Arte cubista para leigos: um guia para iniciantes

Garrafa de Vieux Marc, vidro, guitarra e jornal por Pablo Picasso, 1913, via Tate, Londres

arte cubista surgiu na primeira década do século XX, tendo como pioneiros Pablo Picasso e Georges Braque. Começou como uma forma de arte experimental que questionava a maneira como percebemos os objetos e como passamos a entendê-los. O movimento cubista, como muitos outros movimentos deste período da história, deu as costas às ideias tradicionais de pintura que foram incutidas desde o Renascimento.

Definindo a arte cubista

Garrafa e Peixes por Georges Braque , 1910-12, via Tate, Londres

A arte cubista pode ser vista como uma conversa lúdica com a arte, tanto em sua posição na sociedade quanto em seus métodos para retratar a realidade. Nesta conversa, o cubismo pede ao espectador que pense, não apenas que responda à sensualidade da cor e da linha que podemos encontrar, digamos, em uma pintura impressionista. De fato, na primeira visão de um Braque ou de um Picasso durante seus anos cubistas, o espectador intrigado fica impressionado com suas composições monocromáticas e desordenadas.

Embora o movimento do cubismo tenha tido uma vida relativamente curta, eles desempenhariam um papel integral na história do arte modernista . A arte cubista tornou-se uma influência em muitos outros movimentos artísticos, como O estilo e expressionismo , em sua busca pela representação por meio da abstração. Para entender a arte cubista e responder à pergunta “o que é o cubismo?”, precisamos mergulhar na história da arte e na preocupação modernista em encontrar uma forma de arte que exibisse com precisão a modernidade.

A formação do movimento cubismo

Encosta em Provence por Paul Cézanne , 1890-92, via National Gallery, Londres

Desde o Renascimento,a pintura da Europa Ocidental estava preocupada em como criar uma imagem racional e tridimensional em uma superfície plana e bidimensional; em direção naturalismo e longe de abstração . Havia, é claro, uma multiplicidade de métodos para fazê-lo e debates sobre qual assunto deveria ser retratado, mas o fato era que os artistas precisavam criar uma ilusão de espaço para o espectador. Essa ilusão de espaço formava o ponto de vista no qual um espectador podia entender a pintura.

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O naturalismo dominaria a pintura até o final do século XIX, quando os artistas começaram a questionar a artificialidade da pintura. Pintores como Édouard Manet havia começado a pintar em um estilo que hoje vemos como uma forma primitiva de pintura impressionista; Vincent van Gogh transformou o que viu em como isso o afetou, emocionalmente. Esses artistas estavam experimentando e tentando entender como percebemos o mundo: é através de uma impressão de uma cena, ou como nos sentimos em relação a uma cena? Uma outra pergunta seria feita por Paul Cézanne : como pintamos um objeto quando ele está continuamente mudando à medida que nos movemos em torno dele? Os objetos não chegam até nós de uma perspectiva, mas de muitas.

Natureza morta com pote de gengibre e berinjela por Paul Cézanne, 1893-94, via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

Foi Paul Cézanne quem iniciaria esse projeto de entender como renderizar objetos de múltiplas perspectivas. O naturalismo, então, era artificial e falso para a vida; ele renderizava objetos de um ponto de vista em um ponto no tempo. O movimento cubista procurava uma nova linguagem visual que expressasse com precisão a realidade.

Os Anos Fundamentais

Viaduto em L'Estaque por Georges Braque , 1908, via Smarthistory; com Horta d'Ebre por Pablo Picasso , 1909, via MoMA, Nova York

de Picasso As Damas de Avinhão (1906) não é apenas uma das obras mais influentes do século XX, mas o início do movimento cubista. É abrupto, chocante, composto de cacos, e não há espaço para o espectador olhar. As figuras são deformadas e abstraídas, lembrando a superfície plana sobre a qual a pintura é criada. No entanto, seriam Georges Braque e suas pinturas de homenagem a Cézanne que formulariam as ideias centrais da arte cubista primitiva, também chamada de analítica.

As pinturas de Braque da área de L'Estaque de 1908 mostravam casas e árvores despojadas de suas formas nuas – as formas que compõem o objeto – de maneira caótica. O espaço é condensado e a fonte de luz questionável. Braque queria acabar com o ilusionismo da pintura e confrontar o espectador com o que era uma pintura; uma tela bidimensional de signos. Conhecendo Picasso, eles começaram a experimentar essa ideia através do gênero de natureza morta.

As Damas de Avinhão por Pablo Picasso , 1906, via MoMA, Nova York

Eles queriam questionar o ilusionismo da pintura e como um artista pode retratar o que vê – pois essa é a questão fundamental para um artista – sem congelar um momento no tempo. O que a natureza-morta oferecia era uma maneira de experimentar objetos desconstruídos, restringindo o espaço e mostrando vários pontos de vista. A arte cubista analítica se tornaria uma arte de concepção e não de percepção. Era uma ideia intelectual sobre como passamos a entender os objetos ao nosso redor.

O que encontramos, então, no Cubismo Analítico é uma tela caótica de formas que significam objetos. O título da pintura dará alguma pista sobre o que devemos procurar. Por exemplo, em Braque Mandora , podemos ver claramente a boca e as cordas da mandora, mas as cordas mudam constantemente como se estivéssemos nos movendo enquanto as olhamos. A tela é composta de muitas superfícies, sombreadas arbitrariamente para não dar ao espectador uma visão de onde está a fonte de luz; as formas na pintura são elididas, criando um efeito de um olhar cambiante ao longo do tempo. Esta pintura está brincando com a ilusão de pintar enquanto mina essa ilusão.

Mandora por Georges Braque, 1909, via Tate, Londres; com Garrafas e Copos por Pablo Picasso, 1912, via Museu Guggenheim, Nova York

Os anos posteriores

Garrafa de rum e jornal por Juan Gris , 1914, via Museu Guggenheim, Nova York; com Tigela de frutas, violino e garrafa por Pablo Picasso , 1914, via Tate, Londres

O movimento cubista se transformaria em 1912 quando Georges Braque decidiu colar um pedaço de oleado em sua pintura. Este foi o início do Cubismo Sintético. A arte cubista sintética proporcionou a Picasso e Braque uma dimensão adicional ao brincar com a noção de arte. O período tardio da arte cubista analítica integrou o uso de letras estampadas na tela para lembrar o espectador de sua planura, mas agora o uso de papel colado proporcionou uma tensão incongruente na tela que interrompeu o reino das belas artes.

O uso do oleado por Braque em sua composição sinalizou o colapso das 'belas artes'. Na verdade, Braque estava dizendo implicitamente que a arte era coisa do passado; uma afirmação verdadeiramente moderna. A habilidade de pintar naturalmente estava extinta agora que se podia colar em um pedaço barato de material que parecia real; no caso de Braque, era um oleado que parecia grão de madeira.

O uso da colagem na arte cubista sintética foi notável na forma como criava tensão na tela. Ao colocar um objeto real na tela ao lado de formas esboçadas, estava brincando com a noção de ilusionismo e realidade. Essa ambiguidade chamava a atenção para a falsidade da pintura tradicional e apontava para a epistemológico diferença entre arte e representação. Ao fazer uso de uma forma de arte “baixa”, a colagem, Braque e Picasso desafiaram a arte em seu poder de representar a realidade.

O salão cubista

Paisagem por Albert Gleizes , 1912, via Museu Guggenheim, Nova York

Embora Braque e Picasso sejam vistos como os pioneiros do movimento cubista, eles estavam fora dos olhos do público, criando peças para patrocínio privado. No entanto, outros artistas como Jean Metzinger, Fernand Leger e Robert Delaunay estavam cultivando um estilo cubista. Esses artistas eram membros de um grupo chamado Seção D'Or e foram os principais pintores em conscientizar o público sobre a arte cubista.

Esses artistas cubistas diferiam de Braque e Picasso de várias maneiras. Pintaram telas maiores com temas maiores como tema; paisagens da cidade, retratos e afetações espirituais eram todos assuntos para os cubistas de salão. Podemos ver em seus trabalhos uma ocupação com modernidade e criação de uma nova forma de arte para sua época. Eles também eram muito mais filosoficamente inclinados, pegando ideias do filósofo influente e contemporâneo Henri Bergson com sua idéia de Duree; toda a vida existe em uma unidade de memória e visão.

A Torre Eiffel Vermelha por Robert Delaunay, 1911-12; com A cidade por Robert Delaunay , 1911, via Museu Guggenheim, Nova York

Esse grupo ofereceu talvez uma abordagem mais lógica da arte cubista, enquanto Braque e Picasso se concentraram em brincar com a arte e sua tradição enquanto faziam inovações estilísticas. Os pintores da Seção D’or estavam preocupados em como um indivíduo vê a realidade na experiência da modernidade, e estavam preocupados em chamar a atenção do público para essa experiência.

Arte cubista e o século XX

O crítico de arte por Raoul Hausmann , 1919-20; com Z 105 Portais ou Casas de Kurt Schwitters , 1918, via Tate, Londres

A demonstração de Braque e Picasso da arte cubista teria um efeito duradouro na arte modernista. Sua exploração da expressão formal os levou a questionar pressupostos culturais sobre arte e realidade, uma técnica que seria apreendida por dadaísmo e Surrealismo . Eles sondaram a diferença cultural entre arte “alta” e “baixa”, criando uma síntese que abriria portas para novas explorações criativas.

Após a Primeira Guerra Mundial, houve um apelo ao retorno à ordem na pintura; o caos e a destruição de tantas vidas levaram a uma revisão da arte; usá-lo para examinar a cultura, não para esquadrinhar a realidade – embora isso, em geral, não conseguisse impedir a calamidade dos anos que antecederam a Segunda Guerra Mundial.

Guernica por Pablo Picasso , 1937, via Museu do Centro Nacional de Arte Reina Sofia, Madrid

Isso não significou uma perda de reconhecimento para a experimentação cubista. Ao final da Primeira Guerra Mundial, a arte cubista estabeleceu-se como uma nova linguagem visual da modernidade, tornando-se, ela mesma, uma bela arte. As telas caóticas eram agora um método aplicável de expressão. Em 1937, quando as forças nazistas bombardearam a cidade de Guernica, o horror levou Picasso a pintar sua própria versão dos eventos para aumentar a conscientização sobre a destruição. Ele também, é claro, usou o método cubista para expressar essa realidade; pois o que era a destruição senão a pulverização de pessoas, edifícios e a paisagem em cacos espalhados?