O desespero niilista nas pinturas de Alberto Giacometti

Alberto Giacometti Sentado com suas esculturas , via Gagosian Gallery, Nova York (esquerda); com Homem sentado por Alberto Giacometti , 1950, via Christie's (à direita)

Alberto Giacometti foi um escultor e pintor suíço associado Cubismo , Surrealismo e arte contemporânea durante o século 20. Ele é mais conhecido por suas esculturas humanóides totêmicas e é considerado um dos escultores mais prolíficos de seu tempo. Suas pinturas, no entanto, também eram únicas em sua abstração e sensação de desolação áspera. Leia mais para uma análise do desespero existencial das pinturas de Giacometti.

O contexto da obra de Alberto Giacometti

A mãe do artista por Alberto Giacometti , 1950, via MoMA, Nova York

não seria tão ruim. Se eu pudesse fazer apenas uma cabeça, uma cabeça, apenas uma vez, então talvez eu tivesse a chance de fazer o resto, uma paisagem, uma natureza morta. Mas é impossível

- Alberto Giacometti

As obras do artista suíço Alberto Giacometti definem-se pelo que lhes falta. Enquanto o mundo ao seu redor foi assolado pela guerra na primeira metade do século 20, demolido e reduzido em significado, as obras de Giacometti exibiam a mesma economia desolada. Suas esculturas e pinturas são reduzidas às versões mais simples de si mesmas. As figuras aparecem ressecado e deformado , e até os retratos lutam para lembrar a semelhança. Todos os três Giacometti, a babá e o espectador permanecem isolados um do outro. A incapacidade de as obras de Giacometti cumprirem seu propósito, apesar de seu processo implacável, traz uma sensação de que o potencial de significado foi totalmente erodido. Isto é o medo existencial que permeia a arte de Giacometti.

Isaku Yanaihara por Alberto Giacometti , 1956, via The Art Institute of Chicago

Em toda a sua obra, o processo de redução de Alberto Giacometti é expresso de várias maneiras. Em suas esculturas, ele cavava figuras até o pontoele faria sua cabeça parecer a lâmina de uma faca. Em suas pinturas também, ele era conhecido por retrabalhar interminavelmente um retrato até que quase nada restasse. Ao falar sobre a experiência de pintar o filósofo Isaku Yanaihara , comentou GiacomettiCostumávamos trabalhar o dia todo e, à noite, era uma pintura. E quanto mais dava certo, mais ele desaparecia.Uma das constantes mais fortes na obra de Giacometti é que a incapacidade de desvendar o sentido é o que o leva a agir com tanta insistência na deformação e na reconstituição de seus sujeitos. Aceitando isso, essa noção se expressa melhor em suas pinturas, até melhor do que nas esculturas, pela natureza da pintura representacional como um todo, bem como pela crise de pintura modernista , especialmente no que se refere à fotografia, e suas tentativas de se reinventar.

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Por que pintar era impossível para Giacometti

Annette negra por Alberto Giacometti , 1962, via Museu Guggenheim, Nova York

Sobre a crise da pintura modernista, tomemos esta citação, atribuída a Alberto Giacometti por seu biógrafo, James Lord :

É impossível pintar um retrato, disse ele. Ingres poderia fazê-lo. Ele poderia terminar um retrato. Era um substituto para uma fotografia e tinha que ser feito à mão porque não havia outra maneira de fazê-lo na época. Mas agora isso não tem sentido. A fotografia existe e isso é tudo.

(James Senhor, Um retrato de Giacometti , pág. 9)

Por causa da gradual desvinculação da pintura a óleo da representação realista, o acabamento de uma peça tornou-se indescritível. Na pintura modernista da qual Alberto Giacometti participou, o objetivo não podia mais ser meramente ilusionista, pois as pinturas haviam sido ultrapassadas como as imagens de aparência mais convincentemente real. Esse título agora pertencia à fotografia. Desde a invenção da fotografia, os pintores foram compelidos a ir além do visual, mas ainda devem respeitar os meios do visual. Esta é a impossibilidade de pintar. O pintor deve criar uma ilusão imagética, mas nunca pode completar adequadamente tal tarefa. A pintura deve parar em algum momento e esse ponto não pode ser inteiramente satisfatório, daí a insistência de Giacometti de que ele não pode terminar uma pintura.

Jean Genet por Alberto Giacometti , 1954-55, via Tate, Londres

A existência de um novo padrão no imaginário representacional fez com que a pintura entrasse em crise de identidade. Principalmente na primeira metade do o século 20 , quando Alberto Giacometti viveu e trabalhou, a pintura sentiu a crescente pressão da fotografia como forma alternativa de representação imagética. À medida que a fotografia colorida se tornou comercialmente disponível nas décadas de 1940 e 1950, a identidade da pintura mudou radicalmente, levando a movimentos como expressionismo abstrato , onde a representação foi inteiramente assaltada para reificar as qualidades que diferenciavam a pintura da fotografia, como a materialidade e o processo. Por outro lado, em outras formas de arte, como a escultura, não existia nenhum substituto extremamente realista. Embora a escultura certamente tenha participado do mesmo arco do modernismo que a pintura e, em alguns casos, abriu o caminho (O escultor imensamente influente Constantin Brancussi , por exemplo, foi um dos primeiros expressionistas abstratos), a mesma pressão para se reinventar e se restabelecer não existia.

As questões fundamentais da pintura

Homem apontando por Alberto Giacometti , 1947, via Tate, Londres

Quanto à natureza da pintura e sua relevância para a busca de Alberto Giacometti, podemos entender novamente comparando-a à escultura. Esculturas, mesmo as representativas, podem operar como referências a si mesmas. Há uma realidade necessariamente asseguradora para uma representação escultórica porque, por sua dimensionalidade, é mais capaz de refletir com mais precisão a natureza de um assunto físico real. A pintura representativa, em contraste, é meramente ilusionista, e suas qualidades físicas costumam ser mais um obstáculo à sua capacidade de refletir o assunto do que uma vantagem. Incidentes de pinceladas visíveis, o grão da tela ou o empastamento da pintura em camadas chamam a atenção para a artificialidade de uma peça. A pintura não se presta à representação de objetos no mundo observável tão bem quanto a escultura. A pintura pode ser incrivelmente eficaz na captura de cenas ou na sensação de luz, mas a forma é o território da escultura.

Diante disso, pode-se observar como Alberto Giacometti enfrenta as deficiências da pintura. Nas pinturas de Giacometti, o assunto é formado a partir de uma massa de linhas cruzadas. Ocasionalmente, esse tratamento se estende por toda a imagem, mas é mais tipicamente focado apenas na cabeça, com o resto do espaço deixado sem forma, ou apenas sugerido por massas nebulosas de tinta irradiando do modelo. Notavelmente, ele geralmente não está descrevendo a cabeça em relação a qualquer outra coisa, pretendendo, em vez disso, estabelecer sua presença além das circunstâncias em que a observa. Seu objetivo com a pintura não é considerar uma cena ou espaço inteiro, mas manifestar uma forma definida. Desta forma, sua pintura é como uma escultura.

Diego por Alberto Giacometti , 1959, via Tate, Londres

Evidente por isso é a fixação absoluta de Giacometti em uma única forma, a cabeça, muitas vezes com exclusão de tudo o mais. Então, nas pinturas de Giacometti, onde a forma é uma questão primordial, senão a única, o meio é imediatamente posto à prova, suas limitações expostas. A existência dessas limitações só é exacerbada pela busca incansável de Giacometti pela forma tangível. Ao longo de seu laborioso processo, podemos observar como Giacometti reestrutura gradualmente as formas em suas pinturas, mais obviamente as cabeças e corpos de seus modelos. Ele trabalha contra a impossibilidade de um retrato real e começa a tentar resolver questões fundamentais da pintura por meio do próprio meio. Contraintuitivamente, o corpo de seu modelo e a imagem que o abriga começam a se deformar.

Homem Sentado por Alberto Giacometti, 1949, via Tate, Londres

Como outro exemplo de como Alberto Giacometti acertou as questões da pintura, é notável seu hábito de desenhar uma moldura para o tema. Um recurso comum nas fotos de Giacometti é o enquadramento de uma imagem dentro da imagem; ele muitas vezes desenha outra caixa dentro dos limites da tela, onde toda a imagem é feita, deixando as bordas intactas. Ele está reconhecendo e exagerando o enquadramento artificial de uma pintura. Isso funciona para formalizar o sujeito, aprisionando-o e garantindo o isolamento total da imagem e do corpo do mundo exterior. A imagem parece mais distinta e separada do mundo exterior. Em certo sentido, ao isolar a imagem dessa maneira, Giacometti auxilia na tentativa de manifestar a forma em sua pintura, pois ela está menos sujeita aos padrões da forma real e dimensional. Em outro sentido, o exagero dos limites artificiais do plano pictórico é uma espécie de auto-sabotagem, garantindo que o assunto da pintura nunca possa ser confundido com uma forma literal. Independentemente disso, o que fica claro é o compromisso de Giacometti com a tradição e as limitações da pintura representacional e sua recusa em ofuscar a natureza de seu trabalho; ele pretende alcançar a forma tangível na pintura em seus próprios termos: os termos estabelecidos da pintura a óleo.

A perda de sentido nas pinturas de Alberto Giacometti

Carolina por Alberto Giacometti , 1962, via The Art Institute of Chicago

O trabalho de Alberto Giacometti é sobre a perda. Isso aparece em um sentido literal por meio de seu processo redutivo incessante e, mais abstratamente, por seu engajamento com o niilismo. Embora o tema seja onipresente em sua prática, há um sentimento particular e compartilhado entre a pintura e esse tipo de existencialismo. A perda de sentido em um mundo instável, como se reflete em um meio antiquado desesperado por um novo propósito. As tentativas fracassadas do artista de captar qualquer coisa de um vazio de pavor coincidem com a futilidade de conjurar algo tangível na pintura. Assim como a frágil ilusão de sentido é dissipada no mundo ao redor de Giacometti, a ilusão da forma desaparece da pintura com a menor mudança de percepção.