Arte e moda: 9 vestidos famosos em pintura que avançam no estilo feminino

Retrato de Madame X por John Singer Sargent, 1883-84 (esquerda); com O músico por Tamara de Lempicka, 1929 (centro); e Symphony in White No.1: The White Girl por James McNeill Whistler, 1862 (à direita)

Para essas mulheres, tudo, desde sua riqueza, caráter e posturas políticas/sociais, tornou-se indicativo de quem elas eram baseadas nessas pinturas. Quer soubessem ou não, influenciaram as tendências da moda, indignaram os críticos e usaram a moda para se apresentarem ao mundo ao seu redor. Abaixo estão nove pinturas com vestidos famosos que vão desde o Renascimento até os tempos modernos .

Pinturas renascentistas com vestidos famosos

o Renascimento foi um momento de revigoramento cultural e artístico, pois classicismo fez um retorno revolucionário nas sociedades europeias . No entanto, este período também viu mudanças significativas na moda; dê uma olhada em como vestidos famosos em pinturas influenciaram a moda durante o Renascimento.

O retrato de Arnolfini (1434) por Jan Van Eyck

O retrato de Arnolfini por Jan Van Eyck , 1434, via The National Gallery, Londres

Jan van Eyck de Retrato de casamento Arnolfini é um grampo no estudo do tecido no retrato. A técnica de Van Eyck não deixa nada para a imaginação, pois sua abordagem à pintura de tecido cria uma experiência realista e tridimensional. O verde esmeralda em tons de joias de sua roupa de lã e mangas forradas de arminho mostra o status das famílias, já que apenas clientes ricos podiam comprar os tecidos na foto acima.

Lã, seda, veludo e pele eram raros e mais caros de produzir, em comparação com algodão ou linho, e eram um símbolo de status de quanto se podia comprar. Também mostra a riqueza de seu marido, pois mostra que ele poderia comprar muitos metros de tecido para criar seu vestido. Uma das questões mais debatidas em torno da pintura é se a mulher retratada (presumivelmente a esposa de Arnolfini) está grávida. As saias renascentistas eram tão cheias e pesadas que as mulheres levantavam as saias para facilitar o movimento.

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As Horas Muito Ricas do Duque de Berry April por The Limbourg Brothers , 1412-16, no Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (esquerda); com As Horas Muito Ricas do Duque de Berry O Jardim do Éden pelo Irmãos Limbourg , 1411-16, no Musée Condé, Chantilly, via The Web Gallery of Art, Washington D.C. (direita)

As dobras voluptuosas de seu vestido também revelam uma tendência em retratar mulheres com barrigas mais curvas, pois mostrava a esperança de conceber filhos durante o casamento. Outro exemplo disso são os irmãos Limbourg As Horas Muito Ricas do Duque de Berry. Em ambas as imagens, as fêmeas são retratadas com barrigas mais arredondadas. A imagem à esquerda representa um casamento e é comparável ao retrato de Arnolfini, pois ambas as mulheres projetam a imagem da maternidade na expectativa da gravidez. Sem olhar para a pintura com uma lente moderna, pode-se ver isso como um registro do que as mulheres usavam e o que era importante para as pessoas revelarem aos outros.

Pinturas barrocas e rococós

o Barroco e Rococó períodos podem ser caracterizados por decoração elaborada, decadência e ludicidade. Essas tendências foram vistas não apenas na arte, mas também na moda por meio de ornamentos intrincados e vestidos luxuosos. Dê uma olhada em alguns dos famosos vestidos inspirados em obras de arte.

Elizabeth Clarke Freake (Sra. John Freake) e bebê Maria (1674)

Elizabeth Clarke Freake (Sra. John Freake) e bebê Maria por um artista desconhecido , 1674, Museu de Arte de Worcester

A atenção deste artista desconhecido aos detalhes e foco nas roupas é o que torna esta pintura um importante registro da vida para Puritanos da Nova Inglaterra . Nesta imagem, Elizabeth está enfeitada com tecidos finos e acessórios da América de 1600. Sua gola de renda branca é indicativa da popular renda européia encontrada entre as mulheres aristocráticas. No topo de seu vestido está uma saia de baixo de veludo bordado dourado, e suas mangas são decoradas com fitas. Ela é adornada com jóias do colar de pérolas, anel de ouro e pulseira de granada. Esta pintura oferece uma visão única da vida puritana de Elizabeth e sua família.

O artista consegue mesclar imagens de sua riqueza em um ambiente modesto. A pintura demonstra claramente a riqueza de Elizabeth quando ela escolhe usar suas melhores roupas e joias. Também reflete a riqueza de seu marido, John Freake, para poder pagar esses luxos e encomendar este retrato, bem como um de seus próprios. A pintura também significaria sua atitude puritana de gratidão a Deus, pois sem Sua bênção eles não poderiam ter esses luxos.

O balanço (1767) por Jean-Honore Fragonard

O balanço por Jean-Honore Fragonard , 1767, via The Wallace Collection, Londres

Jean Honoré Fragonard de O balanço é um exemplo do estilo rococó nos círculos aristocráticos franceses. A pintura foi uma encomenda privada onde um cortesão francês pediu a Fragonard para criar esta pintura de si mesmo e de sua amante. Enquanto a pintura foi colocada a portas fechadas, revela o luxo, a frivolidade e a natureza clandestina da corte real francesa.

O vestido rosa pastel se destaca em meio ao exuberante jardim e é o foco central da peça. Fragonard pinta o vestido com pinceladas soltas que emulam as saias arrebatadoras e o corpete de babados de seu vestido. Sua pincelada solta coincide com o assunto desta cena de jardim idílica que é repleta de imagens coquetes e caprichosas. Com todas as constrições de espartilhos, anquinhas e fechamentos de roupas femininas, o único lugar que não tinha nada era a bainha inferior de uma saia feminina. Fragonard usou isso a seu favor ao retratar a mulher se balançando no lugar perfeito para que seu amante pudesse olhar por cima de sua saia. A comissão privada permitiu que Fragonard experimentasse seu assunto e permitiu que os espectadores descobrissem como teria sido a vida das pessoas mais ricas da corte.

Vestido francês, um vestido da França do século XVIII , 1770, via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

Sua pintura também mostra tendências estabelecidas na corte francesa para a moda. O rococó transcendeu a moda, a arte e a arquitetura para criar algo exclusivamente francês. A moda rococó incluía os tecidos mais luxuosos, incluindo sedas em tons pastel, veludos, rendas e padrões florais. Também incluiu uma quantidade excessiva de laços, jóias, babados e adornos decorativos para criar looks que chamariam a atenção na corte. O estilo definia a diferença entre os pobres e os ricos, pois a aristocracia podia se dar ao luxo de tecidos finos e adornos. Para as mulheres que vestem tal elegância rococó, a pintura é o epítome da corte real francesa antes da revolução.

Vestidos famosos em pinturas do século 19

O século 19 viu uma mudança artística de Neoclassismo no início do modernismo, dando lugar a estilos e escolas de pensamento. Este século também viu mudanças na moda; continue lendo para ver como as pinturas influenciaram a introdução de vestidos e estilos famosos que eram notavelmente mais modernos do que antes.

Symphony in White No.1: The White Girl (1862) por James McNeill Whistler

Symphony in White No.1: The White Girl por James McNeill Whistler , 1862, via The National Gallery of Art, Washington D.C.

A arte pela arte se vinculou a Symphony in White No.1: The White Girl Como James McNeill Whistler pretendia que a pintura tivesse um significado espiritual. Os críticos, no entanto, não viram assim porque a mulher retratada é Joanna Hiffernan (sua amante na época). Mais importante, foi a roupa que Whistler escolheu para pintar Hiffernan que selou o acordo e fez este vestido se destacar entre suas outras pinturas.

Este retrato foi escandaloso na época por causa do retrato de Whistler do vestido branco puro das mulheres. Durante os anos 1800, o traje de uma mulher geralmente incluía uma gaiola de crinolina underskirt feito de aço para manter suas saias à tona. As mulheres também usavam espartilhos entre muitas outras roupas íntimas para criar saias mais largas.

A mulher de branco é exatamente o oposto daquele padrão de vestimenta respeitável da época. Seu vestido de chá é uma peça de roupa que apenas seu marido (ou amante) teria permissão para ver, pois poderia ser facilmente removida. Era um vestido de dia usado em particular e não se tornaria mais popular até o início de 1900 para uso diário.

Para Whistler, sua musa deveria fazer parte de uma cena geral agradável aos olhos. Ele retratou Hiffernan como a viu e para os espectadores na época a pintura era confusa e um pouco indecente.

Retrato da senhorita Lloyd (1876) e Julho: Espécime de um Retrato (1878) por James Tissot

Retrato da senhorita Lloyd por James Tissot , 1876, via The Tate, Londres (à esquerda); com Julho: Espécime de um Retrato por James Tissot , 1878, via Cleveland Museum of Art (à direita)

James Tissot criou inúmeras pinturas retratando a moda feminina durante o final de 1800. Ele estava à frente da moda europeia e é conhecido por pintar seus temas com as últimas tendências da moda. A moda feminina começou a dar uma guinada entre as jovens em Paris e Londres durante o final de 1800. As saias largas e pesadas de seus antecessores vitorianos foram substituídas por saias mais estreitas e anquinhas cheias nas costas. O que destaca esse vestido em particular é o uso contínuo de Tissot em suas pinturas. Tissot usa em outra de suas pinturas A Galeria do HMS Calcutá (Portsmouth) e em todos os três ele a usa em contextos completamente diferentes.

Senhorita Lloyd à esquerda está usando o vestido como seria usado na sociedade. Este vestido estaria na moda na época, pois a cintura apertada e a figura de ampulheta são acentuadas por seu vestido. As linhas retas de seu vestido também mostram a rigidez de sua pose ao contrário do retrato à direita.

A direita é um retrato de Kathleen Newton (sua companheira na época) vista em um ambiente íntimo durante os meses de verão. Comparado ao primeiro retrato, tudo na forma como ele retratou o vestido exala langor e sedução. Newton é vista descansando em um sofá e seu vestido parece desgrenhado e desfeito. Suas saias fluem livremente no sofá, e vários laços e colchetes estão desamarrados.

Ambas as mulheres têm seu próprio charme distinto e mistério em torno delas. O vestido em si significa as diferenças na cultura popular durante o seu tempo. Um é tradicional e convencional, enquanto o outro é descaradamente íntimo, mas escandaloso para os espectadores durante o século XIX.

Retrato de Madame X (1883) por John Singer Sargent

Retrato de Madame X por John Singer Sargent , 1883-84, via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

Quem estiver na frente Madame X é surpreendida pela estatura e esplendor de seu retrato. John Singer Sargent criou uma imagem de uma mulher que, embora inaceitável para sua época, tornou-se uma de suas pinturas mais reconhecidas e reverenciadas. É um retrato de Madame Pierre Gautreau, uma beldade americana misturada à alta sociedade francesa. Criou tanto escândalo que o próprio John Singer Sargent teve que deixar Paris para Londres.

Embora vestidos semelhantes aos dela fossem usados ​​como fantasias ou para festas, eles não eram desgastados na sociedade cotidiana. Há certos detalhes que tornam este vestido tão escandaloso. Seu espartilho é extremamente apontado para a metade inferior de seu abdômen. O decote em V acentuado e as alças de contas mal cobrem seus ombros e expõem o que eram consideradas partes íntimas de uma mulher, portanto, inadequadas para serem exibidas em público.

Vestido de noite projetado por Hoschedé Rebours , 1885, via The Metropolitan Museum of Art, Nova York

Depois que Sargent submeteu a pintura ao Salão de Paris de 1884, suscitou indignação entre críticos e espectadores. Gerou polêmica para uma mulher casada de sua classe ser vista publicamente de forma tão provocativa. Para os espectadores no salão, parecia que ela estava usando roupas íntimas em vez de um vestido real. A pintura foi prejudicial para Mme. A reputação de Gautreau como as pessoas via seu retrato como um reflexo de uma personalidade lasciva.

Originalmente não era para ser uma tradução literal de Mme. personagem de Gautreau. O próprio Sargent selecionou o vestido e sua postura, e os adereços lembram antigos estátuas romanas aludindo a Diana, deusa da caça e da lua . Essa criação prejudicaria a reputação de ambos. Sargent eventualmente removeu seu nome do retrato, renomeando-o Madame X .

Vestidos famosos em pinturas do século 20

A arte no século 20 focado na abstração e expressão, passando por mudanças significativas com novos estilos e temas. Isso também trouxe a exploração de novas formas e sínteses de moda e arte . Aqui estão vestidos famosos vistos em pinturas durante o século inovador.

Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) Por Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I por Gustav Klimt , 1907, via New Gallery, Nova York

O vestido dourado de Adele Bloch-Bauer mostra Gustav Klimt O retrato de uma mulher sem restrições pelo mundo ao seu redor. Comparado a outros retratos de senhoras da alta sociedade de seu tempo, este retrato se destaca entre os demais. Em vez de pintar uma mulher de classe alta descansando em jardins ou lendo em sofás, Klimt transforma Adele em uma figura de outro mundo. Seu vestido é uma figura rodopiante cheia de triângulos, olhos, retângulos e iconografia. Não há sinais de espartilhos retos ou camadas sobre camadas de roupas. Em vez disso, ela é exemplificada como desinibida enquanto flutua em seu mundo de ouro. Arte Nova contém temas da natureza e imagens míticas. Também se relaciona com a moda boêmia que Klimt usava e usava em várias outras pinturas.

Emilie Flöge e Gustav Klimt no Jardim da Villa Oleander em Kammer no Lago Attersee , 1908, via The Leopold Museum, Viena

Klimt costumava pintar desenhos criados pelo estilista Emilie Flöge . Ela não é tão conhecida como suas contemporâneas ou antecessoras no mundo da moda, mas deu passos retumbantes na criação de moda para as mulheres de seu tempo. Às vezes, era um esforço colaborativo, pois Klimt também usava seus vestidos famosos em muitas de suas outras pinturas. Os vestidos de Flöge têm silhuetas soltas e mangas largas, que não incluem espartilhos ou outras roupas íntimas restritivas. As obras de Klimt e Flöge avançaram um modo de vida boêmio com fronteiras borradas entre o tradicional e o não convencional, como visto no retrato de Adele Bloch-Bauer.

O músico (1929) Por Tamara Lempicka

O músico por Tamara de Lempicka , 1929, via Christie's

Tamara Lempicka criou retratos que exploraram a feminilidade e a independência durante a década de 1920. A pintora art déco ficou conhecida por seus retratos de celebridades que exploravam uma forma estilizada e polida de Cubismo que se tornou sua marca registrada. Ira Perrot (amigo próximo e amante de Lempicka) é visto como uma manifestação literal da música em O músico . O que destaca a pintura é a representação do vestido azul. A técnica de Lempicka de lançar sombras nítidas com sua paleta de cores saturadas dá movimento ao vestido para que pareça que ela está flutuando no ar. A bainha curta do vestido e as pregas em cascata ainda lembram moda de 1920 , que foi um ponto de virada na moda feminina. As mulheres usavam vestidos famosos que mostravam suas pernas e braços enquanto usavam saias plissadas que facilitavam a dança.

Lempicka se inspirou e estudou as obras dos Mestres Artistas da Renascença e usou temas semelhantes com uma abordagem moderna. Tradicionalmente, a cor azul pode ser vista nos vestidos da Virgem Maria nas pinturas medievais ou renascentistas. O azul ultramarino era raro e foi usado com moderação para pinturas significativas. Aqui, Lempicka não tem medo de usar a cor como ponto focal dominante no retrato. É este azul, junto com seu uso excepcionalmente forte de tinta lisa, que amplifica a luminosidade e a graça de seu vestido fluido.

As Duas Fridas (1939) Por Frida Kahlo

As Duas Fridas por Frida Kahlo , 1939, no Museu de Arte Moderna, Cidade do México, via Google Arts and Culture

Os tecidos coloridos e tecidos à mão do México estão entrelaçados com o legado da Frida Kahlo . Ela abraçou essas roupas como parte de sua herança e é vista usando-as em vários autorretratos e fotografias. Os famosos vestidos exibidos em Frida Kahlo As Duas Fridas simbolizam suas conexões com ambos os lados de sua herança europeia e mexicana.

A Frida à esquerda reflete sua criação em uma família de classe média alta. Seu pai era originalmente da Alemanha, e sua vida doméstica de infância continha costumes ocidentais. A renda branca de seu vestido simboliza o estilo popular na moda europeia. Esta versão ocidentalizada contrasta com o desejo da direita Frida de abraçar sua herança mexicana usando um vestido tradicional tehuana. Esta roupa é algo que foi incentivado pelo marido Diego Rivera , especialmente em sua luta pela mudança em seu país. Ele mostrou seu orgulho em usar roupas indígenas e tradicionais do México.

A roupa de Kahlo é um aspecto importante de sua vida e trabalho. Depois de contrair poliomielite quando criança, uma de suas pernas ficou mais curta que a outra. Suas saias coloridas tornaram-se uma maneira de esconder sua perna de uma forma que a protegia do escrutínio. Seu guarda-roupa incluía vestidos tehuana, blusas huipil, rebozos, adornos floridos e joias antigas. Essas roupas são importantes para observar quando se olha para as obras de Kahlo, pois são uma ilustração de seu amor, dor e sofrimento que ela incorpora em seu trabalho.