Visionário vienense: a vida e a arte de Gustav Klimt

Marcando a transição do historicismo para o Jugendstil, a obra de Gustav Klimt moldou o início da arte moderna em Viena. Suas pinturas dão uma visão do mundo em opulência e lazer. Em alegorias, retratos, paisagens e figuras eróticas, ele concentra sua atenção na beleza acima de tudo, deixando de lado referências diretas a eventos externos. Klimt construiu seu uso de cores e padrões nas influências da arte japonesa, da arte do antigo Egito e da Ravena bizantina.

A perspectiva plana e bidimensional de suas pinturas e a qualidade estilizada da profunda sensualidade de sua pintura são lideradas pela figura da mulher. Além de sua carreira artística, quase nada se sabe de concreto sobre a vida pessoal de Gustav Klimt. Representado principalmente por boatos como um mulherengo, hipocondríaco e solteiro com um estilo de vida equilibrado, o homem por trás da arte permanece um tanto misterioso.

O início da vida de Gustav Klimt

Gustav Klimt nasceu em 14 de julho de 1862, como o segundo dos sete filhos de Ernst, um gravador de ouro, e Anna Klimt nos subúrbios vienenses. Depois de se formar em uma escola moderna primária e secundária, Gustav foi admitido na Escola de Artes e Ofícios do Imperial Royal Museum of Art and Industry (Universidade de Artes Aplicadas de Viena) em 1876, aos 14 anos.

Gustav logo foi acompanhado por seus irmãos na Escola de Artes e Ofícios e começou a receber suas primeiras encomendas. Isso incluiu o trabalho na procissão festiva projetada por o “príncipe-pintor” Hans Makart no aniversário de casamento do imperador Franz Joseph I e da imperatriz Elizabeth em 1879.

Os irmãos Klimt, juntamente com Franz Matsch, fundaram um estúdio coletivo, que ficou conhecido como o empresa de artistas (Organização dos Artistas em inglês) em 1883. Suas primeiras comissões conjuntas foram o trabalho para o escritório de arquitetura vienense Fellner & Helmer e as pinturas do teto para o salão da Hermesvilla da Imperatriz Elizabeth em 1885.

Ao contrário de sua arte posterior, pela qual é mais conhecido, Klimt treinou como pintor da tradição clássica. Como artista com formação acadêmica, Klimt havia sido escolhido pela rica burguesia liberal como decorador de seus edifícios de prestígio. Inspirado por uma nova abordagem da realidade, cedo se afastou dos ideais e normas do historicismo artístico, tanto formalmente como em termos de conteúdo.

Estabelecendo a Secessão de Viena

Em meados da década de 1890, uma jovem geração de aspirantes a artistas formou um grupo dentro da Künstlerhaus (um espaço de exposição para artistas consagrados, semelhante ao o Salão de Paris ). Opôs-se ao conservadorismo, defendendo a abertura de espaços expositivos aos movimentos modernos e internacionais. Em 1897, os artistas rebeldes, incluindo Koloman Moser, Carl Moll e Alfred Roller, proclamaram sua separação da Künstlerhaus. Sob a presidência de Klimt, fundaram a União dos Artistas Austríacos Secessão de Viena , pretendendo educar a sociedade através de conceitos artísticos orientados para o futuro e infundir a vida com arte.

A Secessão provou ser um grande sucesso desde o início. Em 1898, realizou sua primeira e segunda exposições. No mesmo ano, a Secessão ganhou um espaço expositivo próprio com a construção do prédio da Secessão projetado por José Maria Olbrich . O lema inscrito acima da entrada, “ Para cada época sua arte, para a arte sua liberdade ”, representa até hoje a abordagem radicalmente liberal do grupo. As características definidoras do novo movimento foram afirmar sua ruptura com a tradição acadêmica oficial e falar a verdade sobre o homem moderno. Para Gustav Klimt como artista, isso significou a perda de seu status de pintor aceito e estabelecido que ele construiu para si mesmo ao longo dos anos. Depois de se afastar dos primórdios tradicionais, Klimt se viu envolvido em uma série de controvérsias que definiram ainda mais sua carreira.

Os escândalos de Gustav Klimt

Juntamente com Matsch, Gustav Klimt recebeu uma encomenda para uma série de pinturas para a Universidade de Viena em 1898 e 1899. Como parte do trabalho, Klimt foi designado para as disciplinas de Filosofia, Medicina e Jurisprudência. A Universidade esperava uma série de pinturas formais em estilo clássico semelhante ao A obra de Rafael na Stanza della Segnatura . No entanto, o que eles realmente receberam após vários anos de trabalho causou tanto escândalo que Klimt pagou os adiantamentos que havia recebido e pegou as pinturas de volta.

Uma das pinturas, Filosofia , foi exibido em Paris na Feira Mundial de 1900 e ganhou uma medalha de ouro, mostrando a diferença entre os meios artísticos francês e austríaco. A segunda pintura da série, Medicamento , causou ainda mais polêmica. As figuras femininas na pintura representavam um afastamento total do estilo acadêmico tradicional do século XIX. mulheres de Klimt têm cabelos compridos e são esguios, possuindo uma consciência sexual que é ao mesmo tempo sedutora e quase ameaçadora em sua franqueza. As pinturas da faculdade garantiram que Gustav Klimt perdesse o patrocínio do imperador e de outras figuras do estabelecimento. Felizmente para ele, ele conseguiu ganhar uma vida confortável pintando retratos.

A 14ª exposição da Secessão em 1902 levou a mais um escândalo. Desta vez, Klimt contribuiu com um friso dedicado à obra de Ludwig van Beethoven destinado a ser exibido no edifício da Secessão. Três figuras alegóricas da Inveja, do Luxo e do Excesso foram desenhadas para ocupar parte da parede central da sala onde Estátua de Beethoven de Max Klinger também seria exibido. na figura de Inveja , Klimt usa o cabelo da mulher tanto para esconder seu sexo quanto para chamar a atenção para ele. Excesso assemelha-se não tanto a uma mulher, mas a um paxá turco, com o peito expandido para formar os seios femininos. A sociedade conservadora vienense ficou mais uma vez profundamente chocada com essas imagens.

Fase Dourada de Klimt

O friso Beethoven de Gustav Klimt mostra que, já em 1902, ele já empregava alguns elementos característicos de sua “fase áurea”. A fase áurea de Klimt é representada pelas obras pelas quais ele é mais conhecido hoje, incluindo O beijo , Judite e a Cabeça de Holofernes , bem como os retratos de Adele Bloch-Bauer , Danae , e muitos mais. O uso de elementos geométricos metálicos marcou o início oficial da “fase de ouro” de Klimt, que atingiu o clímax cinco anos depois com seu primeiro retrato de Adele Bloch-Bauer.

Em 1903, durante uma viagem a Ravenna, Klimt ficou muito impressionado com os primeiros mosaicos cristãos nas igrejas de Ravenna . Os resultados desse interesse foram vistos em seu próprio uso de padrões semelhantes a colagens de ornamentos de ouro e prata aplicados à superfície da tela. O estilo de Klimt tornou-se uma combinação de elementos naturais com grandes áreas de ornamentos geométricos abstratos.

Uma das primeiras obras em que Klimt usou folha de ouro real é a pintura de Judith em 1901. A heroína do povo judeu usa uma gargantilha de ouro e um cinto incrustado de pedras preciosas. O ouro também é usado no fundo, com motivos de árvores e videiras.

O auge da fase áurea de Klimt foi o primeiro Retrato de Adele Bloch-Bauer , concluído em 1907. Os motivos ornamentais individuais que Klimt usou em abundância mostram a variedade de influências estilísticas. O vestido e a poltrona de Adele lembram os mosaicos de ouro de Ravenna, os motivos de olhos e triângulos em seu vestido vêm de joias de ouro egípcias e espirais delicadas de arte micênica antiga . O fundo é feito de pequenos flocos semelhantes a biombos do leste asiático e peças de laca.

Saindo da Secessão de Viena

Em 1905, conflitos internos e diferentes objetivos dos membros da Secessão que vinham fervendo há anos finalmente levaram a uma cisão entre os artistas. Um grupo de secessionistas conhecidos como “estilistas”, ao qual Klimt pertencia, separou-se dos conhecidos como “realistas”. O motivo da separação não foi estético nem estilístico, como os nomes podem sugerir, mas foi devido ao próprio Klimt. O chamado “Grupo Klimt” (artistas que deixaram o grupo com Klimt) incluía os membros da Secessão mais ilustres e de renome internacional que partiram para seguir suas próprias ideias artísticas.

Operando independentemente da Secessão, o Grupo Klimt organizou uma das exposições mais importantes do início do século XX, a mostra de arte de 1908 . Em seu discurso de abertura como líder do grupo, Gustav Klimt enfatizou a importância das artes aplicadas, enfatizando que não havia diferença entre artes visuais “altas” e artes aplicadas “baixas”. A exposição contou com 16 obras de Klimt centradas na pintura O beijo , posteriormente adquirido pelo ministério da educação para a Moderne Galerie (atual Österreichische Galerie Belvedere). Oskar Kokoschka , outro importante artista moderno, fez sua estreia expositiva na Kunstschau e dedicou sua os meninos sonhadores para Klimt.

Anos posteriores e morte

No início da década de 1910, Gustav Klimt continuou seu sucesso internacional, com sua pintura alegórica Morte e Vida ganhando o primeiro prêmio na exposição internacional em Roma em 1911. Como seus contemporâneos artísticos, o duelo entre a vida e a morte sempre inspirou a arte de Klimt. Uma das claras influências na pintura de Klimt veio do jovem expressionista Egon Schiele , que era protegido de Klimt. As pinturas e desenhos de Schiele comumente expressavam angústia interior, típica do expressionismo. Ao contrário das obras do jovem expressionista, a pintura da Morte de Klimt parece mais reconfortante e esperançosa, com os humanos desconsiderando sua figura iminente.

Em 1918, a Grande Guerra terminou, trazendo consigo a queda da monarquia austro-húngara e sua capital imperial de Viena . No nível político, toda a Áustria foi esmagada, mas seus círculos artísticos também sofreram perdas significativas. Juntamente com Egon Schiele, Koloman Moser, o arquiteto Otto Wagner e muitos outros, Klimt foi arrastado pela mesma onda de morte.

Em 11 de janeiro de 1918, Gustav Klimt sofreu um derrame em seu apartamento e ficou paraplégico de um lado. Menos de um mês depois, no dia 6 de fevereiro, no Hospital Geral de Viena, Klimt faleceu em decorrência do derrame e pneumonia. Como reação à morte de Klimt, Berta Zuckerkandl, crítica de arte vienense, escreve: “... mesmo nestes tempos acostumados à morte, a passagem de Klimt perfura nossas almas como algo incompreensível, como uma violação de um dom maravilhoso concedido à humanidade.”

O legado de Gustav Klimt

Após sua morte, os méritos de Klimt como artista ainda eram discutidos em Viena. Ele era admirado pelos pintores vienenses mais jovens Egon Schiele e Oskar Kokoschka e, embora Klimt certamente tenha inspirado sua arte, ele nunca teve seguidores verdadeiros. Enquanto Klimt pertencia a um período de transição na arte, Schiele e Kokoschka representavam o início do expressionismo.

O próprio Klimt admirava rodin e Whistler sem copiá-los ou seu estilo de arte, então ele também não teve predecessores definidos. A única declaração que fez sobre si mesmo e sua arte foi: “Tenho certeza de que não há nada de excepcional em mim como pessoa. Sou simplesmente um pintor que pinta todos os dias, de manhã à noite.”

Hoje, mais de um século após sua morte, Gustav Klimt é lembrado como um dos mais destacados artistas modernos de todos os tempos. Deixou uma vasta obra, incluindo cerca de quatro mil desenhos e muitas pinturas . Embora Klimt nunca tenha deixado o reino do realista, seu uso pródigo de padrões e ornamentação formou uma ponte para a abstração típica da arte moderna.