Fotorrealismo: Entendendo o domínio da mundanidade

Ônibus com Reflexo do Edifício Flatiron por Richard Estes , 1966-67, via Smithsonian Magazine e Marlborough Gallery, Nova York

O fotorrealismo é um movimento de arte radical da América do Norte dos anos 1960 que viu pintores copiando fotografias em detalhes minuciosos em telas enormes e expansivas. Ao longo do movimento fotorrealista, os artistas demonstraram um virtuosismo técnico magistral na pintura que não era como nada antes, casando os dois meios opostos de pintura e fotografia de uma nova maneira.

Artistas tão variados quanto Malcolm Morley, Chuck Close e Audrey Flack adotaram o estilo fotorrealista para observar a nova face brilhante da cultura urbana do pós-guerra, transformando assuntos humildes ou banais, como cartões postais antigos, mesas bagunçadas ou vitrines em obras de arte hipnotizantes. . Mas, acima de tudo, o movimento artístico fotorrealista marcou um período importante na história da arte, porque desde então o material fotográfico tem desempenhado um papel vital no desenvolvimento da pintura contemporânea.

A câmera: uma ferramenta de pintor para o fotorrealismo

SS Amsterdam em frente a Rotterdam por Malcom Morley , 1966, via Christie's

Desde a sua invenção no séc.ºA fotografia do século XX inevitavelmente teve um impacto na natureza e no papel da pintura. Não era mais o papel da pintura capturar a precisão da vida, então a pintura estava livre para ser algo completamente diferente: muitos argumentaram que essa mudança levou 19ºe 20ºarte do século mais adiante nos reinos da abstração , onde a pintura poderia se comportar da maneira que quisesse. Mas no início da década de 1960, muitos artistas estavam cansados ​​de jogar tinta por si só, procurando algo novo e fresco. Entram os artistas Malcolm Morley e Richard Estes. O pintor britânico Morley é frequentemente citado como o primeiro artista a explorar o fotorrealismo, criando cópias minuciosamente detalhadas de cartões postais com transatlânticos idílicos cruzando a água azul deslumbrante em um estilo que ele chamou de super-realista.

O jantar por Richard Estes , 1971, via Smithsonian Magazine e Marlborough Gallery, Nova York

No encalço de Morley estava o pintor americano Richard Estes, que seguiu a tendência com representações meticulosamente renderizadas da fachada brilhante de Nova York, das janelas polidas dos restaurantes dos anos 1950 ao brilho metálico dos automóveis novinhos em folha. As superfícies reflexivas que ele empregou foram uma vitrine deliberada para seu comando magistral na pintura e se tornariam extremamente influentes no fotorrealismo. Esse novo estilo de pintura parecia, inicialmente, um retorno às tradições do realismo, mas, na realidade, era um reino totalmente novo de território desconhecido. O que diferenciou o trabalho do fotorrealismo dos pintores altamente realistas do passado foi uma tentativa deliberada de replicar qualidades únicas da imagem fotográfica, conforme descrito na publicação Arte no tempo : Artistas fotorrealistas das décadas de 1960 e 1970 investigaram o tipo de visão que era exclusivo da câmera… foco, profundidade de campo, detalhes naturalistas e atenção uniforme à superfície da imagem.

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Fotorrealismo, Pop Art e Minimalismo

Ferragens por John Salt , 1981 , via Galerias Nacionais da Escócia, Edimburgo

Curti Arte pop e Minimalismo, O fotorrealismo surgiu na Europa e nos Estados Unidos da década de 1950 como uma reação contra as linguagens descontroladamente emotivas de Expressionismo abstrato. A Pop Art veio primeiro, abrindo caminho com um foco atrevido no glamour enigmático da publicidade e da cultura de celebridades injetadas com cores brilhantes ácidas e designs simplificados. O minimalismo era legal e liso em comparação, uma visão refinada e refinada da abstração com grades repetitivas, geometria e cores restritas. O movimento Fotorrealista surgiu em um meio-termo entre essas duas vertentes, compartilhando a apropriação de cultura popular com Pop Art , e a racionalidade limpa e metódica do Minimalismo. Em contraste com a diversão atrevida da Pop Art, os artistas fotorrealistas observavam assuntos banais com uma ironia irônica e inexpressiva que era desprovida de emoção humana: um contraste primordial pode ser visto entre Andy Warhol motivo pop icônico de latas de sopa Campbell, 1962 e as observações fotorrealistas de John Salt de uma vitrine de uma loja de ferragens em Ferragens , 1981. O fotorrealismo também colidiu com o minimalismo ao apresentar elementos de narrativa ou conteúdo realista em oposição à sua linguagem pura e limpa de simplicidade redutiva.

Artistas líderes

'64 Chrysler por Robert Becht , 1971, via Christie's

Ao longo do início da década de 1970, o fotorrealismo ganhou ritmo e se tornou um grande fenômeno na América do Norte. Os líderes do novo estilo incluíam os artistas californianos Robert Bechtle, Ralph Goings e Richard Mclean e em Nova York os pintores Chuck Close, Audrey Flack e Tom Blackwell. Ao invés de um grupo unificado, cada artista trabalhou de forma independente, abordando um estilo fotorrealista dentro de sua própria estrutura conceitual. Robert Bechtle pintou cenas que ele chamou de essência da experiência americana, espelhando a iconografia visual da publicidade com cenas suburbanas comuns de famílias e seus automóveis confiáveis ​​como o símbolo máximo do luxo capitalista. No entanto, seu foco no verniz liso e brilhante é um pouco perfeito demais, sugerindo que a escuridão se esconde por trás dessa fachada superficial. Richard Mclean também produziu uma visão idealizada da vida americana, mas apresentou temas equestres ou bovinos em vez da expansão suburbana, documentando cavaleiros inteligentes, tratadores de animais e cavalos brilhantes sob o sol escaldante como o verdadeiro emblema do sonho americano.

Medalhão por Richard Mclean , 1974, via Museu Guggenheim, Nova York

Nasce um movimento

Vários nomes foram inicialmente lançados a essa equipe heterogênea de jovens artistas florescentes, incluindo Novo Realismo, Super-Realismo e Hiper-Realismo, mas foi o galerista de Nova York Louis K Meisel quem primeiro cunhou o termo 'fotorrealismo' no catálogo para o Museu Whitney exibição Vinte e dois realistas, 1970. Após o sucesso desta mostra, Meisel posteriormente se reinventou como um homem de torcida do fotorrealismo na década de 1970, dedicando sua própria galeria SoHo à promoção de obras de arte fotorrealista, além de publicar um guia rigoroso de cinco pontos descrevendo em detalhes precisos de como uma obra de arte fotorrealista deve ser. Outro momento marcante para o movimento fotorrealista veio em 1972, quando o curador suíço Harald Szeemann dirigiu toda a documentos 5 na Alemanha como uma vitrine para o estilo fotorrealista intitulado Questionando a Realidade – Mundos Pictóricos Hoje, apresentando o trabalho de 220 artistas que trabalham com estilos fotográficos de pintura.

Como eles fizeram isso?

Big Self-Portrait por Chuck Close, 1967-68, via Walker Art Center, Minneapolis

Artistas fotorrealistas exploraram uma série de truques inventivos e às vezes engenhosos para alcançar resultados tão impressionantemente precisos. O pintor nova-iorquino Chuck Close fez retratos enormes e minuciosamente detalhados de si mesmo e de seus amigos, combinando várias técnicas revolucionárias. A primeira era aplicar uma grade a uma imagem polaroid para decompô-la em uma série de pequenos componentes, depois pintar cada pequena parte de cada vez para impedir que ele fosse sobrecarregado pela enormidade da tarefa em mãos. Ele comparou essa abordagem metódica com o 'tricotar', pois a imagem é construída metodicamente linha por linha. Feche também os elementos de tinta aplicados com um aerógrafo e raspe neles com lâminas de barbear para obter áreas mais finas de definição e até prenda uma borracha a uma furadeira elétrica para realmente trabalhar nessas áreas mais suaves de tom. Surpreendentemente, ele reivindica seu icônico 7 por 9 pés Grande autorretrato, 1967-68 foi feito com apenas uma colher de chá de tinta acrílica preta.

Segunda Guerra Mundial (Vaidade) por Audrey Flack , 1977, via Christie's

Em contraste, a colega artista nova-iorquina Audrey Flack projetava suas próprias imagens fotográficas em uma tela como guia para a pintura; o primeiro de seus trabalhos a ser feito dessa maneira foi Retrato de família Farb, 1970. Trabalhar com projeção permitiu que ela alcançasse um nível de precisão impressionante que não seria possível apenas com a mão. Flack então aplicava finas camadas de tinta em suas telas com um aerógrafo, removendo assim todos os vestígios de sua mão no resultado final. Em contraste com os estilos desapegados de seus contemporâneos, as pinturas de Flack eram muitas vezes investidas de um conteúdo emocional mais profundo, particularmente seus estudos de natureza morta que ecoavam a tradição do memento mori com objetos cuidadosamente colocados simbolizando a brevidade da vida, como caveiras e velas acesas, como visto em obras como Segunda Guerra Mundial (vaidade), 1977.

Hiper-realismo

Homem em um banco por Duane Hanson , 1977, via Christie's

Na esteira do movimento fotorrealista, uma nova versão inflada do estilo surgiu no final da década de 1970, que veio a ser conhecida como hiper-realismo. Em contraste com o olho geral mecânico e distante dos assuntos fotorrealistas, o hiper-realismo focava em assuntos deliberadamente emotivos, enquanto aumentava a sensação de admiração e magnitude de seus assuntos com escalas enormes, iluminação extrema ou dicas de conteúdo narrativo. Curador, escritor e palestrante independente Bárbara Maria Stafford descreveu o estilo para a revista da Tate Gallery Documentos Tate como algo que é artificialmente intensificado e forçado a se tornar mais real do que era quando existia no mundo real.

A escultura era uma vertente particularmente importante da arte hiper-real, particularmente os moldes de fibra de vidro dos escultores americanos Duane Hanson e John de Andrea, que colocam figuras incrivelmente realistas em poses ou cenários que sugerem histórias não contadas sob a superfície. O escultor australiano contemporâneo Ron Mueck levou essas ideias ao extremo nos últimos anos, produzindo emblemas figurativos surreais que falam da complexidade da condição humana com escalas deslocadas destinadas a amplificar seu impacto emocional. Seu enorme bebê recém-nascido em Uma menina, 2006, tem mais de 5 metros de comprimento, capturando com dramaturgia a maravilha milagrosa de trazer uma criança ao mundo.

Uma garota por Ron Mueck , 2006, via National Gallery of Melbourne, Austrália e O Atlantico

Ideias recentes em fotorrealismo

Loop por Jeff Koons , 1999, via Museu Guggenheim, Bilbau

O fotorrealismo atingiu seu apogeu na década de 1970, mas desde então variações do estilo persistiram ao longo das décadas seguintes. Após a explosão da tecnologia da informação na década de 1990, uma nova onda de artistas adotou formas fotorrealistas de trabalhar, mas muitos foram além do literalismo do movimento artístico fotorrealista, introduzindo elementos de edição digital criativa em programas de computador.

Sem título (Oceano) por Vija Celmins , 1977, através do Museu de Arte Moderna de São Francisco

No artista americano Jeff Koons' kitsch, Easyfun-Ethereal série, incluindo a obra Loop, Em 1999, ele cria colagens digitais com recortes sedutores de revistas e anúncios em outdoors, que são então ampliados em tinta por sua equipe de assistentes em enormes telas do tamanho de paredes. No outro extremo do espectro, a artista americana Vija Celmins faz desenhos e gravuras minúsculos e primorosamente observados em papel em preto e branco, transmitindo as vastas extensões do oceano ou o céu noturno cheio de estrelas com pequenas marcas e manchas repetitivas que apenas revelar os vestígios de sua confecção.

Mortes superficiais por Glenn Brown , 2000, via The Gagosian Gallery, Londres

O pintor britânico Glenn Brown adota outra abordagem; baseando-se na linguagem surreal do hiper-realismo, ele faz cópias fotorrealistas de obras de arte expressionistas famosas que brilham com uma aura de luz não natural como se estivessem sendo vistas em uma tela de computador. O complexo processo de Brown de copiar na pintura uma fotografia da obra de arte de outro artista revela o quão intimamente entrelaçadas nossas experiências de ver e fazer pinturas estão com a experiência digital hoje.