Casas de artistas: espaços criativos e estúdios de arte de pintores famosos
Claude Monet em Giverny , 1920 (esquerda), Retrato de Frida Kahlo , Florença Arquin , 1948, Archives of American Art (centro), e Georgia O'Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (à direita)
O ambiente de um artista pode acabar se entrelaçando com seu trabalho e legado. Claude Monet está associado a Giverny, na França, assim como Frida Kahlo está Coyoacán, México. Olhar para esses artistas através das lentes de seus arredores pode levar a novos insights sobre suas técnicas artísticas, processos e crenças. Vamos abrir a cortina e olhar para as casas e estúdios de arte dos pintores mais influentes da história.
As novas casas mexicanas e estúdio de arte de Georgia O'Keeffe
O'Keeffe abrindo as cortinas de seu estúdio por Tony Vacaro , 1960, Museu Georgia O'Keeffe
As amplas janelas do estúdio de arte de Georgia O'Keeffe olhe para as vastas paisagens do Novo México. Foi essa paisagem que primeiro cativou O'Keeffe e acabaria se tornando sua casa para o resto de sua vida e carreira. Sua conexão com a terra proporcionou-lhe uma renovada sensação de independência. Isso lhe deu a capacidade de criar um espaço que era distintamente seu.
Ghost Ranch: o cenário selvagem do sudoeste de O'Keeffe
Rancho Fantasma, Pátio por Todd Webb , 1955-1981, Museu Georgia O'Keeffe
Há dois lugares no Novo México que Georgia O'Keeffe usou como sua casa/estúdio. Ghost Ranch, ou Rancho de los Burros, era um rancho onde as pessoas podiam alugar quartos e trabalhar na terra. O'Keeffe ficava durante os verões e voltava a Nova York para visitar seu marido, Alfred Stieglitz, até sua morte.
Meu jardim da frente, verão por Georgia O'Keeffe , 1941, Museu Georgia O'Keeffe
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Obrigada!O rancho está situado entre as camadas escarpadas de uma mesa e a terra plana do deserto. A mesa é revestida de arenito cor de ferrugem e sedimentos que variam de roxos, azuis e amarelos. Um deserto está repleto de arbustos verdes e árvores que pontilham a paisagem. Embora a terra seja de tirar o fôlego, o Ghost Ranch era difícil de administrar. Estava isolada sem telefone e tinha um sistema de irrigação precário. A busca por uma casa que fosse arável, mas bonita, levou O'Keeffe à sua segunda casa.
Herdade de Abiquiú: onde a natureza encontra a arquitetura
Abiquiu House, Vigas e Studio Door de Georgia O'Keeffe por Georgia O'Keeffe , 1964, Museu Georgia O'Keeffe
O esforço exigente de administrar o Rancho Fantasma levou O’Keeffe a descobrir a casa de Abiquiú. Estava em mau estado e inicialmente inabitável, mas O'Keeffe sabia que tinha que tê-lo. Quando ela visitou a propriedade, sua presença enigmática a atraiu. As reformas incluíram a incorporação da arquitetura vista na região de influências nativas americanas e espanholas. Vigas feitas de troncos de cedro revestem os tetos e os tijolos de adobe foram feitos da própria terra de O'Keeffe.
Interior da casa e estúdio de Georgia O'Keeffe por Jack Boucher , Serviço Nacional de Parques
Esses temas também percorriam o interior de sua casa. O'Keeffe tinha clarabóias, janelas panorâmicas e portas abertas para deixar a luz natural entrar em sua casa. Seus móveis combinam com paredes de adobe sem adornos e decoração minimalista. A casa de Abiquiú cria uma presença calmante em comparação com a vida selvagem do lado de fora de sua porta. É harmonioso com a paisagem selvagem e rústica do sudoeste americano.
A nova paisagem mexicana: onde a arte reflete a vida
Abiquiu House de Georgia O'Keeffe, Pátio por Georgia O'Keeffe , 1964 (esquerda), e Porta através da janela por Georgia O'Keeffe , 1956,Museu Georgia O'Keeffe (à direita)
A terra circundante do deserto inspirou muito as pinturas de O'Keeffe em sua carreira. Suas casas, principalmente em Abiquiú, são geometricamente lineares com suas vigas, paredes lisas de adobe e caminhos. As portas e janelas abertas deixam entrar a luz natural criando diferentes formas, linhas e tons. Essas pinturas lineares são uma reminiscência de suas pinturas dos arranha-céus modernos e elegantes de Nova York. A diferença no Novo México é o uso de tons naturais de terra que ela via todos os dias do lado de fora de sua janela.
Embora o Novo México ainda atraia artistas atualmente, tornou-se sinônimo de Georgia O'Keeffe. São seus retratos de suas majestosas mesas e extensas paisagens que continuam a mistificar e criar discussões sobre seu trabalho.
Jackson Pollock e Lee Krasner's East Hampton Art Studio
Jackson Pollock e Lee Krasner em um campo por Wilfrid Zogbaum , 1949, Arquivos de Arte Americana, Smithsonian Institution
O horizonte da cidade de Nova York foi ignorado pelos vales e riachos pacíficos de East Hampton por Jackson Pollock e Lee Krasner . Pollock, que sofria de depressão e alcoolismo, escolheu morar no campo longe da cidade exigente. A terra ao redor estava cheia de pastagens e pântanos com uma variedade de vida selvagem e flores. Eles escolheram uma casa que pertenceu a um pescador e converteram a casa e o celeiro para seu estúdio de arte. O campo ofereceu não apenas mais liberdade no espaço, mas também a capacidade de ambos os artistas expandirem suas ambições criativas.
O estúdio de arte: o processo e os suprimentos de Pollock
Jackson Pollock por Hans Namuth, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution
O celeiro ofereceu a Pollock mais espaço para criar suas pinturas em grande escala em comparação com Nova York. Um exemplo disso é quando Peggy Guggenheim encomendou um mural a Pollock. Ele teria derrubado uma parede em seu apartamento para caber a pintura em grande escala. O espaço recém-adquirido permitiu-lhe colocar a tela no chão e ter espaço para movimentar a imagem. Este estúdio de arte foi o espaço onde Pollock apresentou sua técnica de pintura para o fotógrafo Hans Namuth como mostrado acima.
Jackson Pollock em seu estúdio por Rudy Burckhardt , 1950, Arquivos de Arte Americana, Smithsonian Institution
O espaço seria preenchido com os vários suprimentos que ele usava. Há latas de tinta, pincéis grossos, trapos e outros suprimentos como visto na foto acima. As tintas de casa ou esmalte que ele usava eram muito fluidas e respingavam no chão abaixo dele. Ainda hoje, manchas de tinta permanecem no piso de madeira. Pollock usava materiais não convencionais, como bastões, pincéis velhos ou basters de peru para pintar. Ele também usava pedras, vidro, barbante ou areia enquanto pintava.
A influência do cenário de East Hampton
Jackson Pollock, Long Island por Martha Holmes , 1949, Revista Vida
Tem sido debatido o quanto o mundo natural inspirou o trabalho ou os processos de Pollock. No entanto, muitas das séries que Pollock criou enquanto morava em East Hampton têm títulos inspirados na natureza. Realizou obras como Ritmo de outono (Número 30) e Névoa de Lavanda (Número #). Seus títulos de séries incluem Sons na grama e a Accabonac Creek série, que recebeu o nome do riacho que corria atrás de sua casa.
As estações por Lee Krasner , 1957, Whitney Museum of American Art, Nova York
Comparado a Pollock, sabe-se mais que Krasner usou a natureza como fonte de inspiração. de Lee Krasner As estações foi uma pintura que ela criou após a morte de Pollock. Krasner usaria o estúdio de arte do celeiro após a morte de Pollock, mas pregava telas na parede e não no chão. As pinceladas gestuais e as figuras orgânicas levam à ideia da mudança das estações que ela teria presenciado. Ela completou obras como serralha , Conversa de pássaro , ou Direita Esquerda que tenham imagens ou títulos inspirados na natureza.
Tanto Pollock quanto Krasner criaram algumas de suas pinturas mais memoráveis em East Hampton. O cenário também atraiu artistas como Willem de Kooning , Roy lichtenstein , e Mark Rothko . Ainda hoje é uma atração para os visitantes por sua conexão com a vida complexa de Jackson Pollock.
A Casa Azul de Frida Kahlo
Retrato de Kahlo sentada no pátio da Casa Azul, sua casa em Coyoacán, México por Florence Arquin, 195-?, Arquivos de Arte Americana, Smithsonian Institution
Azul de añil é a tinta cobalto brilhante tradicionalmente usada para afastar os maus espíritos e proteger seus habitantes. Isso é o que cobre Frida Kahlo Casa Azul, um paraíso que ela criou. Suas paredes de cores vivas abrigam um exuberante jardim tropical em seu centro. A casa está cheia de objetos, plantas, animais e arte que Frida colecionava. Esses objetos e sua casa são representações de sua herança e do amor por sua casa, o México.
O quarto: um retrato da realidade
Frieda Kahlo em seu quarto por Bernard G. Silberstein , 1940, Instituto de Artes de Detroit
O quarto de Frida foi um lugar onde ela passou grande parte de sua vida. Ela contraiu poliomielite quando criança e sofreu vários ferimentos quando foi ferida em um acidente de ônibus quando jovem. O pai e a mãe de Frida lhe deram materiais de arte e um cavalete especial para usar na cama, onde ela estudou e praticou sua arte. Acima de sua cama havia um espelho que ela usava para pintar seus autorretratos.
O Sonho (A Cama) por Frida Kahlo , 1940,Coleção privada
No final de sua vida, ela foi confinada à cama mais uma vez. Esses tempos de isolamento levam Kahlo a pintar imagens das coisas que a cercavam. Isso inclui sua família, objetos em seu próprio quarto e, claro, ela mesma. Na vida real, uma figura esquelética de Judas repousava sobre a cama de Kahlo e aparece na pintura O sonho . Foi usado não apenas como um lembrete da morte, mas também como um símbolo dos ciclos de vida em constante mudança.
As coleções de Diego e Frida
Frieda Kahlo na sala de estar de Diego Rivera com a figura de Judas por Bernard G. Silberstein , 1940, Instituto de Artes de Detroit
Frida e seu marido, Diego Rivera , artefatos coletados e arte popular do México. Estes incluem figurinhas, brinquedos, retábulos (pequenas pinturas de altar), figuras de barro de Metepec e figuras de Judas (ou figuras de festa) feitas de papel machê. Essas figuras e sua colocação dentro da casa representam sua paixão por estabelecer orgulho na arte e cultura indígenas. A coleção desses objetos reflete Mexicanidade , ou o ato orgulhoso de celebrar seus ancestrais e herança. Esses objetos também criaram uma conexão para Frida e o mundo exterior.
O jardim: o renascimento de um lar
A pirâmide por Miguel Tovar, Museu Frida Kahlo
Quando a Casa Azul se tornou propriedade de Frida e Diego, ela recebeu uma reforma, incluindo o jardim. Frida também coletou plantas e as incorporou ao pátio da Casa Azul. Um item de destaque é a pirâmide localizada no jardim. Esta é uma das poucas peças que representam distintamente a presença de Diego em casa. A pirâmide é baseada na pirâmide de Teotihuacan e é usada para exibir artefatos pré-hispânicos. Outras plantas localizadas no jardim incluem calêndulas, cactos, palmeiras folhosas e outras plantas tropicais nativas do México e da América Central/Sul.
Natureza-morta: Pitahayas por Frida Kahlo , 1938, Museu de Arte Contemporânea de Madison
Plantas, flores e frutas/vegetação eram imagens constantes nas pinturas de Kahlo. Eles foram usados para naturezas-mortas, o fundo de seus autorretratos, ou como híbridos humano/planta. Suas imagens de plantas crescendo de humanos ou vice-versa mostram a relação entrelaçada entre vida e morte. Ela continuamente faz referência a esse tema em uma variedade de suas pinturas, como a pintura mostrada acima.
As pinturas e coleções de objetos de Frida são exemplos de seu amor pela cultura indígena e moderna mexicana. É esse desejo de se conectar com seus laços com o México que definem a Casa Azul. É onde sua vida e carreira começaram e é onde seu legado continua a florescer hoje.
A casa de Charleston de Vanessa Bell e Duncan Grant
Duncan Grant por Godfrey Argent , 1968, National Portrait Gallery, Londres (à esquerda), e Vanessa Bell por Duncan Grant , 1917, National Portrait Gallery, Londres (à direita)
o Grupo Bloomsbury foi fundada em um ideal coletivo de rejeitar as restrições sociais instituídas por seus pais da Era Vitoriana. A arte desses membros não é melhor exemplificada do que a Charleston Home em Sussex, Inglaterra. Nenhuma parede, estrutura de cama, lareira ou banheira foi deixada sem pintura dentro da casa. Dois membros que moravam e pintavam na casa eram Vanessa Bell e Duncan Grant . Sua casa é uma manifestação literal de suas idéias de design, bem como uma expressão de seus pontos de vista sobre seu modo de vida. A casa é um santuário que foi separado das constrições da sociedade tradicional que eles rejeitaram.
Superfícies pintadas e decoração de Charleston
Porta pintada no estudo Clive Bell , The Charleston Trust (esquerda) e A Sala do Jardim, Charleston Trust (à direita), East Sussex, Inglaterra
É o sonho das crianças desenhar nas paredes de suas casas impunes. Este sonho é realizado pelo grupo Bloomsbury porque eles não tiveram medo de descobrir saídas de liberdade artística. Os estilos artísticos de Bell e Grant são evidentes na decoração da casa. Os cômodos e objetos da casa são decorados com formas simplistas, cores fortes e pinceladas expressivas. Os assuntos variavam desde a natureza morta de frutas, flores ou a forma humana. Cadeiras, tapetes, sofás, almofadas e luminárias foram até desenhados por Bell e Grant, que foram então fabricados pela Oficinas Ômega .
Estúdio Duncan Grant, Lareira, Charleston Trust, East Sussex, Inglaterra
Bell e Grant usaram padrões de estampas paisley ou xadrez e combinações de círculos, listras e pontos para criar um ritmo entre as diferentes partes da casa. Seu uso de cores varia de amarelo-mostarda, azul-celeste pálido, laranja-ferrugem rica ou verde-menta pálido. Mesmo que haja uma variedade de cores usadas dentro da casa, todas elas conseguem coincidir em unidade. Isso se deve ao seu estilo expressivo consistente e é uma prova de seu uso magistral da teoria das cores.
Um Jardim Encantado: Cheio de Encontros e Flores
Duncan Grant e Angelica Garnett no jardim de Charleston , Charleston Trust, East Sussex, Inglaterra (à esquerda) e Lírios de Arum por Vanessa Bell , 1919, The Courtauld Institute of Art (direita)
O campo inglês de Sussex com árvores e pomares puxou Vanessa Bell para a propriedade. Eventualmente, Bell encheu os jardins com flores, que se tornaram uma fonte de inspiração para suas pinturas. O jardim é onde aconteceriam as reuniões entre os membros da Bloomsbury. A criação do jardim é semelhante à do Giverny de Monet ou ao jardim de Frida na Casa Azul. Foi uma fonte de inspiração artística, mas também de alívio. O jardim influenciou a pintura de Bell Lírios de Arum , que retrata uma natureza morta com objetos semelhantes aos encontrados em sua casa em Charleston.
A casa e o jardim de Charleston são uma coleção de pessoas que se reúnem para criar algo que lhes era exclusivamente identificável. Das constantes idas e vindas das pessoas e da decoração em constante mudança, a casa de Charleston ainda é, em última análise, uma casa compartilhada por muitos.
Jardins de Claude Monet: um estúdio de arte ao ar livre
Claude Monet em frente à sua casa em Giverny , 1921, Musée d'Orsay, Paris
Depois de se mudar de um lugar para outro durante sua carreira artística, foi Giverny que se tornou de Claude Monet casa definitiva. Há roseiras e trepadeiras que engolfam a frente da casa dos Giverny. As portas verdes brilhantes contrastam com os vermelhos vívidos das roseiras na frente. A frente de sua casa é apenas o começo da habilidade de Monet de criar uma obra-prima de terra e jardim. Giverny tornou-se a fonte de inspiração para algumas de suas obras mais conhecidas que ainda hoje cativam os espectadores.
Os Jardins de Flores de Giverny
Claude Monet em Giverny , 1908, Museu de Arte de Denver
Monet era específico sobre os tipos de flores que plantava e onde as plantava. Ele organizava suas flores por cores, misturando espécies raras com as flores mais comuns, desde rosas, tulipas, margaridas, girassóis ou dedaleiras. Seus jardins foram autorizados a crescer abundantemente com árvores caindo sobre seus canteiros de flores e rosas trepadeiras espalhadas pelas paredes de sua casa. Monet tratou seu jardim como se estivesse criando uma pintura. A cor imperava acima de tudo e as combinações dessas cores seriam planejadas tão meticulosamente quanto suas pinturas impressionistas .
O jardim do artista em Giverny por Claude Monet , 1900, Musée d'Orsay, Paris
Os jardins de Monet dão uma sensação de imersão dos espectadores em seu mundo, assim como suas pinturas. Semelhante às pinceladas nebulosas de suas pinturas, não se pode dizer onde termina a casa e começa o jardim, fundindo os dois em um. Um exemplo é a pintura O jardim do artista em Giverny . As flores roxas brilhantes nesta pintura estão em foco contra o fundo verde desfocado de sua casa e árvores. Mesmo nesta pintura, o espectador pode ver a colocação proposital de seus canteiros de flores para criar formas e cores distintas dentro da pintura.
A ponte japonesa e a lagoa de nenúfar
Fotografia sem título, Durand-Ruel Archives, álbum no. III , Museu Metropolitano de Arte, Nova York
Monet construiu a ponte em estilo japonês, cercada por glicínias, bambu, íris e um lago de nenúfares por baixo. Criar suas próprias cenas nos jardins permitiu que ele tivesse um espaço constante onde pudesse focar e estudar uma cena específica. As pinturas da lagoa de Monet concentravam-se nos reflexos da água e não nos próprios objetos físicos. A ideia de reflexões e imersões leva Monet a criar múltiplas representações dessa cena.
A passarela japonesa por Claude Monet , 1920-22, MoMA
Uma dessas interpretações da ponte japonesa é vista na pintura acima. Na década de 1920, o uso de cor e aplicação de tinta de Monet mudou em Giverny. Suas cores se transformaram de verdes e azuis calmantes em vermelhos e amarelos energéticos. Suas pinceladas eram menos controladas e as linhas eram colocadas livremente na tela. Isso pode ser por causa da visão envelhecida de Monet, mas, no entanto, ainda há uma mudança visível neste trabalho em comparação com os anteriores.
The Art Studio: A criação da série Water Lily de Monet
Claude Monet em seu estúdio em Giverny por Henrique Manuel, 1920
Monet é conhecido por criar suas pinturas no ao ar livre estilo. Ele andava pelo interior da França, ou flutuava em um estúdio de barco pelo Sena para criar suas pinturas ao ar livre. No entanto, para suas pinturas em grande escala de seus nenúfares, ele precisava se mudar para um estúdio de arte. Monet estava na casa dos sessenta quando começou a série, e eles são alguns dos maiores em que ele já trabalhou.
Giverny cresceu ao longo dos anos e Monet com ele. Ele continuamente aumentava seus jardins e pomares existentes, o que lhe permitia nunca viajar para longe de casa. A sua inspiração esteve sempre a passos de distância e levou à criação das suas obras mais famosas.