6 pinturas assustadoras de artistas famosos que vão te chocar

Detalhe de Dante e Virgílio por Willian-Adolphe Bouguereau, 1850 (esquerda); com The Face of War por Salvador Dalí, 1940 (à direita)

É da natureza humana ser fascinado pelo macabro. Para algumas pessoas, ilustrações arrepiantes são uma verificação da realidade – um lembrete de que a vida não é só arco-íris e unicórnios. Para outros, são um interesse apaixonado, uma obsessão excitante ou apenas algo fascinante de se ver. Não importa sua inclinação, toda grande arte é digna de debate e louvor. Essas pinturas assustadoramente assustadoras de artistas famosos vão deixar você se sentindo perturbado, mas também comovido pelo assunto.

Por que artistas famosos criaram pinturas assustadoras?

Judith Decapitando Holofernes por Artemisia Gentileschi , 1620, via Galerias Uffizi, Florença

Ao longo da história, os artistas retrataram o macabro na arte, explorando temas como morte, violência e sobrenatural. Durante a antiguidade, os artistas usavam seus talentos para lidar com temas de morte e violência vistos na vida e na guerra. Na Europa Renascimento , a arte questionou a ideologia cristã estrita e autoritária. Na Europa Medieval, a arte escura foi empregada para explorar os efeitos da peste, variando do sobrenatural ao cotidiano. a arte visual moderna usa imagens perturbadoras para confrontar verdades desconfortáveis ​​da sociedade. Aqui estão 6 pinturas assustadoras que mostram esse uso do macabro nelas.

6. A cara da guerra Por Salvador Dalí

A cara da guerra por Salvador Dalí , 1940, via Museu Boijmans Van Beuningen, Roterdã

Embora seja classificado em # 6, esta pintura não é uma mera menção honrosa. Na verdade, quanto mais de perto você examina A cara da guerra , do famoso artista e surrealista pintor Salvador Dalí , mais seus detalhes horríveis, mas cruelmente pontuais, vêm à tona. A pintura retrata uma cabeça sem corpo, colocada em um cenário de deserto, com um rosto emaciado – muito parecido com um cadáver – sob ataque de serpentes. Sua expressão é sombria e abandonada, que era a intenção de Dalí: mostrar a feiura da guerra. Dentro da boca e das órbitas oculares há cabeças idênticas e dentro delas, há cabeças mais idênticas, tornando este aspecto infinito — outro conceito bastante deprimente.

Dalí pintou a obra na Califórnia, em 1940, e acredita-se que seja mais evocativa da Guerra Civil Espanhola do que a Segunda Guerra Mundial . A cor dominante é o marrom, com um céu azul-esverdeado suave ao longe. Indiscutivelmente, os tons marrons representam a guerra, enquanto os tons azul-esverdeados representam a paz.

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No geral, A cara da guerra é um lembrete gritante da propensão brutal e interminável da humanidade para o conflito.

Fatos interessantes :

A marca da mão visível no canto inferior direito é na verdade SalvadorDali's.

Incluindo A cara da guerra ,daliatestou que grande parte de sua arte resultou de premonições de guerras futuras.

daliafirmou que duas coisas o inspiraram: sua libidoe um mal-estar geral quando se tratava da morte.

5. Cabeças decepadas Por Theodore Géricault

As cabeças cortadas por Theodore Géricault , década de 1810, via Museu Nacional, Estocolmo

Théodore Géricault é outro artista famoso conhecido por suas pinturas assustadoras. Esta ilustração horrível, rotulada Cabeças decepadas , retrata literalmente a mortalidade em sua hora mais sombria. A decadência das cabeças é evidente. À esquerda, uma mulher tem olhos fechados e pele branca mortal, enquanto em contraste, à direita, uma cabeça masculina tem olhos abertos e sem vida com a boca entreaberta. O que é ainda mais fascinante na composição é o uso de tons escuros e claros por Géricault para transmitir sua intenção – a mudança da vida para a morte.

Géricault estava tão obcecado com a noção de mortalidade que era conhecido por manter real partes de corpos desmembrados e cadáveres em seu estúdio. Como várias de suas outras pinturas, Cabeças decepadas forneceu-lhe um meio de praticar o desenho dos detalhes mais sutis de um cadáver.

Fato interessante :

Os pescoços das cabeças decepadas sugerem que essas antigas almas encontraram seu fim por decapitação. No entanto, na realidade, este é apenas o caso de um deles. Géricault obteve a cabeça masculina guilhotinada de um ladrão anteriormente detido em Bicêtre (um hospital que também serviu como prisão no corredor da morte), enquanto a cabeça feminina foi retirada de um modelo vivo. Por isso, inferiu-se que o segundo propósito de Géricault para a pintura Cabeças decepadas foi destacar como homens e mulheres muitas vezes foram vítimas de decapitação na guilhotina.

Quatro. Dante e Virgílio Por William-Adolphe Bouguereau

Dante e Virgílio por William-Adolphe Bouguereau , 1850, via Musée d'Orsay, Paris

Chegando em #4 é uma representação assombrosa do famoso artista e pintor acadêmico francês William-Adolphe Bouguereau . Inicialmente, Dante e Virgílio pode não parecer uma pintura extremamente assustadora, mas quando combinada com sua história de fundo, torna-se uma experiência visual mórbida. A tela retrata uma cena do poeta Dante Divina Comédia . Aqui, Dante e seu guia, Virgílio , se aventuraram no Inferno e estão parados no Oitavo Círculo. Esta seção do inferno é reservada para aqueles que cometeram fraude sobre a humanidade. Dante e Virgil estão testemunhando duas almas condenadas envolvidas em um combate eterno - uma luta até a morte! Um deles é Capocchio, alquimista e herege; o outro é Gianni Schicchi, um trapaceiro e fraudador. É Schicchi quem tem a vantagem, mordendo o pescoço de Capocchio enquanto simultaneamente dá uma joelhada em suas costas.

O que é mais impressionante nisso obra de arte – além do pano de fundo perturbador de demônios, um inferno e figuras nuas se contorcendo em agonia – é a bela representação dos corpos dos lutadores. Bouguereau capturou brilhantemente o calor do momento, mostrando a força feroz de Schicchi, a fluidez das poses dos homens e o desespero cru em suas expressões.

No geral, Dante e Virgílio é uma arte folha de dicas , destacando como os indivíduos são todos iguais aos olhos de Deus, e que quando banidos para o Inferno, um não se torna nem humano nem animal, mas algo entre os dois.

Fato interessante :

Em relação ao tema da pintura, foi um caso único de Bouguereau, sugerindo que o conteúdo sombrio talvez fosse muito perturbador para ele reproduzir. . .

3. A Morte de Marat II Por Edvard Munch

A Morte de Marat II por Edvard Munch , 1907, através do Museu Munch, Oslo

Esta próxima pintura assustadora se baseia na escuridão da experiência humana, principalmente quando se trata do término de um relacionamento. A Morte de Marat II nasceu da mente do famoso artista norueguês Edvard Munch e tem uma história infernal por trás – bem, duas na verdade. Tudo começou quando Munch terminou com sua noiva, Tulla Larsen, em 1902. Fontes afirmam que o casal brigou em sua casa de verão emAagaardsstrand e, durante a briga, um revólver disparou, ferindo a mão de Munch. Esse incidente traumatizou o artista – que insinuou que Larsen era o culpado – e serviu de inspiração para duas pinturas: A Morte de Marat e A Morte de Marat II .

O assunto em ambos os títulos, Marat, refere-se a Jean-Paul Marat, um revolucionário francês que foi assassinado em uma banheira pela radical Charlotte Corday em 1793. Em A Morte de Marat II , em vez de Marat e Corday serem o foco, entende-se que Munch está morto na cama, com um Larsen nu de pé ao lado dele. Ela é vista como sua assassina por duas razões principais: o ferimento no braço do homem – símbolo de Munch atirando na própria mão durante sua briga anterior com Larsen – e as semelhanças físicas entre a mulher na pintura e a própria Larsen.

Fato interessante :

Munch fez a pinturaenquanto ele estava testando expressionista técnicas. Ele desenvolveu um método único: pinceladas horizontais e verticais distintas que eram emblemáticas de sua agressividade e estado mental desequilibrado - o que acabou levando ao seu colapso em 1908.

dois. Cadeira elétrica Por Andy Warhol

Cadeira elétrica por Andy Warhol ,1967, via Galeria Nacional da Austrália, Parkes

Esta imagem se destaca um pouco da mencionada acima, mas é uma pintura justificadamente assustadora que deve enviar uma gavinha fria pela espinha. Cadeira elétrica é a ideia do famoso artista Andy Warhol e representa seu início de imprimir imagens à mão em tela e depois traduzir a técnica para o papel.A arte original em preto e branco de 1964 (foto abaixo) foi baseada em uma fotografia de imprensa (1953) da câmara da morte na Penitenciária Estadual de Sing Sing em Nova York e foi impressa em tela com tinta acrílica prata.

As estampas coloridas monocromáticas (como a mostrada acima) foram desenvolvidas alguns anos depois, quando Warhol começou a experimentar composição e cor.Em 1980 Warhol descreveu seu novo processo de impressão como uma mudança significativa em sua prática: Você pega uma fotografia, amplia-a, transfere-a com cola para a seda e, em seguida, rola a tinta para que a tinta passe pela seda, mas não pela cola. Dessa forma, você obtém a mesma imagem, ligeiramente diferente a cada vez. Era tudo tão simples — rápido e arriscado. Fiquei emocionado com isso.” (Warhol e Hackett 2007, p.28.)

Cadeira elétrica pequena por Andy Warhol ,1964-65, via SFMOMA, São Francisco

O que é mais assustador sobre o Cadeira elétrica A série é a controvérsia política em torno da pena de morte na América na época, especialmente na cidade de Nova York, onde as duas últimas execuções em Sing Sing foram marcadas por eletrocussão. Assim, Warhol fornece uma metáfora sombria, mas altamente pungente para a morte. A imagem é desprovida de qualquer presença humana. Como observou o historiador de arte Neil Printz, a impressão é notável por sua sobriedade visual e eufemismo emocional, enquanto o vazio e a quietude da sala representam a morte como ausência e silêncio. (Printz in Menil Collection 1989, p.17.) Em essência, a obra é a morte exibindo a morte, que deve ressoar com qualquer pessoa consciente da mortalidade humana.

Fato interessante :

A inspiração por trás de Warhol Cadeira elétrica série foi um almoço com o curador Henry Geldzahler. Warhol declarou:Nós dois estávamos almoçando um dia no verão [de 1962] … e ele colocou o Notícias diárias fora na mesa. A manchete era ‘129 DIE IN JET’, e foi isso que me iniciou na série da morte – os acidentes de carro, os desastres, as cadeiras elétricas… (Andy Warhol e Pat Hackett, POPismo: O Warhol '60 s, Harcourt Brace Jovanovich, Nova York e Londres, 1980, p 75.)

1. A pintura mais assustadora: O Massacre dos Inocentes Por Peter Paul Rubens

O Massacre dos Inocentes por Peter Paul Rubens , 1610, via Art Gallery of Ontario

Chegar em primeiro lugar é uma pintura assustadora que definitivamente não é para os fracos de coração. Especialmente as mães devem ser avisadas: o assunto não é apenas gráfico, mas extremamente perturbador. O Massacre dos Inocentes pelo famoso artista Pedro Paulo Rubens ganhou seu primeiro lugar devido ao seu retrato implacável do infanticídio, que - de acordo com o Evangelho de Mateus da Bíblia - foi um incidente real.

Seja fato ou fábula, a obra de arte tem uma capacidade perturbadora de atrair o espectador para a cena. Se você tomar o relato do Novo Testamento, foi o Rei da Judéia Herodes, o Grande que ordenou a matança de todas as crianças de Belém do sexo masculino com idade igual ou inferior a dois anos. Sua racionalização desumana para o comando foi, não surpreendentemente, relacionada ao ego – não importa qual versão da história você encontre. Herodes ou mata os bebês devido à sua raiva por ter sido ridicularizado pelos Magos - também conhecidos como os Três Reis Magos / Três Reis - ou porque ele é avisado de que o nascimento iminente de um filho do sexo masculino usurpará sua coroa.

Em essência, esta é uma tela em movimento, com talvez o ponto de foco mais proeminente sendo o centro morto: a mãe, seu filho e o soldado. A luta entre os três é brutalmente dramática. O corte da mãe no rosto do soldado salvará seu filho? Ou será em vão?

Uma área secundária de ênfase está na extrema direita: o soldado pronto para empurrar um bebê contra um pilar já manchado de vermelho, e as duas mulheres estendendo a mão para detê-lo. Eles também podem salvar o jovem bebê, ou o Destino já decretou o vencedor deste banho de sangue, dada a quantidade de cadáveres sem vida e ensanguentados de bebês espalhados ao redor deles. . .

O pesadelo por Henry Fuseli , 1781, via Detroit Institute of Arts

Fato interessante :

Em 1923, uma mulher herdou O Massacre dos Inocentes mas se recusou a mantê-lo. Ela achou a pintura muito horrível – afinal, o abate de recém-nascidos e crianças dificilmente passa como decoração regular de uma casa. Em vez disso, ela o emprestou ao mosteiro da Abadia de Reichersberg, na Áustria. Mais tarde foi vendido em leilão por incríveis 76,7 milhões!

Resumindo, O Massacre dos Inocentes é uma representação sóbria de algo que está realmente acontecendohoje. Crianças pequenas ainda estão sendo massacradas, abusadas e exploradas, e não importa o quanto possamos querer bloquear esse fato, é irrevogável que: facto . Um que não devemos ignorar, mas iluminar e mudar. Porque só assim podemos quebrar o ciclo da história que se repete. Só então podemos nos considerar o ápice da humanidade. Só assim poderemos salvar os inocentes, aqueles que merecem o futuro que tivemos a sorte de ter.

o escritor Elie Wiesel disse com perfeição:Pode haver momentos em que somos impotentes para evitar a injustiça, mas nunca deve haver um momento em que deixemos de protestar.