores, artistas e designers lutaram para determinar onde essa linha é traçada. No entanto, ao discutir Yves Saint Laurent , suas intenções eram nada menos que bajulação e admiração pelos artistas e pinturas que ele usava como inspiração. Ao olhar para seu extenso portfólio, Saint Laurent se inspirou em culturas e arte de todo o mundo e incorporou isso em suas roupas.

Embora Yves Saint Laurent nunca tenha conhecido os artistas que o inspiraram, isso não o impediu de criar obras em homenagem a eles. Laurent se inspirou em artistas como Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,e Picasso . Ele era um colecionador de arte e tinha pinturas de Picasso e Matisse em sua própria casa. Tomar as imagens de outro artista como inspiração às vezes pode ser visto como controverso. Saint Laurent, no entanto, usaria temas semelhantes a esses artistas e os incorporaria em roupas vestíveis. Ele pegou um motivo bidimensional e o transformou em uma peça tridimensional que homenageia alguns de seus artistas favoritos.

Pop Art e a Revolução dos Anos 60

Vestido de festa usado por Muriel, homenagem a Piet Mondrian, coleção de alta costura outono-inverno 1965 por Yves Saint Laurent, fotografado por Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paris (à esquerda); com Vestido de noite usado por Elsa, Homenagem a Tom Wesselmann, coleção de alta costura outono-inverno 1966 por Yves Saint Laurent, fotografado por Gerard Pataa, 1966 , via Museu Yves Saint Laurent, Paris (à direita)

A década de 1960 foi uma época de revolução e comercialismo e foi uma nova era para a moda e a arte. Os designs de Saint Laurent ganharam sucesso comercial quando ele começou a se inspirar em Arte pop e abstração. Ele criou 26 vestidos em 1965 inspirados nas pinturas abstratas de Piet Mondrian. Os vestidos incorporavam o uso de formas simplistas e cores primárias ousadas por Mondrian. A Saint Laurent usou uma técnica em que nenhuma costura é visível entre as camadas de tecido, fazendo com que pareça que a peça é uma peça inteira. Saint Laurent pegou a arte de Mondrian da década de 1920 e a tornou usável e relacionável com a década de 1960.

Os vestidos estilo mod são exemplos clássicos do estilo dos anos 1960, onde a praticidade estava se tornando um problema maior para as mulheres. Eles eram semelhantes aos da década de 1920, que eram menos apertados e tinham mangas e bainhas mostrando mais pele. As silhuetas quadradas de Saint Laurent permitiram facilidade e movimento para as mulheres. Isso também o levou a se inspirar em artistas de arte pop como Tom Wesselmann e Andy Warhol. Ele criou uma linha de designs inspirados na arte pop que apresentava silhuetas e recortes em suas roupas. Tratava-se de quebrar as restrições sobre o que era a abstração na arte e comercializar o design. Laurent uniu essas duas ideias para criar roupas para mulheres que fossem libertadoras e atraentes para a mulher moderna.

Arte na moda de alta costura

Conjuntos noturnos, homenagem a Vincent van Gogh, usados ​​por Naomi Campbell e Bess Stonehouse, coleção de alta costura primavera-verão 1988 por Yves Saint Laurent, fotografado por Guy Marineau , 1988, via Yves Saint Laurent Museum, Taken

o Vincent van Gogh As jaquetas da Saint Laurent são um exemplo de como Saint Laurent combinou a inspiração de outros artistas e seus próprios talentos de design. Como suas outras roupas, os temas relacionados aos artistas não foram copiados e colados nas roupas de Saint Laurent. O que ele escolheu fazer foi tomá-los como inspiração e criar peças que refletissem seu próprio estilo. A jaqueta é representativa do estilo dos anos 80 com seus ombros fortes e um visual boxy muito estruturado. É uma colagem de girassóis bordados no estilo pictórico de Van Gogh.

Jaqueta com detalhe de girassol por Yves Saint Laurent , 1988, via Christie's (à esquerda); com Girassóis-detalhe por Vincent Van Gogh , 1889, através do Museu Van Gogh, Amsterdã

Yves Saint Laurent colaborou com a casa de Casa de Arrendamento , líder em bordados de alta costura. A jaqueta de girassol é bordada com miçangas de tubo que revestem as bordas da jaqueta e pétalas e hastes de girassol. As flores são preenchidas com diferentes tons de lantejoulas laranja e amarelas. Isso cria uma peça de textura multidimensional semelhante à técnica de Van Gogh de pintar camadas de tinta grossa na tela. Estima-se que seja uma das peças de alta costura mais caras a serem feitas, sendo vendida por 382.000 euros na Christie’s. Saint Laurent abriu o caminho para como se pode usar a moda como uma obra de arte em si.